La forma de expresión más primitiva...

El ser humano podría renunciar a la rueda, a dios, a la familia, a cualquier cosa. Solo hay una excepción: nunca podría renunciar a sí mismo. Y eso significa no poder evitar saber lo que es, ni dejar de experimentar cómo es y la forma en que es capaz de contárselo a sí mismo. Al fin y al cabo, es por ello por lo que no deja de crear obras de arte. La danza es el máximo exponente de la expresión humana y, por tanto, la forma más arcaica y pura de su expresión, de su arte. Creo yo que eso que llamamos sexto sentido o intuición tiene mucho que ver con la interpretación del lenguaje corporal y no con un don otorgado por los dioses. Tengo cuatro hijos y he asistido a las largas conversaciones de todos ellos con su madre (sin que dijeran una sola palabra) cuando eran, todavía, bebés. Un gesto era suficiente para que madre e hijo supieran, más o menos, lo que era necesario hacer en cada momento. Es posible que sea esto y no otra cosa lo que haga que esa intuición sea enorme en el caso de las mujeres y no tanto en los hombres. Naturalmente, encontramos varones que desarrollan esa intuición y mujeres que la tienen atrofiada, pero, por regla general, la tendencia parece que se acerca a esto que digo. En definitiva, el ser humano expresa a través del cuerpo. Sin abrir la boca es capaz de decir, de hacerse comprender, de expresar sus emociones más intensas y más íntimas. Antes de hablar, de construir un sistema tan complejo como el lenguaje, el hombre se comunicó gesticulando, saltando. Bailando alrededor de una hoguera para dar gracias al sol por regresar cada mañana o expresando la...

Eppur si mueve: La captura del movimiento Jul29

Eppur si mueve: La captura del movimiento...

Ver una película, una secuencia de animación, un video, es algo hoy en día tan sencillo como encender la televisión, el ordenador, o ir al cine. Tan fácil, que parece haber perdido ese encanto, esa capacidad ilusoria, ese sentido de excepcionalidad que tenía, sin ir más lejos, cuando éramos niños. No digamos ya cuando los primeros espectadores salían corriendo para evitar que un tren los arrollara. Ahora nos fijamos (y hacemos bien), en la calidad de la historia, la forma de narrarla, en la fotografía, la buena o mala interpretación de los actores. En que sea o no creíble. Tan acostumbrados, como decía, a encender un botón o un proyector y que esté, que ya no somos ni conscientes de la magia que hace que sea posible. Y, sin embargo, sigue estando ahí. Esa misma ilusión de movimiento que tenía encandilados a los victorianos. Esta es una pequeña selección de aquellos juguetes con los que se empezó a re-crear la realidad. Puede que no fuese de forma tan nítida y perfecta, pero era mágica. La mayoría de ellos pueden encontrarse a la venta hoy en día, e, incluso, construirse de forma artesanal sin demasiado esfuerzo. El resultado merece la pena, auque solo sea por ver con ojos nuevos un caballo saltando una valla. El ser humano necesita la ilusión. Necesita, desde siempre, ese concepto, imagen o representación sin verdadera realidad, sugeridos por la imaginación o causados por engaño de los sentidos. Conjurar la realidad, despiezarla y crear una nueva. Y es este un proceso tan inherente al mismo, que ni siquiera es necesaria su intervención voluntaria, como sucede, por ejemplo, con los espejismos en el desierto. Hay ilusiones que se escapan a su control consciente. Los sentidos tienden a engañarse por sí mismos. Pero...

H. CARTIER-BRESSON, MÁS ALLÁ DEL INSTANTE DECISIVO...

© De las fotografías Henri Cartier-Bresson (cortesía de la Fundación Henri Cartier-Bresson) Para recrear la vista, para aprender historia, para entender procesos que no veríamos a simple vista; para eso, y sobre todo, para disfrutar, encontramos esta exposición de Cartier-Bresson, artista desaparecido hace una década y cuya estela le permitió no sólo ser uno de los grandes en vida, sino proyectarse a sí mismo a través de otros roles. No hay excusa para dejar de visitar la exposición, pues, si estamos en Madrid, la visita es gratuita y, si no, puede verse a través de Internet. Con la colaboración de la Fundación de su mismo nombre y el Centro parisino Pompidou entre otros organismos, hace dos meses llegó a Madrid esta exposición que se hace eco y, coincidiendo con PhotoEspaña, marca territorio sobre la vida fotográfica del conocido por muchos como ojo del siglo. En las dos plantas del edificio que se ocupan de esta retrospectiva del artista francés (1908-2004), el comisario Clement Cheroux ha querido mostrar el carácter polímata de este fotógrafo conocido por el gran público por saber captar lo preciso desde lo simple. La exposición da debida cuenta de unos preámbulos viajeros al Congo, donde desarrolló esa idea de aire tan necesaria que hace que nos fijemos en la composición sobre cualquier otro elemento técnico, instantáneas donde el gesto de los habitantes empieza a ser importante y por el que los surrealistas, hablamos de 1926, empezaron a simpatizar con él; siendo la relación con André Breton, al menos controvertida y llena de aristas, pues Cartier-Bresson, ante todo fotógrafo, no sabemos si en verdad simpatizaba tanto con el autor de la frase, soy todo lo que he hecho y lo que no he hecho. Como tampoco sabemos realmente si el homenajeado era...

Epistolario I (1873-1890), Sigmund Freud...

Este epistolario de Freud reúne las cartas que el padre del psicoanálisis envió entre los años 1873 y 1890. La gran mayoría (95 sobre un total de 106 cartas) están dirigidas a su mujer (entonces todavía novia) Martha Bernays; el resto, a colegas, familiares y amigos. El prefacio del libro, que fue escrito por Ernst L. Freud, hijo de Sigmund, en 1960, ya nos advierte lo meticuloso, dedicado y apasionado que era Freud con las cartas. Para él la actividad epistolar era una dedicación. Y se nota: ha dejado miles de cartas tras su muerte. Con este epistolario, el hijo de Freud se propone sacar a la luz las cartas de carácter más personal y se abstiene de incluir las de carácter netamente científico. El resultado del libro es la voz de Freud hablando de sus emociones, sentimientos, inquietudes, preocupaciones, viajes, ciudades, obras de arte, enfermedades, estados de ánimo, investigaciones, pacientes y hospitales, y opinando sobre la función de la mujer y el rol de la esposa (de un modo que no suena nada bien ahora en el siglo XXI), de una manera más cercana a la propia persona que fue Sigmund, imposible. En dos de las cartas que reúne este epistolario leemos a Freud recomendando a su destinatario que conserve las cartas que le envía puesto que «nunca se sabe lo que puede pasar». Es decir, se asoma un Freud que sospecha muy tempranamente que sus cartas serán de interés, a pesar de que es un Freud que todavía no vislumbra el Complejo de Edipo, que está aprendiendo y admirando maestros, que pelea por un puesto en el hospital, y que está rascando las posibilidades de publicación de artículos científicos para obtener algo de dinero, que es de lo que realmente carecía este...

