MUERTE Y CRUCIFIXIÓN. LA PASIÓN SEGÚN PAUL DELVAUX Mar24

MUERTE Y CRUCIFIXIÓN. LA PASIÓN SEGÚN PAUL DELVAUX...

El Museo Thyssen de Madrid dedica una exhibición a un artista singular. Está hilvanada en torno a oportunos ejes temáticos que nos ayudan a entender su particular poética y acercarnos a una producción inquietante. Destaca la poderosa iconografía construida en torno a la Pasión de Cristo, polémica en el momento de su presentación, pero que podemos contemplar hoy bajo la luz de la espiritualidad o de la simple belleza plástica. En 1954 Paul Delvaux presentaba su Crucifixión en la bienal de Venecia desatando un escándalo monumental. Lo promovió el cardenal Angelo Roncalli, Patriarca de Venecia, que ascendería más tarde al Santo Solio con el nombre de Juan XXIII, por considerar esa obra herética y blasfema. El artista se defendió de las acusaciones diciendo que la idea de sacrilegio nunca había estado en su cabeza, sino que había sido puesta en la mirada de otros. El pintor decía buscar en los esqueletos una apariencia de misterio medieval, quizás profano, pero nunca profanatorio. Afirmó que había representado a los personajes sagrados como osamentas porque estas magnificaban la estructura misma de la vida con todas esas líneas, admirables como jaulas, a través de las cuales pasa una luz vivificante. Quizás no sea uno de los cuadros con los que más identifiquemos a su autor, pero es indudablemente una de las obras más poderosas del arte contemporáneo por su expresividad, por la resolución de sus colores, por el equilibro –efectivamente- entre lo sagrado del tema y lo profano de su tratamiento, así como por la intención cubista de su composición. Delvaux toma el esqueleto ciertamente de la iconografía barroca y medieval, se acerca a él con sus visitas a los museos de Historia Natural y profundiza en la creación de danzas macabras, descendimientos y santos entierros, además de...

Todo el universo femenino. Ser mujer, dentro y fuera del manga Mar17

Todo el universo femenino. Ser mujer, dentro y fuera del manga...

En el Imperio del Sol Naciente, donde el movimiento feminista está retrasado con respecto a su homólogo occidental, la ficción representa una importante válvula de escape, así como un espacio de reconocimiento e identificación. Shôjo es el nombre que recibe el segmento de publicaciones dedicadas al público femenino, que suelen ser periódicas y que acompañan las historias ilustradas con una miscelánea de artículos y reportajes. Cumplen la función de nuestras revistas juveniles. Es una osadía decirlo pero en ninguna forma artística, época o cultura ha tenido tanto protagonismo la mujer –en su triple faceta de creadora, protagonista y receptora- como en el manga. Su enorme éxito, la presencia de interesantes creadoras, y la vitalidad de la producción, marcan la gran diferencia con el cómic femenino de Europa o los Estados Unidos. Shôjo no es un género, sino la categoría bajo la que se identifica un segmento de potenciales consumidores: mujeres jóvenes, y por extensión todo lo editado para ellas. Surge tímidamente en la preguerra con historietas recatadas y lacrimógenas, algunas de ellas compuestas por el gran precursor, Osamu Tezuka. Alza el vuelo durante las décadas de los 40 y los 50, cuando las mujeres creadoras toman el relevo y el target al que iban destinadas originalmente sus ilustraciones se desborda hacia el nicho adolescente, pues veremos que una de las más notables características del manga es que se ha ido consolidando sobre las diferentes generaciones de la postguerra y evolucionando con ellas. Con el boom de los 70 shôjo se lanza con avidez sobre todas las materias y todos los géneros, deportes, humor, ciencia ficción -siendo favoritos los de terror o misterio- y llega a adentrarse, con algunas creadoras como Moto Hagio y Yumiko Oshine, en el mundo interior y el flujo de conciencia, elaborando...

EXCENTRICIDADES EN TORREMOLINOS Y ESTILO DEL RELAX...

