Las dificultades que entrañan un nombre y estilo poco convencionales Jun24

Las dificultades que entrañan un nombre y estilo poco convencionales...

Escoger un nombre de difícil búsqueda en internet, así como dar forma a un estilo musical poco característico de la escena nacional, son obstáculos que tiene mucho mérito salvar. L.A. ha confiado en su música desde el primer momento, y a pesar de las dificultades con las que se ha topado en su particular camino, sigue todavía en pie de guerra. Valiéndose de su capacidad para acometer el pop rock y componer grandes canciones. L.A. es un nombre que difícilmente nos hace pensar en España si no va acompañado de algún otro dato. Pero, L.A., es el nombre de una formación musical oriunda de Mallorca. No obstante, sin necesidad de entrar en valoraciones de lo original o no que pueda resultar esta elección para bautizar a un grupo de música, la decisión tomada se encuentra con su primer obstáculo en los territorios cibernéticos. Porque buscar referencias de esta banda, sea con apetito de información general o para escuchar su discografía, no resulta nada sencillo si el único dato del que uno dispone es, precisamente, de su nombre al desnudo. Es seguro que los componentes de la banda no pensaron en un detalle así, por el mero hecho de que esto no debería repercutir en el carácter mediático de un conjunto de músicos que aspira a hacer llegar su trabajo al mayor número posible de oyentes y amantes de la música. Pero lo cierto es que, en la red, no es asunto sencillo dar con ellos sin querer, o disponiendo de muy pocas referencias. A esta particularidad un tanto perjudicial para la expansión mediática de este grupo de pop rock se le añade otro contratiempo: su esencia totalmente indie, totalmente british. Formado por cuatro músicos, L.A. es una banda cuyas canciones están compuestas en inglés,...

Stanley Kubrick: Cal y arena Jun24

Stanley Kubrick: Cal y arena...

Hoy acaba el especial que la revista Aladar ha estado publicando sobre la cinematografía de Stanley Kubrick. Es muy posible que la obra de este autor sea una de las más sólidas de la historia del cine y, por tanto, una de las obras que más perdurarán en el tiempo. Es el turno de tres películas inolvidables aunque parte de los espectadores entiendan que, dos de ellas, son trabajos que contienen una gran impostura intelectual y, por ello, resultan aburridas y artificiales. En el cine de Stanley Kubrick hay quien encuentra obras de arte en cada trabajo y quien cree estar frente a tostones sobrevalorados, se trate del título que se trate. Son muchos los que, al mismo tiempo, ven en las películas de Kubrick grandes mapas de cuestiones misteriosas, símbolos que hay que descifrar, películas que son una excusa para hablar de otras cosas ocultas. Lo cierto es que en la cinematografía de este director encontramos títulos incontestables como, por ejemplo, El Resplandor (The Shining, 1980), y otros que pudieran ser discutidos con cierta facilidad. Lolita (1962) y La Chaqueta Metálica (Full Metal Jacket, 1987) se encuentran en este último grupo. El Resplandor es una de las películas más terroríficas de la historia del cine. El realizador norteamericano adaptó la novela de Stephen King alejándose del texto original e introduciendo mecanismos narrativos en el rodaje que distanciaban la película de lo que era el canon, el ideario colectivo implantado en ese momento. La oscuridad se convertía en una luz cegadora y los sobresaltos ni estaban ni se los esperaba. La distancia entre el espectador y el personaje, de pronto, era enorme; todo se veía más como algo horrible que no había que vivir a base de sustos aunque con un horror mucho más...

AUDIOVISUALES DE UNA NIÑEZ Jun24

AUDIOVISUALES DE UNA NIÑEZ...

Los primeros años de los 80 se desplegaron en mi niñez, ante mis ojos y desde la pantalla del televisor. Era un tanto complicado escoger las historias, y disponer de un video en el que introducir las películas de alquiler, una suerte. Los géneros fílmicos y seriados iban fraguando mi imaginario sobre qué era el humor, la tragedia, el terror, el suspense, la fantasía, lo romántico, el conflicto, la ciencia- ficción, un musical, la aventura. Así fue como empecé a ensanchar el mundo en el que vivía, dotándolo de múltiples tonos y sentidos. En mi casa, la tríada, Marisol, Rocío Dúrcal y Joselito eran una constante. Independientemente de las relaciones discordes y filiales que establecían Un rayo de Luz entre un abuelo y su nieta; Una Canción de Juventud entre una hija y su padre; y entre un capellán y un huérfano, El pequeño ruiseñor, estas películas te enganchaban porque sus canciones las canturreaba tu madre y la madre de tu madre a la hora de compaginar cualquier tarea. Una se afanaba por seguir la saga, cogía papel y boli, y cada vez que la reponían podía completar la siguiente estrofa para acabar sabiéndomelas tan bien como ellas. Hace poco, me regalaron el disco de las mejores canciones de cine de la Dúrcal, se lo pasé a mi madre y se emocionó tanto, que ahora no hay quien le quite el CD. En casa de mi abuela Gracia, el cuento cambiaba un poquito. Había vídeo, primero fue Beta y después VHS. Mi tío Diego, quien siempre llegaba con pelis de los Hermanos Marx bajo el brazo, nos inició en el humor inteligente. Era alucinante como Harpo descomponía un piano y lo transformaba en un arpa, en un abrir y cerrar de ojos; la parte...

LA EMBAJADA KEICHŌ Jun24

LA EMBAJADA KEICHŌ

El año pasado se cumplieron cuatrocientos años de la Embajada Keichô, la primera misión diplomática y comercial japonesa en España. Con ese motivo, diferentes organismos culturales vienen organizando muestras y conferencias dentro de las celebraciones del Año Dual España-Japón. En una microexposición, la Biblioteca Histórica de la Universidad Complutense de Madrid presenta un hermoso mapa del archipiélago de Japón de Abrahan Ortelius, impreso en Amberes en 1602. Forma parte de la destacadísima colección japónica de la institución, compuesta por rollos, libros y archivos fotográficos. Colección Japónica Biblioteca de la Universidad Complutense Madrid. 2 de junio a 30 de septiembre 2014 Es el pretexto para recordar un acontecimiento destacado que convirtió a Sevilla en la capital del mundo –en todo el mundo más conocida ilustre ciudad de Sevilla– sede del encuentro entre dos culturas. En el siglo XVII, ávido de adelantar su poder y su prestigio, uno de los señores feudales de Japón, Date Masamuno, daimyo de Sendai, toma bajo su responsabilidad el libramiento de una legación diplomática ante las cortes de Felipe III y el Papa Paulo V. Es así como el 28 de octubre de 1613 el samurái Hasekura Tsunenaga fue puesto al frente de un séquito de más de ciento cincuenta personas entre soldados, comerciantes, consejeros y sirvientes que salieron del puerto de Tsukinoura hacia Acapulco, siguiendo la ruta del Galeón de Manila. Esta era una de las líneas comerciales más largas que han atravesado el planeta y permaneció en funcionamiento durante cuatro siglos. El Galeón, que podía albergar mil personas y desplazaba dos mil toneladas, era el barco más grande que se había construido hasta el momento, salía dos veces al año de Filipinas cargado de especias, porcelana, seda, lacas y marfil, y arribaba a Acapulco en un viaje de cuatro...