Sobre la buena salud de las “vírgenes consagradas”...

Hace ya más de trescientos años de la primera edición del Tratado de las enfermedades de los artesanos de Bernardino Ramazzini. Una obra exhaustiva, magnífica, que ilustra como pocos la vida y las costumbres de esa época. Minuciosa, tremendamente descriptiva y agudísima en sus observaciones, deja traslucir en sus páginas no ya la preocupación de un médico por sus pacientes, sino una concepción auténticamente social de la medicina. Avanzadísimo para su época (y para esta) estudia pormenorizadamente todos los aspectos relativos a la salud, vinculados con el ejercicio de cada oficio y forma de vida de quienes lo ejercen, preocupado no solo por sanarlos, sino por procurar que vivan lo mejor posible. Más de 50 profesiones, desde los cloaqueros hasta los hombres de letras, a las que se añadieron las vírgenes consagradas en su segunda edición. El primer tratado de medicina del trabajo. Hasta 1999, el único en el que se abordaban las condiciones de trabajo de las religiosas. Ese año, la Prevención llegó al convento. Tengo que reconocer que, cuando me prestaron el «Tratado de las enfermedades de los artesanos», no imaginaba hasta qué punto tenían razón al decir que me iba a gustar. Con ese título, y habiendo sido publicado en 1700, suponía que iba a resultar una lectura instructiva, pero no estaba nada convencida de que pudiera resultar amena. A fin de cuentas, yo no soy experta en la materia. Desde la visión profana, imaginaba un tomo en el que se enumerasen las enfermedades, definición de las mismas, síntomatología, diagnóstico y tratamiento. Un libro para médicos, escrito por un médico. De hace tres siglos, eso sí. Pero, como neófita y todo, reconozco que es un tema que me atrae, lo cogí encantada. Además, uno de sus capítulos tenía relación con un...

Un palacio flotante a la deriva de la memoria Jul29

Un palacio flotante a la deriva de la memoria...

El hecho de que la nave capitana de la Santa Liga en la Batalla de Lepanto fuera construida en las Atarazanas de Barcelona pero posteriormente trasladada a Sevilla para su ornamentación por los más destacados artistas de la época es poco conocido. La historiadora Emma Camarero lleva más de veinte años tratando de hacer llegar al gran público la investigación que puso de manifiesto todos los detalles relativos a la decoración de la Galera Real en el puerto hispalense y a su pérdida en la legendaria confrontación con la flota del Imperio Otomano en aguas del Golfo de Lepanto. Hace exactamente veinte años, una joven licenciada en Geografía e Historia acariciaba en un estante el lomo de un libro que marcaría en buena medida el rumbo de su vida. En el estudio del profesor Lleó Cañal sobre mitología y humanismo durante el Renacimiento en la Sevilla que se dio en llamar ‘Nueva Roma’ aparecía una referencia a la que probablemente habría sido el más fabuloso navío de guerra construido jamás, y no solamente por su potencial bélico, sino también por su simbología de raíz mitológica y su profusa ornamentación. Aquel buque fastuoso era la nave capitana de la Santa Liga en la Batalla de Lepanto: la Galera Real de Don Juan de Austria. Emma Camarero (Cádiz, 1971), leyó fascinada los párrafos en los que el autor hablaba de aquel barco que se convirtió en leyenda en la lucha en el Golfo de Lepanto, y decidió investigar sobre el programa de ornamentación de la galera, que se llevó a cabo en el Puerto de Sevilla, y que fue concluido justo cuatro siglos antes de que ella misma naciera. La importancia histórica del episodio fue una de las motivaciones que llevaron a la joven historiadora a...

El artista del viento Jul29

El artista del viento...

Cesar Manrique es una de las figuras más destacadas del arte en el siglo XX por su excepcionalidad, por su trabajo de artista global y por el sentido ético y profundamente moral que emana de su obra, cercana a la naturaleza. En pocos lugares, como en Lanzarote, se hace tan presente la identificación de artista y territorio. Una presencia que se mantiene en el tiempo y que forma parte del espíritu y de la idiosincrasia de la isla. Lanzarote inspiró al genial autor por medio de las fuerzas desencadenadas de la naturaleza que la levantaron sobre las aguas: tierra, viento y fuego. Investigó sobre esos elementos primordiales, después viajó y se preparó fuera de España para comprenderlas mejor y para participar de las vanguardias que cambiaban el mundo del arte. Regresó para pagar su tributo. Gracias a Manrique, la isla canaria es conocida en el mundo, su medio ambiente no se ha prostituido del todo y permanecen felizmente las obras que convierten el lugar en experimento excepcional. Cesar Manrique nació en 1919 en un barrio de la capital isleña, Arrecife y pasó su infancia bajo la influencia del mar, la arena y el viento de Lanzarote. Pasó por la universidad de La Laguna, intentando, al menos, el estudio de una arquitectura convencional que desbordaría con su talento. No terminó la carrera y recaló en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid, donde se graduó como profesor de arte y de pintura. Pero el revulsivo para su definición como artista global llegó en Nueva York en los años sesenta, allí entró en contacto con la vanguardia internacional y comenzó a sentir una nostalgia de la isla que no le abandonaría nunca. En la ciudad de los rascacielos presintió a los hombres como...

Según la costumbre de las olas...

Casi desde el principio mismo de su fecunda carrera, Jenaro Talens nos viene ofreciendo de tanto en tanto libros en donde la poesía dialoga con la imagen. Esta aventura de libros compartidos, comenzó en 1970, en la edición ilustrada por Tomás March de Una perenne aurora, el tercer libro de un joven poeta que empezaba así a construir una de las obras más sólidas de la poesía española contemporánea. Su última incursión en la conversa de palabra e imagen (a la espera de la anunciada publicación del libro a medias con Alberto García Alix) es el musical Según la costumbre de las horas (Madrid, Salto de Página, 2013), sorprendente por la colaboración en los fotomontajes de la también excelente poeta y compañera de generación, Clara Janés. ¿Cómo decir? ¿Dos clásicos afinados en un concierto íntimo? Podría ser un intento de aproximación a la lectura de este libro. Cierto es que Talens y Janés son clásicos modernos y que los motivos que animan los textos son musicales. Marca la pauta una idea de convergencia poética a través de dos lenguajes diferentes, que ofrecen, por este orden, una obertura, un dúo, un «trío transfinito», un quinteto, un cuarteto, una fuga y un «encore» de cierre. No hay preeminencia de la palabra sobre la imagen o viceversa, los fotomontajes de Clara Janés no son ilustraciones de los poemas, ni el poema intenta descifrar la imagen, no son sino dos formas acompasadas de interpretar el mismo tema. Como aclaran los autores en las notas que cierran el volumen, el diálogo entre imagen y texto verbal surge de propuestas casuales: una ilustración de Janés da pie a un poema de Talens y poco a poco los poetas se van intercambiando intuiciones, pálpitos, que poco a poco se entrelazan sobre...