Continuamos revisitando edificios curiosos de nuestra Costa del Sol, alguno de ellos catalogados dentro del Estilo del Relax, un movimiento de inspiración internacional que adquirió en Málaga características propias. Algunas de estas obras maestras permanecen ignoradas por los turistas, que apenas reparan en ellas pero muchas veces también por los vecinos que les niegan el valor que representan en las tramas urbanas. Solo hemos conseguido documentar una ciudad en España que pueda ufanarse de tener una calle dedicada a uno de los personajes de las Mil y una noches, Aladino, en ella se encuentra otro de los inmuebles reseñables de la ciudad de Torremolinos, que en su momento marcó el acceso a la playa de La Carihuela desde la antigua nacional 340. El Bazar Aladino es un centro comercial diseñado como un barco, cuya proa apunta a la carretera –hoy avenida de Carlota Alessandri- y al que se accede desde una pasarela. Todavía, rodeado de construcciones espurias, y descontextualizado, produce un efecto prodigioso, mágico. Fue diseñado y construido en 1953 y es el paradigma del estilo moderno náutico, que excede aquí el concepto para devenir una maqueta, una reproducción. Es la sustitución de lo inspirado por lo auténtico, porque salvo en lo que se refiere a los materiales constructivos el exterior de la estructura, con las diferentes cubiertas y la chimenea, era el de una auténtica nave de recreo anclada en la acera. Es en ese punto de fantasía y desinhibición donde los estudiosos encuentran el motivo para inscribirlo como pieza destacada, por lo extravagante, en el Estilo del Relax. El proyecto original de Fernando Morilla fue modificado en los años 80 alterando los volúmenes de la última cubierta y la chimenea, variando los colores originales y obviando los juegos de escaleras metálicas, es un...

Colección Aladar de arte contemporáneo. Arco 2015 Mar03

Colección Aladar de arte contemporáneo. Arco 2015...

Más de 600.000 € gastados en un solo día (imaginarios o virtuales si lo prefieren), en la visita a una de las ferias de arte contemporáneo más importantes del mundo, marcarían la irrupción de nuestra revista entre los grandes coleccionistas españoles, en una edición sin extravagancias. Nos presentamos en ARCO y tiramos la casa por la ventana Constituimos un museo virtual para nuestros lectores, irá creciendo, e informaremos puntualmente sobre su cotización. ARCO 2015 se desarrolla entre las quejas por el IVA cultural que arroja a los galeristas españoles bajo los pies de los caballos. Rafael Díaz, ANTIRRETROVIRALES 1, 2011. Fotografía montada en metacrilato, 1/5 + 2AP. 148 x 200 cm GALERÍA ÁLVARO ALCÁZAR, Madrid. 15.000 € Una obra de arte global donde se conjugan belleza plástica y técnica impecable. Se anticipó a la realidad en una investigación profundamente social sobre la asequibilidad de los medicamentos y el precio de la salud. El artista es también médico, salvadoreño, afincado en España desde hace catorce años. La honestidad del trabajo y su carisma, sitúan la imagen entre lo mejor de la feria. Son envases de medicaciones contra el VIH bajo campanas de vidrio. Julian Opie, CARP, 2014. Pantalla LED. 168 x 168 x 11,7 cm. GALERIA MARIO SEQUEIRA. Lisboa. 117.000 € En todos los corrillos se habla de él como del mejor stand de la edición. Los vecinos portugueses demuestran que son modernos en el sentido más profundo de la palabra: elegantes, innovadores y refinados. Apuestan con firmeza por un autor, arriesgándose; presentan una muestra espléndida de la que nos lo hubiéramos llevado todo. Hemos tenido que elegir, pero no hemos podido resistirnos a tres piezas. Ésta simula un banco de carpas -luminosas y minimalistas- que producen un efecto excepcional. Julian Opie, PEOPLE 18 (TBC),...

TORREMOLINOS: EL ESTILO DEL RELAX Y EL URBANISMO DE LOS 60...