10 Libros álbum imprescindibles...

El libro álbum es un género literario, más asociado a la literatura infantil, que consiste en el diálogo y la articulación entre dos códigos simultáneos: el texto y la imagen. A estos dos códigos hay que sumarles un tercer componente: la edición. Esta última es fundamental puesto que en los álbumes el libro como objeto también participa en la construcción de sentido. Sin embargo, un libro álbum puede prescindir de uno de esos códigos: del texto, y entonces conformarse sólo de imágenes, pero esto no podría darse a la inversa. La función de las ilustraciones es narrar, y nunca acompañar al texto. En el libro álbum, texto e imágenes se complementan y ambas son herramientas para construir la narración, por eso ninguna es más o menos importante que la otra. En definitiva: es un género visualmente maravilloso. Elegir sólo 10 libros álbum es una tarea un tanto desesperante. En los últimos años la industria editorial ha atendido con mucho interés a este género y se ha producido mucho al respecto. A la hora de temblar por la amenaza del e-book y la desaparición del libro en papel, el álbum tiembla menos puesto que justamente su materialidad es uno de sus tres componentes que le dan su razón de ser, y entonces no podría ser reemplazado así como así por un formato digital; en tal caso, tendría que ser conceptualmente re-pensando. Hay autores de libros álbum ya clásicos, como Sendak o Anthony Browne. O personajes igual de famosos como la cerdita Olivia o los gorilas de Browne; o Élmer, el elefante de colores, o Eloise y sus viajes por el mundo. Pero en esta selección de 10 libros álbum imprescindibles (¡sólo 10!) muchos han quedado injustamente por fuera y entonces me rindo y me limito...

El diálogo en la escritura creativa (II)...

El diálogo es confrontación de dos formas de entender el mundo; choque entre los universos de los personajes. Y el diálogo es un recurso literario que funciona dentro de la estructura del relato al estar integrado en el punto de vista elegido. No es algo independiente. Al contrario, afecta definitivamente al resto de lo narrado y al resto de los recursos. Además, se arrastra hasta el final del relato. Su sentido y la relación con el narrador es motivo de análisis en esta segunda entrega sobre el diálogo del Taller de Escritura Creativa de Aladar. A todo diálogo le sucede inmediatamente una pregunta: ¿qué me han querido decir? Los diálogos están cargados de silencios, de vacíos, de incógnitas. Pero estos silencios no pueden resolverse con información. El conocimiento que buscamos en el diálogo no procede de la información sino del sentido. La información la podría proporcionar el narrador y, siendo así, no tiene sentido utilizar un recurso tan difícil como el diálogo. No olvidemos que estamos enfrentando a dos logos y que el logos es estructura del universo de cada uno. Por tanto, enfrentamos dos formas de ver el mundo. Ahora bien, ambos son necesarios y ambos mantienen su inteligencia (que uno prevalezca sobre otro convierte ese diálogo en un monólogo encubierto). Los interlocutores se hablan porque se necesitan uno al otro. Se establece una relación de interdependencia, de necesidad, sobre la base común del no saber. El lector (después de un diálogo) debería aplicar las preguntas sugeridas al movimiento de los personajes a lo largo de la narración, pero desde la perspectiva de una respuesta constante a la pregunta ¿qué nos han querido decir? Por ello, el diálogo es una estructura abierta, se arrastrará durante toda la narración. Cuanto más se abstiene el...

Rehabilitando a Machado (II) Jun24

Rehabilitando a Machado (II)...

De entre todos los homenajes que se han hecho a Antonio Machado, hay uno que me parece singularmente hermoso: el celebrado en junio de 1975 en la Casa de la Unesco de París. Por la belleza del espíritu de la celebración, que trasciende el tiempo, casi 40 años después. Un homenaje literario, político y vital, en el que poetas y pensadores, ausentes y presentes, pusieron su voz, y su palabra, para recordar en este acto a Machado, y reivindicar, a través de su figura, la vuelta de la libertad soñada. Es difícil tener entre las manos el magnífico libro- recordatorio «Homenaje en el centenario de Antonio Machado». Unesco 12 de junio de 1975» editado por Caja Granada y no desear vivamente haber estado presente ese dia en la Casa de la Unesco de París. Estar allí, dejándose contagiar por la unión, el compromiso, la literatura y la esperanza que tan fuertemente se transmiten a través de la lectura de las intervenciones, los poemas y cartas enviados, y de la contemplación de las fotografías. Porque lo que ha hecho Caja Granada, ha sido algo precioso: reproducir, íntegramente, todo lo que lo configuró. Incluyendo un cd con los archivos sonoros de las intervenciones. Solo con ello, y con la recopilación de los textos que se reunieron para dicho homenaje, hubiese sido ya un libro de una importancia literaria e histórica enorme, pero tiene algo más: tiene magia. La reproducción gráfica que se hace de todo aquel papel que tuvo que ver con aquella celebración nos lleva atrás en el tiempo,nos hace sentirnos como si hubiésemos estado casi allí, sentados en una esquina, inmersos en lo que ocurría. Y lo que ocurría era que hacía 100 años que había nacido Antonio Machado, y estaban vivos, soñando con...

Liverpool no duerme en agosto Jun24

Liverpool no duerme en agosto...

Cada año, Liverpool recibe a todo tipo de personajes que intentan encarnar a los componentes de una de las bandas más importantes de la historia. Es posible que la más grande de todas. No son otros que The Beatles. Y ya son cincuenta ediciones. Punteos exactos, flequillos exactos, casacas exactas; componen una falsificación enorme y, por supuesto, exacta. El grupo norteamericano Instant Karma, los españoles Los Escarabajos o los argentinos Merseybeat, son algunos de los grupos que se dan cita en Inglaterra para rendir homenaje a sus ídolos. Rubber Soul. Track 11. [Play]. There are places I’ll remember all my life though some have changed. Por ejemplo, el prado de Dovedale Road, el lugar de juegos de recreo de la escuela infantil George Harrison y de John Lennon. Más de sesenta años después, una banda noruega de cincuentones rockeros se entrega hasta el éxtasis haciendo una versión enérgica y guitarrera de ‘Kansas City’, flirteando con el heavy nórdico. Tumbados sobre la hierba, cientos de seguidores beben cerveza, cierran los ojos, miran al cielo. Por ejemplo, el American Bar del Hotel Adelphi, en el que una formación japonesa despliega una performance mimética del concierto del Shea Stadium de Nueva York: los mismos instrumentos, los mismos flequillos, las mismas chaquetas de aire militar, las estrellas de rangers, el mismo setlist, las mismas bromas con el público, los mismos movimientos histriónicos de un Ringo de ojos rasgados y piel cetrina. Por ejemplo, la Iglesia de Saint Peter en Woolton, en la que una mujer barre el arroz caído al suelo justo después de una boda. No es Eleanor Rigby, porque está enterrada a menos de cincuenta metros, en el lugar en el que unos adolescentes españoles cantan a capella el tema escrito por McCartney para rendirle un...