Experimentar con las convenciones sin ningún temor Jul29

Experimentar con las convenciones sin ningún temor...

Capman se compone de siete músicos con ideas variadas, que dan forma a un repertorio musical difícil de encasillar. El pop, el jazz o el rap se funden y separan en cada una de sus composiciones. Es el juego de experimentar con la música, ligada a letras expresivas, parientes cercanas de la poesía. Su último trabajo, Mucho amor, abre las puertas a la intimidad más natural. Hacemos música para que nuestros días sean mejores. Esa es la premisa, y se centran en cumplirla desde el primer acorde. Capman no es más que el nombre bajo el que se agrupan siete artistas que no buscan sonar a esto ni parecerse a aquello. El objetivo primordial es transmitir, tocar el alma, y para ello se valen de las palabras fundidas con la música. Existe una moda reconocible de querer desprenderse de etiquetas, de evitar caer en la casilla de un género musical establecido con sus propias reglas y características. Podría decirse que Capman mantiene parte de esa actitud, la de apartarse de géneros cerrados, pero lo hace de manera indirecta. Lo consigue a través de anteponer sentimientos a sonido, sensaciones a estilo, situaciones a convenciones. Ninguna de sus canciones suena similar a otra, ese no es el objetivo. No hay una pauta cerrada en sus trabajos, porque su visión de la vida no es uniforme. Es más bien tan amorfa como el título de una de sus últimas composiciones. Las raíces de Capman hay que buscarlas en otro apartado del amplio terreno artístico; concretamente, en el del teatro. En el 2007, Nacho Aldeguer (compositor y cantante en esta banda) y Héctor García (guitarrista) se conocieron entre bastidores en una representación teatral. De ahí surgió el proyecto musical en el que han trabajado hasta ahora. Ninguno de...

Encuentros con el presente del flamenco Jul22

Encuentros con el presente del flamenco...

Los encuentros que aquí se proponen son posibles para los aficionados en potencia o para los que no han pisado ningún festival, a través de los cuales se puede recorrer el sentir del pueblo andaluz. No se los pierdan porque aún queda temporada. Los festivales de Flamenco son los que arropan a los artistas que viven por este arte que alimenta nuestra cultura y nos hace grandes. Los cantaores y cantaoras de Andalucía son los artífices de poemas expresionistas, como el que nos trajo el Pele la otra noche, «mira si soy canastero / que cuando paso por un charco / me agacho y me mojo el pelo». Esta forma de decir e interpretar no hace sino parir respeto desde las entrañas del artista a lo cabal de quien recibe, por derecho, este arte sin tener otro remedio que convertir el flamenco en doctrina o en argumento de autoridad de nuestra cultura. Privilegiados aquellos que aún se sienten interpelados por la Zambra de El Pele porque honrarán a Caracol o por las bulerías de la Macanita porque atesorarán el legado de La Niña de Los Peines. Crecí escuchando el nombre de Antonio Mairena porque se vino a trabajar a Arahal con el tío de mi bisabuela y se quedó prendado con Rufina, la hermana de mi abuela, aunque la cosa no pudo ser. Mi tío, Rafael Heredia, era quien contaba este tipo de avatares, por ser primo de gitanos, no sólo del cantaor de fragua sino de El Lebrijano, entre otros, y su padre tenía en Paradas el cine Andaluz, donde artistas como La Niña de La Puebla y El Príncipe Gitano se daban cita. El flamenco siempre ha estado presente en mi familia y esta circunstancia me interpelaba a subir encima de la...

MBIG. En la montaña rusa rodeados por los personajes Jul22

MBIG. En la montaña rusa rodeados por los personajes...

Se representa, en La Pensión de las Pulgas de Madrid, la adaptación de Macbeth de William Shakespeare. José Martret acierta de principio a fin al convertir los escenarios dibujados por Shakespeare en despachos de una multinacional, al cambiar espadas por plumas estilográficas o al vestir a los personajes con trajes de chaqueta en lugar de con armaduras. El espectador asiste al espectáculo a un par de metros de distancia de los actores, pudiendo llegar a acariciar los muebles. La pensión de las pulgas es un piso ubicado en la calle Huertas de Madrid. Fue la residencia de la Bella Chelito, primera empresaria teatral en España y la cantante que hizo famoso el cuplé titulado La Pulga. De aquí le llega el nombre a este espacio teatral. Porque en La pensión de las pulgas se hace teatro. Cada habitación forma parte del decorado; y los treinta y cinco espectadores que asisten a la función se desplazan de una estancia a otra para descubrir el conjunto escénico en su totalidad. Mc Beth International Group (MBIG) es la adaptación del texto original de William Shakespeare –Macbeth- que José Martret pone en escena bajo su dirección. Los castillos y los campos de batalla se transforman en una gran empresa multinacional, los reyes y sus señores en ejecutivos y directores, los tronos en sillas de despacho, las espadas en plumas estilográficas que vierten sangre en lugar de tinta. Martret respeta el texto original y añade, con las intervenciones de Camelia, esa zona expositiva que funde la escocia dibujada por Shakespeare con el enjambre empresarial. Si la tragedia funciona bien en los espacios originales, lo hace igual de bien en los espacios que nos proponen en esta adaptación. Todo es intenso, todo parece que va sobre ruedas. Los actores y...

Los distintos idiomas de un universo Jul22

Los distintos idiomas de un universo...