La costa malagueña reserva sorpresas inesperadas entre la confusión de hoteles y edificios de apartamentos. Forman parte de un pasado de glamur al que no debemos renunciar. Iniciamos un primer recorrido por algunos edificios singulares y su historia, porque a la sombra de los grandes monumentos de Andalucía todavía quedan cosas que nos pueden sorprender. Torremolinos se ha convertido en el paradigma del turismo de masas en nuestro país. Un sol y una playa ante cuyo esplendor se consintieron los peores desmanes y se permitió un crecimiento alocado, sin regulación, asimétrico. La construcción de una ciudad de aluvión sin ningún plan rector de calidad abandonada a su suerte, a la ambición de los constructores y los políticos, a cuyo carro se subieron alegremente cuantos pudieron hacerlo. Pero entre la selva de edificios disonantes y de volúmenes contrapuestos en que se ha convertido la franja litoral, se pueden encontrar auténticas joyas arquitectónicas, que pasan desapercibidas a los turistas habituales y que conviene reivindicar; para que los visitantes las conozcan, pero también para que las administraciones públicas sean conscientes de que deben de ser no solo protegidas, sino también promocionadas y puestas en valor. El edificio más excelente que nos queda de la época dorada del turismo internacional en Torremolinos es el Hotel Pez Espada. Fue construido por Manuel Muñoz Monasterio y Juan Jáuregui Briales e inaugurado el 31 de mayo de 1959 como la primera instalación hotelera de cinco estrellas de la Costa del Sol. Por sus salones han pasado las más destacadas personalidades de la aristocracia, la cultura y el cine mundial: los príncipes de Mónaco, Gracia y Rainiero; los duques de Windsor; el rey de la Arabia, Feisal Al-Saud; o la emperatriz Soraya, shabanú de Persia; Rita Hayworth, Ava Gardner, Sofía Loren y su...

DE DONDE SON LOS CANTANTES...

La brillantez con la que el español se asentó en América –el idioma, el hombre y su religión, el pulso de su sangre- alcanza en Cuba el clímax de una extravagancia magistral. Alejo Carpentier, Lezama Lima y Severo Sarduy son el ejemplo -que no la excepción- de la desmesura, de la inteligencia, de la cultura desbordante y la agilidad verbal. Dejando aparte sus grandes obras, sus experimentos son asombrosos. Este es uno de ellos. Debemos de contemplarlo dentro del contexto de renovación de la literatura latinoamericana de los años sesenta del pasado siglo. Nos interesa hoy. Severo Sarduy comienza con la vista puesta en el barroco hispánico, con un tono valleinclanesco, utiliza expresiones provocadoras y un vocabulario abrumador. Lo suyo es una travesura culterana. Una caricatura tropical donde se esconden los engranajes ocultos del cubanismo. De donde son los cantantes son casi tres autos sacramentales, espacios para lo grotesco y la transgresión, una crítica social y una mirada torcida sobre los aluviones que se incorporan al mestizaje de la isla, enriqueciéndola con sus herencias china y africana. Parecen redactados con afán moralizante, y anclados en la farsa de la religión. El último relato, La entrada de Cristo en La Habana es rítmico y sugerente, definitivamente pre-ocañesco. La narración soberbia del sentido de los pasos procesionales, comprendida y relatada con una audacia y una clarividencia no exentas de maldad. Las tres historias convergen en personajes con nombres comunes y el propio escritor los presenta en un prólogo breve en el que da algunas claves para comprender textos atmosféricos pero oscuros, crípticos en la construcción de una imagen literaria metafórica y brillante. Calificación: Muy interesante. Tipo de lector: Interesados en la literatura latinoamericana y experimental. Tipo de lectura: Intensa. Argumento: Oculto. Personajes: Extravagantes. ¿Dónde puede leerse?:...

Spokon, la superación mediante el deporte Feb17

Spokon, la superación mediante el deporte...

La variedad y la interconexión de los géneros manga solo se puede comparar con las que existen en el cine, pero los dibujos presentan además la excepcionalidad de dirigirse sin complejos a las grandes minorías; eso los enriquece y da mucha libertad a los creadores. El bajo coste de los tebeos, con ediciones sencillas y baratas, así como las tiras intercaladas en revistas de entretenimiento son bazas estratégicas en la promoción y la evolución del manga en su país de origen. Como todas las sociedades evolucionadas, los japoneses son muy aficionados a los deportes. Además de competiciones clásicas como el sumo, el kyudo, el kendo y otras artes marciales, el beisbol goza de gran popularidad -tras ser introducido por los americanos durante la Restauración Meiji- lo mismo que el fútbol o el automovilismo. El país ha organizado destacados juegos de invierno y la capital está planeando su segunda olimpiada. Es el marco ideal para que el manga deportivo -conocido como spokon– florezca, y sea un sector fácilmente exportable a otras culturas con las que comparte intereses similares. Estos comics deben entenderse siempre en una trama de superación personal, están protagonizados por jóvenes e intercalados de romances. Su ambientación en los medios urbanos más humildes, donde los logros se consiguen a través de la voluntad y el sacrificio, los arraigan entre las clases trabajadoras que se sienten cercanas a sus peripecias. Se da la curiosidad de que los avatares de algunos deportistas han aparecido dibujados en la ficción. Es curioso y muy gratificante que los editores españoles estén licenciando gran variedad de disciplinas para intentar llegar a un amplio público, tanto masculino como femenino. Es de ley destacar en primer lugar Real, de Takehiko Inoue, editado por Ivrea, entre cuyos roles están dos jóvenes discapacitados que...