Diez grandes actrices en diez grandes escenas Jun24

Diez grandes actrices en diez grandes escenas...

Ingrid Bergman, Bette Davis, Barbra Stanwyck, Elizabeth Taylor, Audrey Hepburn, Gene Tierney, Katherine Hepburn, Rita Hayworth, Deborah Kerr y Claudette Colbert, son los nombres de diez mujeres que han pasado a la historia del cine por méritos propios. Y han protagonizado escenas inolvidables junto a otros actores y actrices de gran fama que los amantes del cine conservaran siempre en la retina. Aquí se recuerdan diez de esas escenas que, sin ser excluyentes con muchas más que protagonizaron distintas actrices, sirven de repaso al cine anterior al de los años sesenta. Es una selección que trata de homenajear a esas actrices, pero, también, al resto que, por razones obvias de espacio, no están. En cualquier caso, lo que es seguro es que estas diez mujeres rompieron el molde. 1)     Ingrid Bergman: siempre verdadera Cuando Ingrid Bergman le pide a Sam que toque de nuevo As time goes by en Casablanca, cuando se despide de Rick o cuando le mira a Gary Cooper en Por quién doblan las campanas, resplandece con una luz que parece proceder de su interior. Era infinitamente más auténtica y cercana que su compatriota, «la Divina» Garbo y creo que fue con diferencia la mejor heroína de Hitchcock. Colaboró con él en una obra maestra (Encadenados, Notorious), en una buena película (Recuerda, Spellbound) y en una mediocre (Atormentada, Under Capricorn). En la primera, interpretó el papel de la germano-americana Alicia Hubermann, hija de un hombre condenado por traicionar a EE.UU durante la segunda guerra mundial. Ahoga sus penas en alcohol y hombres hasta que un agente de la CIA, Devlin (Cary Grant), le convence para prestar un servicio a la patria: descubrir los planes de una célula nazi en Brasil. Para ello debe seducir al cabecilla, Alexander Sebastian, un Claude Rains...

De la poética, la erótica y la política...

Habita en un cuerpo que no pertenece a su presente. Tampoco su mente es del tiempo en el que los rizos de su melena describen volutas de sensualidad por donde pasa, por donde pisa. Gioconda Belli nació en Managua en 1948, pero su figura habla de la niña que con catorce años ingresaba en un internado de monjas de la calle Santa Isabel, en Madrid, justo en el lugar en el que hoy se erige el Museo Reina Sofía. O de la guerrillera que se camuflaba de inocencia para pasar armas a la «contra» nicaragüense. Su forma de pensar es la de una mujer venida de un futuro sin complejos, sin discriminaciones, sin frustraciones. Un futuro que no se sabe si existe más allá de sus poemas y sus novelas. Un futuro que es la vida misma, en el que las risas y las lágrimas se alternan en episodios de drama y comedia, estrofas trágicas y capítulos alegres. Viste blusones estampados que volatilizan su talla, acentuada por cuñas imposibles bajo las sandalias. Abalorios que recogen la luz de las miradas sobre el pecho y en las muñecas delgadas. Talismanes que hipnotizan. ¿O es el misterio profundo de la sonrisa amplia? ¿O son los ojos enterrados en los pliegues protectores de los párpados voluptuosos? ¿O son los movimientos de sus manos largas, dulces y sin embargo autoritarias? Belli hace alarde de su erotismo que después de intuirse en su presencia se hace evidente cuando la tesitura de su voz va del rugido hondo al canto agudo con el que se divierte contestando a las preguntas. «La sensualidad femenina es el símbolo de la posibilidad de una mujer de ser quien es. En la sociedad machista querrían que sacrificáramos la esencia de lo que somos. Pretenden...

Nada es verdad. Todo está permitido...

Nada es verdad, todo está permitido son, según parece, las últimas palabras que pronunció Hassan i Sabbah (precursor del terrorismo islámico y posiblemente el primer distribuidor de hachís como sustancia estupefaciente), de cuyo nombre se deriva la palabra Hassishem, consumidores de hachís pero también asesinos, una doble lectura que fue muy bien aprovechada en el célebre verso de Rimbaud, Voici le temps des Assassins. Nada es verdad, todo está permitido es también el titulo de un extenso volumen publicado recientemente por Alpha Decay en su siempre interesante catálogo, y en el que Servando Rocha realiza un recorrido por la otra historia del arte y la cultura, la menos oficiosa y más maldita, a partir del encuentro entre un octogenario William S. Burroughs, profundo admirador de Sabbah, y Kurt Cobain, veintañero rockero y profundo admirador de Burroughs, iconos de distintas épocas que compartían un espíritu inquieto y profundamente antisistema, cierta animadversión por el género humano y una prolongada etapa de autodestrucción, que si bien el escritor logró trascender hasta los 84 años, acabaría prematuramente con la vida del cantante cuando se suicidó, meses después de conocer a su ídolo literario El episodio en cuestión  le basta al autor para establecer una genealogía de la contracultura, rastreando las pocas fotos que se conservan de aquel encuentro y analizando los mas nimios detalles de las mismas para encontrar vínculos entre dos creadores tan generacionalmente alejados como espiritualmente afines, detalles que a priori pueden pasar desapercibidos, pero que una vez leídos resultan inusitadamente convincentes. Rocha se sirve incluso de los mas anecdóticos elementos, como el disco de Leadbelly que Cobain regaló a Burroughs (que alarga la sombra de su respectivo malditismo hasta la locura alcoholizada del legendario músico blues), para realizar un recorrido por la América mas salvaje...

Las vírgenes de las rocas...