Antony regresó al Teatro Real de Madrid para ofrecer el espectáculo Swanlights, un concierto en el que  junto algunos miembros de su banda, The Johnsons, y la Orquesta Titular del Teatro Real, interpretó una selección de temas de los cuatro álbumes que ha publicado. Swanlights, espectáculo encargado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA),  vio la luz por primera vez en esta ciudad norteamericana, en un único concierto, ante un auditorio de más de 6.000 personas. En el Teatro Real de Madrid se escuchaba un murmullo característico que sólo se deja oír los días que va a suceder algo importante. Esta vez, resultaba algo extraño la cantidad de idiomas que se podían percibir en las conversaciones que se producían entre las personas que esperaban el comienzo del concierto (muchas veces nerviosas): inglés, francés, alemán y, lógicamente, castellano. Estos son los que el que escribe pudo reconocer. Eran más. Público de todas las edades, de todas las condiciones, de todas las nacionalidades. Comienza el espectáculo con la performer Johanna Constantine sobre el escenario. La cosa queda vistosa. Un juego entre el cuerpo de la mujer y su sombra. Lo más importante de su actuación es que resulta ser la declaración de intenciones del artista principal del concierto. Una ascensión absoluta, hasta el éxtasis, a través de la música y de unas letras extraordinarias por su contenido lírico; una ascensión compartida por un público entregado que llegaba al teatro dispuesto a dejarse llevar sin rechistar hasta donde fuera necesario. Antony Hegarty se planta en el escenario, a oscuras, y comienza un concierto que provoca lágrimas de emoción, ovaciones auténticas, besos entre unos y otros. No estoy exagerando. Otros parecen quedarse algo más fríos. Seguramente, no entender las letras de las canciones impide un éxtasis algo...

No mires, lo esencial es invisible a los ojos...

El Museo ABC de Dibujo e Ilustración de Madrid, construido en la calle Amaniel sobre lo que fue la primera fábrica de cerveza Mahou, expone hasta el 6 de septiembre el trabajo de dos grandes artistas: Rébecca Dautremer y Ana Juan. Con esta exposición titulada «No mires, contempla» se inaugura el nuevo Espacio Edelvives instalado de manera permanente en la planta baja del Museo. Se trata de un espacio cedido a la editorial para exponer, vender y presentar sus libros, con amplios pufs y sillones que invitan a la lectura. En esta primera exposición se puede dejar de mirar para en cambio contemplar los originales de algunas de las ilustraciones que conforman los libros Seda, de Alessandro Baricco, ilustrado por Rébecca Dautremer, y Amantes, escrito e ilustrado por Ana Juan; ambos publicados bajo el nuevo sello editorial Contempla Edelvives, que se propone acercar libros ilustrados al público adulto, y que así se lanza al mercado, con estas dos joyas. «No mires, contempla» expone dieciocho de los originales que ilustran la reconocidísima novela del italiano Alessandro Baricco, y quince originales de la obra Amantes de la española Ana Juan. Si algo tienen en común las dos obras ilustradas es que hablan sobre el amor. Por eso, el resultado de la exposición es una armonía que lejos de estar dada por una coincidencia en estilos o técnicas empleadas por las artistas, radica en una sintonía melancólica que cuando hablamos de amor a todos nos suena. Rébecca Dautremer, la ilustradora francesa que algunos niños quizá ya reconozcan por las Princesas olvidadas o desconocidas, Elvis o Babayaga (todos álbumes publicados por Edelvives), es la responsable de las ilustraciones de Seda, publicada en su momento por Anagrama en español. Gracias a este trabajo, que parece haber sido idea de...

Sin novedad en el frente: Cine bélico… antibélico Jul22

Sin novedad en el frente: Cine bélico… antibélico...

«Sin novedad en el frente», excelente película de Lewis Milestone sobre la Primera Guerra Mundial, mostró el sufrimiento de los militares del bando alemán, lo cual resultaba inusitado en el cine norteamericano, que habitualmente les representaba como seres deshumanizados. Generó sorpresa, pero también un gran reconocimiento y obtuvo los Oscars a la mejor película y dirección de 1930.   Mientras que la lucha en la Segunda Guerra Mundial se nos antoja inevitable, como única vía para parar los pies a Hitler y su voluntad de transformar el mundo según su espantosa concepción, la Primera Guerra Mundial puede resultar innecesaria según la sensibilidad actual, al tratarse esencialmente de una colisión entre imperios expansionistas para mejorar sus posiciones geopolíticas. Por eso, la I Guerra es un trasfondo mucho más propicio para proyectar un mensaje antibelicista que la segunda, como evidencia Sin novedad en el frente (All quiet on the western front), extraordinario largometraje norteamericano de 1930 sobre los soldados alemanes en la batalla, dirigida por un emigrante ruso judío (Lewis Milestone). Lo original de la historia radica en que fue la primera película producida en Hollywood que estaba narrada desde la perspectiva alemana y que no presentaba a los militares teutones como máquinas de matar, sino que ofrecía una visión profundamente humana de los mismos, mostrando su miedo, su desconcierto y su dolor. Curiosamente, mientras que algunos países que habían luchado en el bando Aliado se indignaron porque tacharon la película de germanófila, el régimen nazi la condenó años después por su potencial para desalentar a sus tropas. Lo cierto es que el mensaje pacifista de la historia era universal, por lo que era irrelevante de qué nacionalidad fueran los soldados que protagonizaban la trama. El guión de Maxwell Anderson se basó en la novela más...

Desear no ser más, sino menos Jul22

Desear no ser más, sino menos...

El payaso blanco o el de nariz roja. Eran las únicas opciones que manejaba Federico Fellini cuando hablaba de payasos. Lo que debe ser y lo que nunca será. La vida en orden y la eterna huída de la tristeza. La obra del director italiano no hubiera sido perfecta sin que se adentrase en el territorio de los Clowns puesto que, una de las constantes en su obra, fue la búsqueda de las zonas más extravagantes de la realidad, de las zonas más ridículas o más esperpénticas. Federico Fellini no podría haber dejado de hacer una película sobre clowns, como tampoco Woody Allen podrá dejar de hacer el payaso jamás. Prácticamente la totalidad de su filmografía, desde Fellini, ocho y medio; Amarcord, La strada, pasando por Satiricón o Roma; bebe de la risa que provoca la ausencia del decoro, la más absoluta lejanía entre lo que es y lo que debería ser. Todo lo cual se materializa en la plasticidad de sus personajes, acercándose al cómic y a la estética de Jeunet e irremediablemente a la pintura. De hecho Fellini siempre hacía storyboards de sus películas, como medio de dilatar la realidad hasta poner la lupa en sus aspectos más valleinclanescos, en las «máscaras estrábicas de borracho». El argumento consta de dos partes: la primera es la visión de un niño acerca de los clowns, pero si la misión de éstos es haberle hecho reír, habían fracasado de lleno: él solo había sentido un espantoso miedo y sus rostros le habían recordado a los catetos de los pueblos, en unas escenas de las más deliciosas de todo el filme. En la segunda parte aparece Fellini buscando viejos payasos que también se supone que deben hacer reír, pero son presentados como un testimonio entristecido de...

Avilés en el epicentro Jul22

Avilés en el epicentro...