MARÍA JOSÉ CUMBRERAS, ALMA Y ESPÍRITU DE MARRAQUECH Feb10

MARÍA JOSÉ CUMBRERAS, ALMA Y ESPÍRITU DE MARRAQUECH...

Imagen: Panorámica de Djema-el-Fna Es un dédalo de calles donde la trama urbana se esconde en retazos de pasado y atisbos del futuro: vendedores, patios, jardines, sonrisas, carros, celosías, motoristas, montones de basura, teléfonos móviles, gatos y naranjas. Para los bereberes es “La tierra de dios”, allí se encuentra el norte con el sur, el desierto y los vergeles, las montañas con la llanura; la miseria, con una opulencia milyunochesca. Una pintora andaluza es parte y señal en la encrucijada. En su atelier de la medina, María José Cumbreras está terminando una pareja de lienzos encargados para decorar el riad de unos potentados suizos, son dos vistas diferentes del alminar de la Kutubía desde los jardines del Consulado de Francia. Los pinta aislada en su terraza del barrio de Ben Salah. Cuando llegó a la ciudad y se enamoró, hace catorce años, buscó ávidamente la vida de las calles y los pasajes de la kasbah para retratar trozos de vida. Luego, con el devenir del tiempo, sus composiciones se han ido haciendo más distantes, más espirituales, tomadas desde el apartamiento. Efectivamente, en estos años la pintora onubense ha ido penetrando en el alma intangible de Marraquech, profundizando en los motivos por los que esa escenografía, engañosamente inmutable, ha sido capaz de dar a la luz la intensidad de su paisaje urbano. Investigando en los orígenes después de hacerlo en sus consecuencias. De la primera época quedan fragmentos de un realismo social que la acercan a Claudio Bravo como el tríptico Los chicos de Merzuga, unos adolescentes con sus bicicletas entrevistos ante el vacío del desierto; o Las Puertas de la Vida, una composición muy personal, una fantasmagoría de personajes que acompañan una maternidad. Entre sus últimos trabajos, las panorámicas de Marraquech son espectaculares, se apoyan...

Historias de mujeres

Ante un libro como este, compuesto por la recopilación ampliada de unas biografías de mujeres que la autora escribió para el diario El País, uno no puede más que descubrirse ante Rosa Montero y darle las gracias. Gracias por su prosa precisa e incisiva que nos transmite todos los matices de la atracción que le hizo volverse hacia esas mujeres escondidas. Gracias por rescatar para nosotros historias emocionantes, terribles, por retratar el alma humana en su más profunda dimensión y por presentárnosla como una prueba de sangre. Gracias por su exactitud y su sinceridad en los retratos. Será muy difícil que quien se acerque a estas biografías no descubra algo que no conocía y que no quede profundamente perturbado por una u otra de las historias. Mujeres atrapadas en su mayor parte en un mundo de hombres, congeladas en la historia como ejemplares de entomólogo que se merecen una reivindicación. Monstruos. Infiernos particulares en dieciséis retratos vivos en el tiempo: Camille Claudel, María Lejárraga, Zenobia Camprubí, Alma Mahler, Simone de Beauvoir, Laura Riding… Rosa Montero nos hace el favor de abrirnos la puerta a una bibliografía inagotable, una elevación privilegiada desde la que entender el mundo. Lo oculto. A Esos hombres mezquinos y egoístas que está detrás de cada gran mujer. Gracias. Calificación: Espléndido Tipo de lector: Cualquiera Tipo de lectura: Amena Argumentos: Bien elaborado. Fluido Personajes: Impactantes ¿Dónde puede leerse?: En cualquier...