Esta novela nace con una vocación leonardesca: Yo haré una ficción que significará grandes cosas. Esta cita del polímata -luz del Renacimiento- y las sucesivas que encadenan los capítulos, denotan la intención desmesurada de su autor. Grandes cosas son para Gabriele D´Annunzio el sentimiento amoroso y la emoción, las sitúa por encima de todo, y las trabaja mediante su hiperestésica manera de narrar. Pero Las vírgenes de las rocas es, sobre todo, la historia de una frustración. D´Annunzio quiere ser enciclopédico, académico, grande. Busca la trascendencia. De alguna manera la consiguió para su vida y, en consecuencia, para su obra. Como casi todas las novelas modernistas, ésta trata de la melancolía, de la decadencia de las grandes estirpes, de la morbosidad de las antiguas familias. Bebe en la novela y en el arte clásicos. En la Historia. Pero todo en Las vírgenes de las rocas está supeditado a la puesta en escena hasta quedarse prácticamente solo en eso, en un hermoso aparato escenográfico. Gabiele D´Annunzio fue un iluminado poeta, excesivo y excéntrico, aristocráticamente italiano, en el sentido en el que se sintió heredero de glorias inciertas y perdidas. Su lenguaje de bardo es sonoro, colorista y brillante como un fuego de artificio. El escritor merece ser redescubierto, sobre todo en España, donde es desconocido o denostado. Sus veleidades políticas empañan su trabajo. Calificación: Muy curiosa. Tipo de lector: Aficionados al decadentismo. Tipo de lectura: Espesa. Argumento: Intenso. Personajes: Excesivos. ¿Dónde puede leerse?: En un viejo palacio...

Pobreza

Suele decirse que el estado perfecto del ser humano es tener los pies bien plantados sobre la tierra, mientras la cabeza vaga por las nubes. Víctor Gómez Valentinos, poeta y agitador cultural, valenciano de adopción nacido en Madrid en 1967, no viola el adagio. Su poesía nace pegada al suelo de la realidad, porque sólo desde ahí es posible levantarse, erguirse orgullosamente entre la tormenta y mirar a los otros hombres con dignidad. Así ha venido siendo desde que en 2010 comenzaran a llegarnos sus poemarios, tres casi al mismo tiempo en ese año: Detrás de la casa en ruinas (Valencia, Amargord), seguido de Huérfanos aún (Madrid, Santa Cruz de Tenerife, Baile del Sol) y, cerrando la temporada, Incompleto (Logroño, Ed. 4 de Agosto). Luego vendría Trazos del calígrafo zurdo (Toledo, Bucca&Neers, 2013) y pocos meses después su último libro de poemas, el sorprendente Pobreza (Madrid, Calambur). Pobreza, la mirada escrita de Víctor Gómez Valentinos, no se conforma con crear ilusiones, espejismos, simulacros de la materia de vida que atraviesa los días, no usa el lenguaje como superficie reflectante. No, el lenguaje no es inocente, aunque nos venga dado como si lo fuera; de manera que no hay otro remedio que torcerle el cuello al lenguaje, tartamudear en la propia lengua hasta reinventarla,  que sentenciaba G. Deleuze como lo propio de todo arte digno de llamarse arte. En Pobreza la palabra lucha verso a verso por esculpir de nuevo el sentido de la lucha por la vida, a veces sangra y a veces ilumina, porque el poeta ha puesto en marcha un mecanismo crítico de alto voltaje emocional: se emplea a fondo en no llamar a las cosas por el nombre heredado, sino en nombrarlas por vez primera para lograr que existan en la...

¡Sublime decisión!

Estrenada por primera vez en el Teatro Infanta Isabel el año 1955, con un enorme reparto entre los que destacaron una joven Rafaela Aparicio y los dos hermanos Gutiérrez Caba, es ésta una obra nada menor del dramaturgo, cómico y dibujante madrileño, Miguel Mihura, que ha dado en representarse en múltiples ocasiones posteriormente. La historia es la de Florita, hija de un padre en apuros económicos que vive además con su tía Matilde. El hecho de presentar a la hija menor de una familia modesta como una especie de Juana de Arco que revoluciona el patio de vecinas por pedir que acudan a su casa un hombre y un cura, dice mucho de las grisuras de la familia española de hoy y de siempre, una subversión de la que interpretó Alberto Closas y su desaparecido hijo Chencho. Y es que cuando recordamos al autor a través de esta obra, lo hacemos no sólo desde la sempiterna por absurda lucha de sexos que nos hizo reír y pensar en Tres sombreros de copa, aquí existe un tono farsesco que denuncia lo rutinario de la tragedia de estar vivos y desear, plagada de detalles originales y disfrutable desde la parte más crítica. Entendemos así el concepto de autoría literaria y de cómo ambas obras se complementan. Quizás por eso estas dos obras fueron, de las muchas escritas por Mihura, las favoritas del Papa del absurdo en teatro, Eugene Ionesco. La estela del madrileño es alargada así como su capacidad y brillantez en el diálogo, que le llevó a colaborar en el guión de Bienvenido Míster Marshall, junto con Luis García Berlanga y Juan Antonio Bardem, que al ser al menos uno de ellos señores de derechas que necesitaban estrenar entre actores y técnicos de izquierdas, se...

La Iliada

A través de los siglos nos llega el eco de un nombre. Troya. Una ciudad de verdad y de leyenda. Un campo de batalla donde los hombres se enfrentaron para demostrar el valor, el coraje y los códigos de honor, que acababan de sacar a la raza de la oscuridad de la caverna y que agrandaron el mundo por la magia de la literatura. Troya. Las hazañas y los prodigios que tuvieron lugar bajo sus murallas, resonaron en boca de los rapsodas por todo el Mediterráneo, causando asombro y admiración; porque en las noches, en torno de la hoguera, pudo escucharse, enlazado con los versos, el rumor de la batalla. Troya. Donde el espíritu romano quiso nacer. Su ilusión iluminó las cortes del Renacimiento. Troya. Donde los dioses se enfrentaron por ayudar a los contendientes, y desnudaron sus espíritus débiles y mezquinos, maquinados por la imaginación de los humanos. Donde los hombres pasaron a ser héroes y se acercaron a los dioses que los habían creado. Troya. Puede ser que nueve siglos antes del Imperio de Augusto, un bardo ciego recompusiera las distintas versiones del poema, dándoles unidad literaria, y aunque no fuera así, la historia no quiere ya renunciar al nombre ilustre de Homero. Viene en cualquier caso la leyenda, con seguridad, de una larga tradición oral. Los más grandes bibliotecarios del mundo antiguo: Zenódoto de Éfeso, en Alejandría, Aristófanes de Bizancio y Aristarco de Samotracia, la estudiaron y anotaron, creando la estructura que hoy conocemos, aunque el núcleo original se redactó en Atenas en tiempos de Pisístrato, trescientos años después de Homero. La ciudad fue conocida en el ámbito griego como Ilión, de ahí el nombre de la epopeya. La Iliada nos habla de la cólera de Aquiles. Del poder y del arrojo de un hombre, del desencadenamiento de...

Rehabilitando a Machado Jun18

Rehabilitando a Machado...