Un festival que marida Cine con Arquitectura transforma Avilés, la ciudad asturiana, convirtiéndola en referencia cultural del verano. El FICARQ es ya, en su segunda edición, una cita obligada. El grandioso espectáculo de Rafael Amargo puso punto final a una semana de conferencias y proyecciones. Un punto de encuentro de arquitectos y cineastas. Por segundo año consecutivo, la ciudad asturiana de Avilés convierte su verano en un lugar imprescindible para la cultura gracias a FICARQ, el Festival Internacional de Cine y Arquitectura. Una iniciativa única, puesto que su laboriosa organización está en manos de la iniciativa privada y sale adelante únicamente gracias al empuje de Ana María Álvarez Muriel, la creadora y directora del certamen. Un esfuerzo enorme con el que consigue dinamizar el encuentro entre las artes y sus creadores, situando a una población de apenas ochenta mil habitantes en el mapa de la excelencia. Todo en la ciudad -todo en ésta muestra- es singular. Entrando en la población sorprende de inmediato la poderosa imagen del certamen en los espacios publicitarios que los comerciantes de Avilés han hecho suya. Las inquietantes fotografías de Ricardo Villoria están cargadas de significado en un paralelismo entre la Arquitectura y la construcción de la propia imagen, el derecho a re-crear y a disentir con la fuerza de la personalidad rompiendo las fronteras del género, del propio cuerpo, de la propia arquitectura. Villoria es también el director del cortometraje que presenta esta segunda edición, El poder de la transformación, un minifilme excepcional con fotografía de Pablo Bürmann producido por la misma Ana Muriel. Es el trabajo arriesgado y fascinante de un artista poliédrico que acaba de iniciarse en el audiovisual y que promete muchas sorpresas. La gala de inauguración, conducida por Cayetana Guillén Cuervo y el actor andaluz...

El paisaje alucinado Jul22

El paisaje alucinado

La pintura de Kim Dorland, de mensaje directo y sugerente, posee una alquimia plástica que nos reconcilia con la pintura paisajista. Construida desde la impresión inmediata, pero a través de una interpretación excesiva, su obra transporta al espectador hacia mundos familiares aunque cargados de misterio que ofrecen una visión salvaje y seductoramente romántica de los bosques canadienses. El impulso de la pintura, esa disciplina que tanto nos ha hipnotizado durante siglos, se ha visto revertido en drástica proporción desde el advenimiento de las nuevas tecnologías como forma lógica y consecuente de explicar el mundo y a las nuevas formas de vida que surgen en nuestro, aun incierto, siglo XXI. A la pintura le cuesta encontrar resquicios donde aún mostrarse importante y capaz, donde ir mas allá de una nostálgica recreación del pasado mitificado o del recurrente análisis de los propios elementos pictóricos que se repite cíclicamente desde los ya lejanos tiempos de la pintura-pintura. Uno de esos oasis en los que el medio pictórico aún encuentra su fortaleza es en el contacto directo con la naturaleza, una tradición que no entiende de modas al estar inscrita en lo perenne, lo (aún) no modificado, el espacio salvaje que nos define incluso en la distancia, aún en el contraste, a pesar del empeño destructor de nuestra civilización tecnológica, como seres que habitan un mundo que nos preexistía. Kim Dorland (1974, Alberta) encuentra en la pintura una vía directa, tan mágica como en sus prehistóricos orígenes, de relacionarse con los bosques autóctonos de su, aún en gran medida, salvaje país. Una visión que no se concreta solo en sus intensos paisajes sino que condiciona incluso un acercamiento a los núcleos urbanos o sus inquietantes retratos, desfigurados en una intensa orgia matérica que une al retratado a la...

Teatros Romanos de Andalucía: Los pilares de lo que somos Jul22

Teatros Romanos de Andalucía: Los pilares de lo que somos...

Baelo Claudia (Tarifa, Cádiz), Itálica (Santiponce, Sevilla) y el teatro romano de Malaca (Málaga) son los enclaves en los que se representarán las obras elegidas por la Junta de Andalucía que forman parte de la propuesta que se ha llamado Teatros Romanos de Andalucía. La riqueza arqueológica de cualquiera de los tres es inmensa.  Aunque superficiales y muy breves, estas notas pueden servir de pequeña ayuda al que los visite con motivo de las representaciones teatrales. Las legiones romanas añadían un grupo de actores entre sus filas para que amenizasen el viaje hasta las provincias, el antes y el después de la batalla o la estancia de los militares en tierras lejanas y hostiles. En el peor de los casos, eran los propios legionarios los que se subían a un escenario (seguramente tres o cuatro tablas) para interpretar comedias o tragedias que les hicieran olvidar las calamidades del camino o la espada enemiga al acecho. Así de importante era el teatro en Roma. Incluso la grandeza de las ciudades se medía, entre otras cosas, por la construcción de un teatro o por la carencia del mismo. Los teatros romanos no eran un edificio más. En ellos se representaban comedias y tragedias, pero (lo más importante) se representaba la sociedad entera. Los estamentos sociales se retrataban uno por uno. Era tan importante que en la Lex Ursonensis se pueden encontrar tres capítulos dedicados al control de asientos. Estos se asignaban a decuriones, magistrados y ciudadanos con derecho adquirido. Las vestales se colocaban en la parte alta; la plebe llenaba la media cavea (esta es la estructura semicircular que tan acostumbrados estamos a ver en este tipo de construcciones y que, seguramente, muchos conocen como grada); tenían su lugar libertos, esclavos imperiales y collegia profesionales. El...

Seda

Seda es una nouvelle firmada por Alessandro Baricco. Fue el relato que le sirvió para presentar su literatura ante el mundo entero. La escritura de Baricco es extraordinariamente técnica a pesar de llegar al lector con facilidad, con la etiqueta de agradable. Porque la técnica puede utilizarse para alcanzar diferentes objetivos (algunos no literarios) y el autor de Seda lo sabe más que bien. Las imágenes de este texto son muy superficiales, muy poco potentes, aunque Baricco utiliza palabras de tono medio que las maquillan para poder parecer fuentes evocadoras y revestidas de gran belleza. Por otra parte, maneja la reiteración para generar una sensación de falsa cercanía entre relato y lector; busca una integración que termina consiguiendo aunque dura lo que tarda alguien en leer la novela. Poco después todo se olvida. Además, la trama se llena de situaciones románticas, dramáticas, de ausencias y melancolías; que funcionan muy bien para entretener a los lectores. Es decir, Baricco utiliza la técnica con cuidado extremo y es muy astuto al hacerlo. Eso no se le puede negar. La novela tiene cosas interesantes. Por ejemplo, la descripción de los viajes que realiza Hervé Joncour en busca de los huevos de gusano. Con una sola palabra, el autor consigue mostrar las diferencias que existen en un mismo trayecto pasado un tiempo bastante escaso. Mezcla bien los elementos dramáticos consiguiendo cierta tensión narrativa que nos lleva hasta el final del relato sin fatiga (si la novela fuera el doble de larga no sé si funcionaría igual). Contrapone culturas, amores, rutinas; y eso funciona muy bien cuando se busca la implicación del lector que termina apuntándose a una opción u otra sintiéndose parte de la propia trama. Cualquier escritor que intente abrirse paso en el mundo literario debe echar un vistazo...