El Primer Hombre

El Primer Hombre es una novela de carácter biográfico que Albert Camus dejó sin finalizar aunque lo suficientemente desarrollada y compuesta para que esta fragmentación no incomode la lectura. Es más, aquellas personas con inquietud por la literatura, sus mecanismos, hallarán aquí un valioso testimonio de cómo se trabaja un texto largo. La historia es hermosa y desgarradora, habla de la crueldad de la miseria, la que sufrió de niño en su Argelia natal, pero también de la inocencia de la niñez. Es una búsqueda de un padre muerto que es el origen, el primer hombre, como también lo fueron los precursores que abandonaron Francia para colonizar una tierra hostil e ingrata. La novela es imprescindible para entender el terrible desastre nacional que supuso la presencia francesa en el norte de África. También inmigrantes españoles dejaron allí su sangre huyendo de la pobreza. La incomunicación con la madre que está presente en toda la obra y el pensamiento del escritor se retrata perfectamente. Como es lógico la novela tiene numerosas notas y acotaciones a pié de página y viene editada con dos cartas y notas sueltas sobre la composición y el desarrollo de la novela. Nada se puede decir de Albert Camus más que escribió obras de teatro y tres novelas que marcan profundamente el pensamiento del siglo XX y que por el conjunto de esta obra recibió en 1957 el premio Nobel de Literatura. Moriría prematuramente dos años después. Calificación: Buena Tipo de lector: Cualquiera Tipo de lectura: Sencilla Argumento: Fácil de seguir. Personajes: Bien dibujados. ¿Dónde puede leerse?: En cualquier...

Salvación del mundo. La era de los grandes robots Feb03

Salvación del mundo. La era de los grandes robots...

Aunque la mayor parte del universo robótico se ha desarrollado y expandido en las series de dibujos animados y el merchandising, el libro -impreso o digital- continúa formando el alma del género. Androides y animales robóticos forman ya parte del paisaje urbano de Japón, los grandes ingenios de la ficción se erigen como estatuas monumentales en las ciudades, transformando la fantasía en realidad. Japón es pionero en el mundo en la fabricación y el consumo de robots. Esta tendencia viene de una antigua tradición de construcción de autómatas –karakuri– pero también de la influencia de las filosofías panteístas en las religiones orientales, para las que dios es un todo que muta y se transforma. El aislamiento, el desarrollo de una sociedad tecnológica, los estrictos códigos de comportamiento y la limitación de la mano de obra en una sociedad envejecida, extienden la empatía de los nipones con las máquinas, cuya repercusión es singular en el manga. Desde nuestra situación en Occidente, algunos aspectos de Astroboy, una de las sagas precursoras, nos resultan durísimos e inconcebibles; es la historia del muchachito Atomu, construido por el doctor Tenma para sustituir a su hijo muerto, y de cómo se enfrenta a los científicos malvados que intentan apoderarse de él; fue creada por el autor Osamu Tezuka -conocido como el dios del manga– en los años 60. La interacción de los hombres con las máquinas, la elaboración de una ética para los seres artificiales y la hipótesis de un aprendizaje según patrones humanos para los androides, se prolongan en una secuela destacada, Pluto, concebido por Takashi Nagasaki con la supervisión del hijo del propio Tezuka. En Pluto los seres artificiales han adquirido derechos y se ciernen como una amenaza sobre los humanos a lo largo de una compleja trama de...

Desgracia

Una novela extraña y perturbadora. Atraída por lo que él considera un acto de libertad, la desgracia cae sobre el profesor David Lurie. Será el inicio de una historia llena de errores, donde por encima de la apariencia de normalidad hay algo en el comportamiento de los personajes que no terminamos de explicarnos, que no es lógico. Porque Coetzee nos habla de un mundo estructurado sobre unos códigos perturbados, sostenido por unas relaciones de sumisión y sometimiento que han cambiado. Desgracia es un retrato certero e inquietante de la sociedad sudafricana, de su pequeña historia, una sociedad violentada que no ha terminado de aplacarse. Es aterrador como el autor es capaz de describir a los personajes y que, solo por su carácter y sus comportamientos el lector pueda identificar si estos son blancos o negros y quedar desconcertado por su manera de actuar. A pesar de esta aparente complejidad la novela tiene una prosa clara y fluida que lo hace fácil de leer. El libro va creciendo en la cabeza después de que se haya finalizado su lectura. J.M.Coetzee nació en la Ciudad del Cabo en 1940 y se educó en Sudáfrica y en los Estados Unidos. Recibió, por esta novela, el premio más importante de la literatura en inglés, el Booker Prize. Era la segunda vez que lo recibía. Fue premio Nobel de Literatura en 2003. Calificación: Muy Bueno Tipo de lector: Cualquier persona con inquietudes por explorar las zonas oscuras del corazón humano. Multiculturalistas. Tipo de lectura: Fácil, pero para meditar. Engancha e inquieta la lectura. Argumento: Fácil de seguir. Personajes: Todos absorbidos por la cercanía mimética del narrador con David Lurie que nos transmite su desesperanza y su desconcierto ¿Dónde puede leerse?: Volando hacia Sudáfrica para...