Este mismo año en que Aladar nace, se cumplen 75 años del fallecimiento de Antonio Machado en Coillure, lo que nos proporciona, en cierta forma, la excusa, para brindar desde estas páginas el pequeño homenaje que estamos rindiendo a su figura y su obra, sumándonos a los muchos que se están celebrando en estas fechas, ya sea en actos formales, o por parte de cualquiera de nosotros con uno de sus libros bajo un árbol. Sin duda, todos los momentos son buenos para homenajear a un poeta, independientemente de la efeméride. Pero nos gustan las fechas. Porque posibilitan hacer algo más allá de lo que hacemos a diario. Ir un paso más allá. Es sencillo, y hermoso, conmemorar hoy en día al hombre y al poeta que fue Antonio Machado. Es reunirnos libremente, leer sus versos, profundizar y aprender sobre los diferentes aspectos de su obra y vida. Siendo conscientes de lo que esta fue. De por qué murió, precisamente, en 1.939, y en Collioure. Pero no siempre fue así. Era difícil hacerlo cuando estaba prohibido. Cuando los tiempos eran de dictadura, y la Comisión Depuradora de Catedráticos de Madrid, perteneciente al Ministerio de Educación, lo había incluso expulsado póstumamente del Servicio y dado de baja en el escalafón del profesorado. Cuando se proscribían la mayor parte de sus libros, y la Autoridad impedía que se colocasen bustos que lo representasen, cargando contra los que habían acudido a un acto («Paseos con Antonio Machado», en 1966) inicialmente permitido y anunciado. Hoy es todo más sencillo. Se ha rehabilitado a Antonio Machado como catedrático de instituto el 31 de diciembre de 1981, el busto ocupa por fin su sitio en Baeza, y la policía no ha irrumpido en el Ateneo de Madrid, o en cualquiera...

2001 odisea en el espacio. Trascender la ciencia ficción Jun18

2001 odisea en el espacio. Trascender la ciencia ficción...

Kubrick siempre fue un alquimista capaz de encontrar la forma en que sus ideas fuesen explotadas comercialmente, la identificación del público con géneros cinematográficos populares, como el bélico en Senderos de gloria y La chaqueta metálica o el terror en El resplandor, la polémica bien servida en Lolita o La naranja mecánica, la elección de la pareja de moda con el tándem Cruise-Kidman en Eyes Wide Shut, y en 2001, el reclamo de gran superproducción visionaria de ciencia ficción que, de hecho, supuso un avance tecnológico sin parangón hasta esa época y una visión futurista  sorprendente en su predicción tecnológica, aunque encantadoramente sixtie en el diseño de decorado  y vestuario. De una u otra forma el director norteamericano se las ingenió para que sus productos llenaran las salas de cine, y uno no puede sino imaginar la reacción de un público estandarizado, en busca de un producto estandarizado, al toparse con sus personalísimas propuestas. Lo curioso es que La historia de 2001 no es en realidad nada complicada, atendiendo a las licencias que la sci fi puede tomarse, y, sobretodo, si acudimos a la novela de Arthur C. Clarke para desentrañar un discurso narrativo, tratándose esta de una comparación tremendamente fecunda que, lejos de incidir en la recurrente afirmación sobre lo inadaptable en imágenes que resultan determinadas novelas, nos ayuda a entender como dicha traslación siempre debe producirse en el aprovechamiento de las capacidades que el nuevo medio puede arrojar sobre la literatura. La protesta de aquel espectador no era infundada, las continuas elipsis y la delicadeza con la que Kubrick rodó su más enorme film lo alejaron de la claridad argumental que sí poseía la novela, convirtiéndola en una experiencia tremendamente visual y sin apenas diálogos, dotando a la visión racionalista, y a...

¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú: Todos androides Jun18

¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú: Todos androides...

Es fascinante enfrentarse a la estupidez humana; es un acto al que deberíamos acostumbrarnos inmediatamente. Pero sin tanto alarido de terror ni tanto susto como al que nos someten los medios de comunicación. ¿Somos estúpidos? Claro que sí. ¿Estamos acabando con el planeta? No les quepa duda. ¿Dependemos en exceso de las máquinas? Mejor no pensar en ello. ¿Una pequeña cosa es suficiente para que se produzca un cataclismo? Desde luego. Y como esto es así nos queda poco margen de maniobra. Un par de opciones. O nos reímos de semejante panorama o nos lamemos las heridas en una esquina con la esperanza de que lo malo se acabe lo antes posible. Stanley Kubrick optó por filmar una película sobre todas estas preguntas manejando la opción primera. Y digo bien, preguntas. Porque en ¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú se plantean muchas aunque no se dan soluciones. Se limita a terminar la película de forma poco alentadora, es decir, nos muestra una sociedad devorada por sí misma y pagada de sí misma y todo de sí misma. La película es impecable en muchos aspectos. En casi todos. El guión, adaptación de una novela, es divertidísimo, ingenioso, sarcástico, inteligente y convierte la trama en una narración de ritmo perfecto. Por otra parte, el montaje es especialmente acertado y ayuda a que el espectador no se pierda entre los tres escenarios principales ni en esfuerzos estériles. La fotografía es inmejorable. El movimiento de la cámara parece medido al milímetro, es exacto, haciendo de cada plano algo mágico e insustituible. Incluso los efectos visuales y sonoros pasan con muy buena nota a pesar de que la película tiene ya unos años. Pero el gran valor de la película es la dirección de actores que llevó a cabo Stanley...

Senderos de Gloria: Qué bien mueren los soldados Jun18

Senderos de Gloria: Qué bien mueren los soldados...

Una película bélica no tiene porqué estar llena de piernas cercenadas, cabezas rodando por la arena, cuerpos acribillados o explosiones que destrozan personas. Es muy posible que eso esté muy cercano a la realidad. No lo discuto. Pero no se trata de contar las cosas rozando el documental. El cine es mucho más que eso. Puede que cause un efecto demoledor en el espectador, que lo espectacular supere cualquier expectativa abierta, que nos estemos acostumbrando a esas cosas que se han convertido en una carrera ( a ver quién consigue los mejores efectos especiales, a ver quién consigue mayor realismo, a ver quién suma más bajas en menos minutos), pero el cine es otra cosa. Una cámara en movimiento, con el encuadre perfecto, sin una sola gota de sangre, puede mostrar mucho mejor lo que es un campo de batalla que cien kilos de dinamita y seis millones de extremidades repartidas por el escenario. Stanley Kubrick es un genio. Eso por un lado. Senderos de Gloria es una obra de arte. Eso por otro. Es, posiblemente, la película de género bélico mejor rodada de todos los tiempos. El uso que hace el director de la cámara es, sencillamente magistral. La escena en la que el coronel Dax (Kirk Douglas) camina por las trincheras antes de lanzarse al ataque con su regimiento mientras las explosiones atemorizan a los soldados o la del consejo de guerra que se produce poco después de la batalla, son de una limpieza abrumadora. La tensión que el espectador va a sentir durante el fusilamiento del cabo Philip Pares (Ralph Meeker) y los soldados Maurice Ferol (Timothy Carey) y Pierre Arnaud (Joe Turkel) es desquiciante. La escena final en la que la soldadesca se divierte en una taberna es una de...