En la periferia Jul15

En la periferia

Ser inteligente está bien visto en la sociedad actual. Da lustre a la persona y nadie pone en duda las bondades de algo así. Pero lo verdaderamente importante, lo que más se cotiza en sociedad, es ganar dinero. Ser millonario es algo envidiado aunque el poseedor de la fortuna sea más tonto que pichote al mismo tiempo. Ser brillante utilizando el pensamiento y vivir con lo puesto es una cosa muy romántica que nadie quiere para sí mismo o para los hijos. Posiblemente sea esto lo que genera que nuestras sociedades sean un paraíso para los mediocres; mediocres que miran con carita de pena a los brillantes, a los que dejan seguir a lo suyo mientras no metan las narices en sus cosas (como si fueran la mascota  o algo así) porque si lo hacen, si además de ser inteligentes, quieren ganar dinero, el peligro es absoluto y esa masa de normaduchos sabe bien cómo acabar con todo lo que ponga en riesgo su fortuna. Aquí se viene a ganar dinero como a la guerra se va a morir. El resto es accesorio y prescindible. De hecho, las familias se esfuerzan para que los hijos estudien lo que puede ser rentable; los estudios dejaron de ser una fuente de conocimiento para ser la preparación técnica en forma de inversión. Una inversión de futuro. Porque, todo hay que decirlo, muchos mediocres tienen estudios superiores (eso sí, de lo más rentables). Pero, por supuesto, se han colocado en la periferia cosas que tienen (a causa de todo esto) una importancia menor cuando deberían ser vitales. Por ejemplo, el individuo. Sí, estamos en la periferia; usted y yo lo estamos; no crean que solo lo están los negritos del África septentrional. Eso de ser buena persona cuenta,...

El espectáculo de la imperfección...

El pintor leonés Félix de la Concha reinventa la pintura, aportando una dimensión escénica a sus series de retratos y paisajes. A lo largo de su trayectoria como pintor se ha distinguido por sus series y sus perfomances, que graba en vídeo y que en ocasiones realiza con público. Ha decidido renunciar a la perfección, a cambio de aportar una magnitud teatral al acto íntimo de la creación pictórica. Durante los últimos años, el artista castellano se ha aproximado al conocimiento de hechos, sociedades, culturas  y realidades mediante la fórmula del retrato-entrevista, en la que realiza un bosquejo de las vivencias del modelo mientras trata de captar su alma sobre el lienzo. Protege su timidez con los movimientos fugaces, desprovistos de sentido, de sus manos. Lo hace cuando habla. Lo hace cuando pregunta. Lo hace cuando pinta. Su apariencia es la de un niño, a pesar de haber sobrepasado los cincuenta años. Delgado, pequeño, de mirada curiosa, inteligente y con un brillo reservado, de inocente malicia, de traviesa arrogancia. Como si Tom Sawyer hubiera nacido en León, en 1962 y se hubiera negado a crecer, recreando su propia realidad al óleo de los paisajes que pinta, y retratando a los personajes de su vida y de los acontecimientos que le interesan. Tal vez por ello el destino, o Dios o la fortuna, o todo ello, llevó a Félix de la Concha vivir en Iowa, cerca de donde MarkTwain ambientó sus historias de niños que no quieren dejar de serlo, jugando a ser hombres, que, como él, patalean y escenifican un sobreactuado enfurecimiento cuando los detalles escapan a un control artificial, fingido. Su vida, como buena parte de su obra, es una apología del anacoluto. No concluyó sus estudios de arte, y sin embargo se...

Orfeo y Eurídice: El lenguaje universal Jul15

Orfeo y Eurídice: El lenguaje universal...

Arrancando desde la ópera de Christoph W. Gluck (1714 – 1787), la coreógrafa Pina Bausch creó un ballet muy cercano a las intenciones del compositor aunque incluyendo ideas originales que buscaban mayor intensidad en los encuentros entre Orfeo y Eurídice, así como el camino a transitar para lograr convertir el arte en algo accesible a través de la encarnación necesaria. Pina Bausch se arrima al clasicismo para no topar con un final feliz ante el que sucumbió Gluck en su ópera. Pina Bausch (1940 – 2009) dijo que «la danza es el único lenguaje verdadero». Esta es una afirmación que podríamos discutir aunque lo cierto es que lo que sí conseguía, en cada una de sus obras, es que pareciera una verdad absoluta. La puesta en escena de su Orfeo y Eurídice (danza – ópera en cuatro cuadros) es, sencillamente, colosal. El encuentro con las sensaciones y los sentimientos humanos como característica universal del ser humano (de aquí procede la afirmación de Bausch) es absoluta, rotunda y casi perturbadora. Para conseguir algo de esta categoría, la coreógrafa utiliza personajes desdoblados en sus facetas vocales e interpretativas que dotan al conjunto escénico de una fuerza expresiva y narrativa de la que la ópera de Christoph W. Gluck carecía. Ambos autores iban al encuentro de convertir en carne lo que era arte, pero es Bausch la que consigue el objetivo de forma primorosa acercando lo más primitivo, eso que nos ancla a la realidad más inmediata a través de cualquier manifestación artística, eso que no puede disfrazarse o arroparse con lo que forma parte de lo superficial en la existencia del ser humano. Durante el desarrollo de los cuatro cuadros que dibujan un círculo expositivo (diablo, violencia, paz y muerte), cada gesto, cada movimiento de los...

Tragedia y comedia clásica como explicación del presente Jul15

Tragedia y comedia clásica como explicación del presente...

Teatros Romanos de Andalucía quiere acercar la obra teatral clásica, o adaptaciones de la misma (con el añadido de una opereta firmada por Jacques Offenbach), a miles de espectadores. El pasado año fueron más de 8.000. Serán los enclaves arqueológicos de Itálica (Santiponce, Sevilla), Baelo Claudia (Tarifa, Cádiz) y el Teatro Romano de Málaga, los escenarios inigualables en los que se desarrollará un programa pionero. Plauto, Eurípides, Aristófanes, entre otros, llegan como modo de contarnos el mundo. Porque el mundo es lo mismo desde que lo es. Lo hemos ido disfrazando, pero la esencia es insustituible. Por ello y por el carácter universal y atemporal de estas obras, esta actividad se hace imprescindible en el panorama artístico andaluz. Plauto es uno de los autores destacados en esta actividad propuesta por la Junta de Andalucía. Logró para Roma una adaptación de la Comedia Nueva Ateniense. Roma acababa de descubrir la cultura griega y no soportaba, aún, la moda que, posteriormente, helenizaría todo a su paso. La sociedad gravemente enferma era el centro de las comedias de Plauto. Alejado del patriotismo bélico, dibujó la ingenuidad más pueblerina situada en pueblos arcaicos. Sus escenas se llenan de gentes marginales (pícaros, cortesanas, parásitos, esclavos, nuevos ricos) y gracias al léxico callejero sumado a la fluidez en los diálogos, logra que el romano medio se olvide de un mal sueño llamado Cártago. Como nos pasa a nosotros con la crisis. Una de las obras de Plauto que se representará en los teatros romanos es Los Gemelos; una comedia de enredo que recuerda a todo o que se ha escrito posteriormente y que resulta modernísima. La confusión llena el escenario y provoca que los personajes vayan de un lugar a otro buscando explicaciones que el espectador ya conoce desde el principio...

FOTÓGRAFOS EN COLOR

De un experimento que tiene más que ver con la Física que con las musas nace lo que hoy conocemos como fotografía en color. Aladar propone en un rapto de modernidad e intento de rigor explorar la mitad del camino entre lo puramente profesional (analógico y digital) sin querer hacer ascos a aquellos que se van iniciando en el mundo más puramente tecnológico de los smartphones. Porque hoy en día y cada vez más, somos también lo que vemos, aunque no tengamos medios para disparar desde un artefacto que nos resulte más o menos extraño. Lo de que la fotografía es una disciplina híbrida lo hemos dicho más de una vez. Pero hasta tal punto es así que el inventor de la primera imagen a color fue el físico escocés James Clerk Maxwell, alguien que naturalmente trascendió en vida por otras labores, pero que un buen día de 1861, sin siquiera pretenderlo a priori, presentó en Londres un método aditivo por el que a través de luces de los tres colores primarios (rojo, verde y azul) podía conseguirse cualquier tono. Su invento recibió el nombre de tricromía, y todavía tenía una sensibilidad cromática insuficiente para lo que vendría después. También hay que decir que si repasamos los libros sobre historia de la fotografía, artífices multidisciplinares actuaban con pesados y poderosos equipos, pero sobre todo con altos tiempos de exposición sobre el negativo, consiguiendo si bien no la tricromía sí unos virados a sepia o incluso a tonos verdes, algunos años antes. Es el caso no tanto de las primeras imágenes de Nicephore Niepce o Daguerre, sino más bien de William Henry Fox Talbot o Alfred Stieglitz, dos caballeros anglosajones que sin desmerecer la tarea de aquellos franceses, siempre se consideraron pioneros y buscadores del...

Música no apta para depresivos Jul15

Música no apta para depresivos...

Diez colecciones de canciones destinadas a hacernos palpar el lado mas triste de la vida. Diez propuestas artísticas que alcanzan el éxito a través de infligir heridas. Desde la queja melancólica al aullido existencial, desde el ocaso romántico al delirio nervioso… ¿Es posible llegar a vender miles, cientos de miles de discos, cantando sobre el trauma, la depresión o  el amor a la muerte? En nuestra sociedad, adicta a sentirlo todo protegidos por el airbag de la experiencia ajena, por supuesto que sí. Elegantes ejercicios de estilo, pop sencillo para multitudes, grunge corrosivo, atmosférico post-punk, producciones exquisitas, grabaciones secas y directas, cartas desesperadas de amor o autistas sentimientos de exclusión. Múltiples formas para recubrir los sinsabores de la vida que llegan a hacernos pensar si fue una buena idea pulsar play. ¿Por qué una lista sobre la tristeza? Quizás la respuesta mas sencilla sea porque existe esa posibilidad, brindada por un extenso grupo de músicos que han cantado al dolor y al sufrimiento. La única premisa inicial, que hace homogenea esta selección, fue intentar siempre que el contenido hiriente se manifestase tanto en el sonido como en el mensaje de las letras, dejando fuera odas a la tristeza tan intensas como Meat is murder de The Smiths, This is hardcore de Pulp, o Pink moon de Nick Drake, entre otras muchas obras cuyos ambientes musicales no resultan tan opresivos. ¿Por qué limitar la lista a grupos de éxito? Por un lado para ayudar a quien suscribe a seleccionar tan solo diez propuestas entre las posibilidades que añadiríamos si también investigáramos en el underground musical, tan proclive al lamento existencial y al retrato de la podredumbre social. Por otro porque resulta especialmente atractivo que determinados artistas consigan alcanzar el éxito enfrentando al público con la...

Los pequeños demonios escondidos tras la voz angelical Jul15

Los pequeños demonios escondidos tras la voz angelical...

Desde que en 2008 Lourdes Hernández (bajo el nombre artístico de Russian Red) irrumpiese en la escena musical española han pasado muchas cosas. Otros dos trabajos de estudio, la inclusión en diferentes bandas sonoras de cine (con nominación al Goya de por medio), y la actuación en innumerables festivales. Russian Red se ha erigido en una figura con nombre propio. Su voz sedosa y cautivadora sigue hechizando a quienes la escuchan. Sigue haciendo estragos de una manera tan sutil como intensa. Los cantos de sirena van más allá de ser simples piezas de puzzles mitológicos o legendarios. Los cantos de sirena existen, al menos en el ámbito de la música. Lourdes Hernández, más conocida como Russian Red, sabe mucho de esto. Su timbre vocal puede parecer tan frágil que a quien la escucha le invade la sensación de que esa voz terminará por quebrarse de un momento a otro. Es un tono dulce, desnudísimo, que logra captar toda la atención de quienes tiene alrededor. Si Homero hubiese conocido a Russian Red se hubiese tirado de los pelos, y hubiese advertido a todo el mundo que no se dejase llevar por sus cantos hechizantes. Pero Homero no está aquí para prevenirnos, por lo que caer bajo el embrujo resulta demasiado tentador como para resistirse. Y cuando uno cae donde no debe, a veces, se encuentra con los demonios. Russian Red no tiene que ver con ideologías ni plazas rojas. Evitemos mezclar a Moscú en esto, porque este nombre artístico proviene sencillamente de un modelo de pintalabios. De hecho, tratemos de sortear cualquier relación entre política y la música de esta joven cantautora madrileña; la última vez que se atrevió a mojar la uña del dedo meñique en estas aguas, a punto estuvo de salir escaldada...

Creyendo lo imposible Jul09

Creyendo lo imposible...