Barry Lyndon: La imposibilidad de sobrevivir al mundo Jun18

Barry Lyndon: La imposibilidad de sobrevivir al mundo...

Con un guión simple y un personaje como es Barry Lyndon (no excesivamente complejo), es extraordinario llegar a conseguir una película tan grande, tan maravillosa. Técnicamente, el trabajo roza la perfección. Kubrick consigue retratar una época con detalle, convierte cada escena en un cuadro digno de admiración. Las localizaciones son espléndidas y los escenarios construidos no generan una sola duda en el espectador. El vestuario es perfecto. Maquillaje y peluquería también. La fotografía de John Alcott es impecable. Difícilmente se puede conseguir una nitidez de la imagen tan apabullante. Kubrick quiere atacar asuntos recurrentes en toda su filmografía: la violencia como herramienta destructora de la humanidad; la pequeñez de una humanidad medida junto al universo entero. Es por ello por lo que muchas escenas comienzan con primeros planos que, a través del zoom, dejan finalmente al personaje en medio de un mundo hostil, enorme, demasiado grande como para que nadie pueda cambiar algo o esté a salvo del destino. Y es por ello por lo que el realizador nos lleva, una y otra vez, a vivir situaciones en las que el ser humano desaparece con un simple disparo, con una actitud idiota ante el mundo. Todo ello envuelto por gran sensibilidad (algo que se le negó a Kubrick insistentemente y de lo que hace gala en este trabajo). Barry Lyndon es el resultado de la adaptación de la novela de William Makepeace Thackeray. No es del todo fiel al trabajo del novelista (la última media hora es cosa del guionista y no de Makepeace) y el resultado es una historia simple y lineal. ¿Por qué fascina entonces? Hay varias razones fundamentales. La voz en off del narrador es una de ellas. Nos separa de la acción de forma intencionada (del mismo modo que en...

Diez fotógrafos en blanco y negro...

Cinco fotógrafos muertos. Cinco vivos o aún en activo. Robert Doisneau, Walker Evans, Dorothea Lange, Diane Arbus, Weegee, Elliot Erwitt, Chema Madoz, Annie Leibovitz, Cristina García Rodero y Alberto García-Alix. Cada uno de ellos con visiones personales y pasionales del medio y del mundo que les ha tocado vivir; una selección en la que predomina una actitud humilde y poco dada a concesiones sobre la mirada, ese juego que todo artista debe reflejar y sobre el que se proyecta el inconsciente individual y colectivo. Como arte híbrido que es, la fotografía sería impensable sin otros referentes; sin embargo, el tesón y el talento visual son sus puntos de apoyo; algunos inciertos. La pregunta que asalta es: ¿qué es, en realidad, la fotografía? Tal vez, como afirmaba Roland Barthes toda fotografía o imagen es como una pequeña microexperiencia de la muerte. En este artículo se quedan fuera, casi sin pretenderlo, grandes como Sebastião Salgado, William Klein, Robert Capa, Man Ray o Vanessa Winship. No es premeditado ni va en gustos. Tal vez todo obedezca al habitual bombardeo de imágenes al que desde hace décadas estamos sometidos como sociedad. A eso y a la particular infancia del que escribe que tiende tanto a mirar hacia atrás como hacia delante, entendiendo el periodismo callejero y la publicidad como dos disciplinas tan aparentemente distantes como complejas y enriquecedoras, y donde en el fondo juegan los mismos elementos tanto a favor como en contra. Por otro lado he elegido algunas imágenes cuyo título no he encontrado tras continuas pesquisas por la Red, pero que considero sirven para ilustrar lo más representativo de uno u otro autor (así los considero a todos, pertenezcan a agencias o no, sean más o menos poéticos, explícitos en sus presupuestos o incluso literarios). En...

El ojo de la mujer

= = = = = = = = = = = = = = = = = El ojo de la mujer Colección Visor de Poesía 202 páginas. 10 €. eBook s/d = = = = = = = = = = = = = = = = = Es difícil colocar a Gioconda Belli dentro de una corriente poética. La autora nicaragüense escribe el mundo desde su vitalidad, desde su independencia, desde su condición de mujer, desde su compromiso político más rotundo. Pero no se deja agarrar por nada ni por nadie para que la encuadren aquí o allá. El ojo de la mujer es un poemario que se publicó en España durante el año 1992 aunque sigue siendo un libro moderno, una obra extraordinaria que queda al alcance de todo tipo de lectores . Belli repasa lo que es una mujer, lo que es la maternidad, la naturaleza como espacio vital insustituible, lo que es la revolución o lo que representa el hombre dentro de la estructura social. Para ello, utiliza un lenguaje cercano que no quiere saber nada de posturas eruditas, una estructura métrica que hace de sus poemas elementos iluminadores de una realidad en la que no se encuentran prejuicios sino claridades absolutas. El lector acostumbrado a tomar nota de los mejores versos de un libro en su cuaderno de lectura, debe estar preparado. Cuaderno nuevo, carga de tinta completa. Porque son innumerables los que merecen la pena. La erótica de la escritura de Gioconda Belli se presenta en primera línea para cubrir su obra como su fuera un manto tejido por todas las mujeres que fueron y son (Belli no olvida que el pasado construye el presente y a cada uno de nosotros: Leo los poemas de los muertos...

El rock más joven con sabor a blues y tacto funky Jun18

El rock más joven con sabor a blues y tacto funky...

Una de las características del rock es su maleabilidad, su capacidad para fundirse con otros géneros. Sinestesia es una banda gallega que fusiona con grandes resultados el rock con el funky, el blues o el pop. Un grupo de jóvenes con mucho tacto y gusto, que este año ha presentado su primer trabajo de larga duración, El punto de luz del desván, y que viene a confirmar su madurez musical, permitiendo compartir unas composiciones tan trabajadas como expresivas. Ante el término rock son muchos los adictos a la música (tanto en calidad de melómanos como de sencillos consumistas de diez canciones imprescindibles para sobrellevar el día a día) que agudizan el oído y prestan su total atención. Pero si al rock se le añaden complementos como blues, o funky, algunos vuelven a restringir su interés a la actividad que se haya visto interrumpida. Con Sinestesia, el oyente tiene la oportunidad de descubrir que el rock lleno de matices, y de reminiscencias sesenteras, ofrece un buen menú al oído para que este se deleite. Sobre todo, teniendo en cuenta la frescura y juventud que emana por naturaleza de sus componentes. Sinestesia fue en sus orígenes un trío, nacido en épocas de instituto del 2007, en Santiago de Compostela. Hoy en día, la banda se compone de cuatro músicos que, si bien atesoran una amplia experiencia y formación musical, no se ven cerca de abandonar esa etapa dorada y enérgica que corresponde a la veintena. De la agrupación inicial permanece Tomás Porteiro, alma máter del grupo. A lo largo de estos años su voz, sus aptitudes a la guitarra y sus composiciones han sido la piedra angular de la banda. En la actualidad, lo acompañan en el proyecto Miguel Fernández, a la batería; Jacobo García, al...

Dinero, aplausos y un refugio literario Jun10

Dinero, aplausos y un refugio literario...

Que se lea está muy bien. Que se vendan libros está muy bien. Incluso es una buena cosa que la gente escriba sea lo que sea. Lo que ya no parece que sea tan estupendo es que eso nos lleve a un territorio en el que todo sirva, en el que el beneficio prime sobre las calidades, en el que la gran literatura quede apartada de los circuitos de distribución. No parece razonable que se pueda comparar a Homero con cualquier autor que consigue una audiencia ridícula en las redes sociales. Hubo un tiempo, cuando podía mirarme en un espejo sin tener que pensar que la vida pasa excesivamente rápido, en el que tuve prisa por leer todo lo que caía en mis manos. Clásicos, recomendaciones, lo que aparecía en las listas de títulos más vendidos. Narrativa, poesía, ensayo. Pero ese tiempo ya pasó. De unos años a esta parte, selecciono mis lecturas con mucho cuidado para tener la sensación de no desperdiciar un tiempo que me falta por muchas razones. Clásicos y recomendaciones de compañeros de profesión que descubren libros de nuevos autores que les gustan por alguna razón. No hago esto por ser más viejo. Lo hago porque el número de títulos publicados en España, cada año, es ridículo. No hay quien pueda leer esa cantidad de miles de páginas en trescientos sesenta y cinco días. Ni quien pueda, ni quien quiera. Si fueran buenas novelas, buenos poemarios o buenos ensayos, sería una pena decir algo así aunque ese problema no existe. De los libros nuevos que se publican, se pueden elegir un puñado de ellos atendiendo a su calidad literaria. El resto es prescindible o, sencillamente, desastroso. Las editoriales lanzan nuevos libros al mercado buscando posibles éxitos que suelen quedarse en...

Espartaco: El fin de la caza de brujas Jun10

Espartaco: El fin de la caza de brujas...

Si bien cuando contemplamos muchas de las películas de Stanley Kubrick, podemos sentir admiración por su perfección técnica, muchos  experimentamos también cierta frialdad, pues era un creador dotado de una inteligencia helada. Sin embargo, Espartaco (Spartacus, 1960) es una vibrante epopeya sobre la lucha contra la tiranía. Quien puso la pasión fue Kirk Douglas, que además de encarnar al protagonista, fue el gran impulsor de la película desde que adquirió los derechos de la popular novela de Howard Fast, vagamente inspirada en un personaje real. Douglas actuó como productor ejecutivo y seleccionó al impresionante cúmulo de talento que participó en esta gran obra. Aunque era entonces un hombre de excesiva arrogancia, demostró una inteligencia, energía y tenacidad indiscutibles. Asumió el desagradable papel de despedir en las primeras semanas de rodaje al director inicialmente contratado, Anthony Mann, que pese a ser uno de los mejores creadores de westerns que hubo, no se sentía cómodo en un espectáculo de la magnitud de Espartaco. Douglas escogió como sustituto a Stanley Kubrick porque estaba satisfecho de la excelente experiencia compartida que fue Senderos de gloria (Paths of glory, 1957,) pero también porque creyó que el joven director estaría tan agradecido por haber sido seleccionado en un momento todavía poco exitoso de su carrera, que sería arcilla en sus manos. Douglas no se dio cuenta de que Kubrick ya era mucho Kubrick y de que su afán de control y sus puntos de vista eran difíciles de domeñar. La relación entre ambos resultó ser un verdadero choque de egos y durante el resto de sus vidas, expresaron juicios de valor de suma dureza sobre el otro, aunque el actor reconoció siempre el enorme talento del director. En todo caso, la historia del esclavo tracio convertido en gladiador, que en...

La naranja mecánica: La persona como unidad Jun10

La naranja mecánica: La persona como unidad...

El ser humano es como es. Nada ni nadie ha logrado que cambie. Ha podido evolucionar aunque la esencia, su condición, sigue intacta. Es verdad que entre individuos existen diferencias, matices. El entorno, el aprendizaje o lo que sea (eso lo saben los profesionales muy bien y yo no) terminan por diferenciarnos.  Todos humanos, todos distintos. La condición humana no se altera. Quiero decir con esto que todos podríamos llegar a un mismo lugar dándose las mismas condiciones. Ya sé que esto no es muy científico aunque lo creo. ¿Podríamos eliminar una característica de algún ser humano para hacer un mundo mejor con ello? ¿Podríamos privar de su libre albedrío a una persona a cambio de mejorar la sociedad? (He dicho libre albedrío y no libertad). Parece que la respuesta es no. Para que una persona sea humana se necesita que todo lo propio a esa condición este presente en el ser. Algo así. Ahora pensemos en esta situación: una banda de criminales aterroriza a la población. El peligro crece al mismo tiempo que su violencia. Bien. Nos proponen que (utilizando una técnica novedosa) eliminemos los instintos agresivos en los miembros del grupo. Nunca más podrán ejercer la violencia. Habrá desaparecido por completo de sus vidas, no será una alternativa en su día a día. Queda bonito ¿no? El grupo respira sin entender que lo que se limita es la posibilidad entre lo que es bueno y malo, entre lo que un individuo valora de un modo u otro. Imaginemos que la sociedad (la nuestra, no la de una película) acepta algo así. ¿Alguien diría en voz alta que este mundo es maravilloso y magnífico y justo y sano? ¿Quién decide lo que es bondad o maldad? ¿La violencia en un campo de batalla...

Eyes wide shut. Secretos (y fantasías) de un matrimonio Jun10

Eyes wide shut. Secretos (y fantasías) de un matrimonio...