  No es habitual que un artículo lleve una dedicatoria. Este, sin embargo, la va a tener. Porque trata de magia, y de magos. De aquellos capaces de transformar, aunque sea por unos instantes, la realidad, y volverla hermosa. De quienes consiguen hacer creer que todo es posible. Todos conocemos alguno. Hay magos mundialmente famosos. Magos que forman parte de la misma historia de la magia, como los diez que he incluido en esta pequeña selección. Y hay también magos increíbles, cuyo nombre no es tan conocido, que lo que hacen no es llenar grandes teatros. Que hacen magia sin trucos. Que, con ella, son capaces de crear sonrisas e ilusión en cualquier parte. Transformar el entorno más duro. Que logran que los niños hospitalizados, o situaciones difíciles, no pierdan la sonrisa, ni el brillo en los ojos. Porque la infancia, siempre, ha de ser mágica. Por ello, este artículo va dedicado a ellos. A todos los magos voluntarios, en asociaciones como Avoi o Ilusionistas Sin Fronteras. Los que cambian la realidad, día a día, y hacen que los niños puedan seguirlo siendo, estén donde estén. Hace un par de semanas, tuve la suerte de asistir a un espectáculo de magia que no me gustó nada. Por más que lo intenté, por más predisposición a dejarme envolver, por más que hice todo lo posible por tratar de sentirla, la magia no estaba allí. Había un señor haciendo (tengo que reconocer que bastante bien, eso sí), trucos. Y, pasado el disgusto (si hay algo que busco y encuentro constantemente en la vida, es la magia, que, como la poesía, se esconde en cualquier parte), me di cuenta de dónde había estado el fallo. Mi fallo. En haber dado por sentado que esa tarde, iba a...

DE AQUÍ A LA ETERNIDAD: ZINNEMANN Y CLIFT TOCAN EL CIELO Jul09

DE AQUÍ A LA ETERNIDAD: ZINNEMANN Y CLIFT TOCAN EL CIELO...

De aquí a la eternidad es una de las películas más hermosas de la década de los 50. Todos recordamos la emblemática escena de Burt Lancaster y Deborah Kerr besándose en la playa, pero merece la pena volver a ver esta gran obra por muchas otras razones. Fred Zinnemann dirigió con maestría una fascinante trama ambientada en los albores de la segunda guerra mundial y logró extraer de Montgomery Clift una interpretación absolutamente memorable como el soldado Prewitt. Fred Zinnemann dirigió algunas excelentes películas que tenían en común un tema persistente: el individuo fiel a sí mismo en un entorno que intenta hacer tambalear su esencia. El sheriff abandonado a su suerte en Sólo ante el peligro, la religiosa que se rebela contra el voto de obediencia en Historia de una monja… Y sobre todo, Prewitt en De aquí a la eternidad (From here to eternity, 1953), el soldado que se atreve a desafiar la arbitraria voluntad de sus superiores y lleva hasta las últimas consecuencias el principio que guía su vida: «Un hombre que no sigue su propio camino no es nada». La fijación temática de Zinnemann tenía mucho que ver con su experiencia personal. Bajo unas formas suaves, atípicas en un Hollywood poblado de directores de rudo trato, yacía un fondo sólido de convicciones creativas, que él defendía con contundencia frente a los poderosos productores de los estudios. De aquí a la eternidad, escrita por un veterano de la segunda guerra mundial, James Jones, fue un clamoroso éxito de ventas y el presidente de Columbia, Harry Cohn adquirió los derechos para llevarlo al cine. La historia, ambientada en un cuartel de infantería en Pearl Harbour, justo antes del ataque japonés, relata la llegada al regimiento del soldado Prewitt (Montgomery Clift), al que...

Luz de agosto

Leer a William Faulkner es encontrarse con la literatura, con el auténtico arte de escribir. Tal y como están las cosas, es reconciliarse con todo ello. Creo que fue Arturo Pérez Reverte el que acusó -a los escritores españoles de una época concreta- de seguir a Faulkner para quedar bien, de leer sus novelas y cuentos porque así quedaban dentro del círculo de los escritores de alto copete. Digo acusó porque lo afirmó con bastante mala baba. Y, una de dos, o no ha leído a William Faulkner o, si lo ha hecho, no se ha enterado de nada. Leer a este autor es un trabajo duro, entenderle todavía lo es más, comprender el sentido del humor que utiliza este autor sólo está al alcance de los que no se toman en serio ni el mundo ni a sí mismos ni, por supuesto, la literatura. Porque el mundo construido por Faulkner es grandioso, es gracioso, es profundo, es odioso. Es nuestro mundo disfrazado con harapos. Un universo atrapado por un aliento en la escritura difícil de seguir, por un tono altísimo en el que cada palabra elegida parece que estuviera allí esperando a ser utilizada; un universo plagado de personajes llenos de aristas, de escenarios retorcidos sobre su propia decadencia, de muerte, de ignorancia, de desidia. Luz de Agosto no es el libro más difícil de Faulkner. Ni el mejor. Pero en cada página se puede encontrar más literatura que en libros enteros. La trama policial ayuda a que el ritmo de lectura no sea duro en exceso y, sobre todo, la voz creada por el autor nos lleva de un lugar a otro sin esfuerzos añadidos. Una voz de alternancia limitada que va de personaje en personaje para que, desde el núcleo argumental, crezca un mundo entero en el que cada cosa...

La pluralidad de Richard Villalón...

Richard Villalón es un artista que se declara comprometido ideológicamente y se arrima a un público situado en las periferias sociales. Porque Villalón toma la poesía como arma que se llena de sentido, que arroja belleza a una sociedad que trata de escapar de la vulgaridad que impone un sistema cicatero con las formas de arte. La fusión del teatro y esa poesía desemboca en un trabajo, atractivo por su diversidad, que Villalón presenta en el Palacio de la Buhaira de Sevilla el próximo día 12. Richard Villalón Palacio de la Buhaira 12 de julio de 2014 Sevilla Richard Villalón es un hombre extrovertido, amable y, muy, muy, divertido. Le gusta hablar con desenfado y trata cualquier asunto, sea cual sea, cubriéndolo de la importancia que aporta una normalidad que integra todos los estados vitales. Es cantante desde los once años. Tuvo ocasión de compartir en Perú, su país natal, experiencias con artistas que huyeron de Argentina, Chile o Ecuador; cuando el terror represivo se implantó en esos países. Aunque, allí en Perú, se le encuadraba en lo que se conoce como canción criolla siempre estuvo vinculado a una música cercana a la política y al compromiso social. Charlamos con tranquilidad. Dejo que el torrente en el que se convierte Richard cuando quiere expresar una idea vaya descargando ideas y experiencias. «He trabajado mucho en el teatro. He estudiado música durante años. Por esto, quiero que ambas facetas sean una sola cosa convertida en un método de expresión potente y único. Para ello sumo una capacidad vocal que no es otra que la de contratenor clásico que dejó de ser habitual en trabajos parecidos al que yo desarrollo. El problema es que no existe una radio fórmula que acepte en estos momentos a cantantes...