La adaptación cinematográfica del relato de Arthur Schnitzler Relato Soñado, fue el último trabajo del realizador Stanley Kubrick. Eyes wide shut es, sin duda, su película más controvertida y una de las que peor ha sido entendida y recibida por el público. El viaje de ida y vuelta que propone el guión nos lleva de una relación matrimonial estable al desconcierto que provoca conocer un poco más de la pareja, de lo ideal a una realidad se llena de defectos. Una fascinante película que se construye como elegante ejercicio cinematográfico. Alejándose de su habitual indagación en los géneros mas característicos del medio cinematográfico y con su brillantez técnica habitual, Stanley Kubrick adaptó con Eyes Wide Shut el freudiano Relato soñado de Arthur Schnitzler, trasladando la acción a un Nueva York de fin de siglo recreado fielmente en estudio para narrar el trayecto a los infiernos y  posterior redención de su protagonista, Bill (Tom Cruise), a partir de un sencillo acontecimiento; la confesión por parte de su esposa, Alice (Nicole Kidman), de una fantasía con otro hombre, narrada intensamente  en un monólogo que pulveriza con cada  frase el contraplano espectral de su marido. La fantasía como soporte  de la sexualidad y el sentimiento de castración derivado de ella serán el motor de una onírica ronda nocturna, tan fascinante visualmente como perturbadora en sus inconexos acontecimientos, con la que Bill intentará resarcirse de la catártica confesión buscando un encuentro carnal ilícito que lo lleva a adentrarse, casi infantilmente, en el sórdido paisaje de la ciudad y de su subconsciente. Bill se encontrará en su trayecto con varias mujeres, todas ellas con el físico prototípico  de su propia esposa y protagonistas tanto de un intento por restablecer su dañada masculinidad, como de un ansia por redescubrir la...

La mujer en silencio. Sylvia Plath y Ted Hughes...

La vida del gran poeta inglés Ted Hughes y de su esposa, la también enorme aunque mucho mas infravalorada Sylvia Plath, ha dado para un buen puñado de jugosas biografías encargadas de inmiscuirse en la intimidad de sus vidas, dando lugar en un caso tan particular como el suyo, con relación tormentosa y suicidio en el camino, a páginas y páginas de truculentos cotilleos y opiniones dispares, que tienden bien a crucificar a Hughes como misógino traidor elevando a Plath a los altares predestinados a todo mártir, o a juzgarla a ella como la masoquista fémina, perturbada y sin apenas talento, que hizo imposible la vida al laureado genio de la literatura. Todo según a quien le pregunten. Las biografías de artistas celebres son una de las efemérides editoriales mas singulares y atractivas. Poseen tanto de estudio obsesivo de la genialidad como de impúdico rastreo de intimidades que, escudado en un alarde de intelectualidad, se pretende mas elevado que el cotilleo diario a lo Belén Esteban y Cía., cuando la realidad dicta que esas anécdotas que sobrevuelan los círculos literarios y artísticos suelen ser sin duda, dada la naturaleza inquieta de sus protagonistas, mucho mas  jugosos que cualquier acontecimiento en la vida de la fauna televisiva actual. La mujer en silencio, escrito por la magnífica biógrafa Janet Malcolm, no es afortunadamente uno de esos libros repletos de morbosos detalles, y pese a su título, posiblemente una imposición editorial en pos del incremento de ventas, apenas rastrea la vida de la pareja de escritores. En realidad este enorme ensayo metaliterario dedica la mayor parte de sus páginas al estudio del propio biógrafo y sus vicisitudes como arqueólogo de vidas ajenas, así como  a interrogarse sobre hasta qué punto es lícito entrometerse, culturalmente escudados, en la...

Los mundos sutiles: Pompas de jabón Jun10

Los mundos sutiles: Pompas de jabón...

Son muchas las aproximaciones que se han realizado a la obra de Antonio Machado desde otras artes, entre las que el cine no es una excepción. Son varios los documentales y bio-pics que nos acercan al hombre y su tiempo, a su vida y su obra. El cineasta Eduardo Chapero-Jackson lo hace en «Los mundos sutiles», a través del viaje de su protagonista. Un recorrido en base a la danza, que hilvana su poesía, y también su prosa, que une el universo machadiano con los mundos, sutiles o  no, de hoy en día. Cuando empezamos a plantear el humilde homenaje que, desde estas páginas, se quería hacer a la figura de Antonio Machado, uno de los aspectos que queríamos traer era, además de su propia vida y obra, su relación con otras artes. Machado en la música. En el cine. En el teatro o la danza. Mostrar cómo ese gran pensador y poeta sigue vivo, y vigente, no solo en la lectura de sus versos, sino integrándose en el pensamiento y la creación mucho más allá de su tiempo. Dentro de ello, merecían artículo aparte aquellas obras que, además de complementar o reinterpretar su obra, desde su lenguaje, como puedan ser las obras de teatro, o las canciones basadas en sus poemas, aquellas que se aproximan a ella desde lenguajes distintos. Que omiten las palabras a través de las cuales Machado nos dejó a sí mismo, y su propio ser, tanto en su relación con esa figura que lo habitaba como el mundo en que lo hacía, y buscan otros códigos para la transmisión. Porque solemos hablar de la universalidad de la poesía, o de la literatura, pero solemos dejar al margen un detalle que parece de perogrullo: por mucho que pertenezca o se...

Muerte en Oriente Jun10

Muerte en Oriente

El viaje a Oriente en el que muchos pintores, grabadores y fotógrafos inspiraron sus obras, imponiendo la moda del orientalismo, le sirvió a Agatha Christie como materia para algunos de sus trabajos como, por ejemplo, Asesinato en el Orient Express o Muerte en el Nilo. Allí conocería además a su marido, el arqueólogo Max Mallowan. Una mirada a la obra de Chistie nos hace reflexionar sobre lo efímero del tiempo y la importancia de la elaboración de la ficción. Iyi aksalmar. Buenas noches. Encerrados en sus compartimentos de primera clase, los pasajeros del Taurus Express con destino a Mesopotamia escuchan el saludo de los asistentes de cabina, con la emoción contenida, mientras el convoy abandona la estación de Haidar Pasha y se desliza a toda máquina junto al Cuerno de Oro. Atravesarán la noche envueltos en una nube de vapor en camino hacia Alepo, al hotel Baron. Algunos de ellos van más lejos y  tendrán que cambiarse a un precario autobús para llegar a Damasco primero y después a Bagdad, porque la vía aún no está terminada. Un periplo que la publicidad de la Compagnie International des Wagons-Lits et du Tourisme, que explota la línea, resume muy bien en sus carteles publicitarios: Londres-Bagdad en 8 días. Seguridad. Rapidez. Economía. Agatha Christie, célebre escritora de novelas policiacas, ha descansado unos días en el Hotel Tokletian del viaje extenuante en el Orient Express que le ha llevado primero a París y después, a través del paso suizo de Simplón, hasta Venecia y Estambul. Ahora se dispone a cumplir una etapa más en una incursión que la conducirá a Irak y desde allí a Palestina y Egipto. Durante ese viaje épico realizado en 1928, la escritora visita las excavaciones de la ciudad caldea de Ur, dirigidas por...