Ghosts

Un libro sobre fantasmas, con espléndidas fotografías en blanco y negro y cuidados textos. Siân Evans ha recorrido los lugares más misteriosos y evocadores del National Trust, el organismo que vela por el patrimonio histórico y natural de las islas británicas y evoca sus historias: el espíritu de la infortunada Ana Bolena con la cabeza en la mano, el de la duquesa de Lauderlade en su residencia favorita de Ham House en Londres o el fantasma bibliófilo de Felbrigg Hall que acude a leer los libros que no pudo atender cuando estaba vivo. Cementerios, castillos en ruinas, casas encantadas. Historias inexplicables, fenómenos inquietantes relatados por los habitantes y los trabajadores de esos lugares con los que el autor conversó largamente. El libro viene a ser una guía de los lugares hechizados del patrimonio británico, un ensayo serio sobre su poder evocador. Las imágenes son el pretexto para recorrer leyendas y profundizar en el origen de los mitos. Una manera diferente de viajar o de preparar una excursión. Escrito en un inglés bastante asequible y muy bien documentado, Ghosts está editado por The National Trust. Calificación: Interesante Tipo de lector: Caprichosos. Indispensable para góticos y siniestros Tipo de lectura: Fácil para quien tenga un dominio medio de la lengua inglesa. Un table book indispensable para sorprender. ¿Dónde puede leerse?: En un cementerio victoriano por...

Edificio Dakota, la presencia del diablo...

Como cada ocho de diciembre Yoko Ono ha encendido una vela en la ventana del dormitorio de John Lenon en The Dakota, frente a Central Park, para recordar el día de una muerte que conmocionó a América. Sobre el edificio se cierne una leyenda. Rodeado por un aura ocultista confluyen en él acontecimientos maléficos. Su perfil es emblemático y ha sido protagonista de novelas y películas, la última Vanilla Sky, el remake del film de Amenábar Abre los ojos. Cuando se difundió la noticia de los asesinatos la ciudad de Los Ángeles entró en pánico. Las estrellas de Hollywood comenzaron a abandonar el condado aterradas por los detalles que los noticiarios repetían una y otra vez. Cosidas a cuchilladas. Los cuerpos de las dos mujeres habían sido encontrados macabramente atados por el cuello, una de ellas estaba embarazada, a dos semanas justas de dar a luz. Había recibido diecisiete puñaladas, cinco de ellas mortales de necesidad. Días más tarde la enterraban en el cementerio de Holy Cross con su hijo en brazos. Se trataba de Sharon Tate, actriz y modelo publicitaria, nominada a un Globo de Oro en 1967 por El valle de las muñecas. Llevaba apenas un año casada con el director de cine Roman Polanski. En el jardín de su mansión en el 10050 de Cielo Drive yacían otros tres cuerpos sin vida, víctimas de uno de los crímenes más inquietantes de la época contemporánea. La tragedia terminó para siempre con los mitos de los 60´s, la psicodelia, el amor libre y la paz mundial. Comenzó también la leyenda de una maldición demoniaca. Ese presagio se inicia en el Edificio Dakota, un bloque construido en 1884 en la calle 72 West, en Manhattan, frente a Central Park, en un estilo a caballo entre...

Capital

Un acontecimiento extraño, una velada amenaza contra la comunidad, sirven de pretexto al escritor británico John Lanchester para profundizar en la idea de la ciudad como depósito de aluvión de diferentes sensibilidades y culturas. Y Londres es el paradigma de la megápolis aún sin deshumanizar del todo, la gran Capital del mundo. El formato no es novedoso, son pequeñas historias cotidianas con las que el lector se puede identificar o, en su defecto, sentir cercanas. Todas se van a desarrollar en paralelo hasta el final. El nexo de unión entre ellas será una calle residencial, escenario urbano, y sus interiores. El Capital, como motor de nuestro sistema económico, del que la City londinense es también referencia, subyace como un tema profundo, porque de una u otra manera provoca las tensiones, las desencadena y las resuelve –o no- tal cual sucede en el mundo real; y está bien que Lanchester nos impida olvidarlo. Tenemos así una novela amena, entretenida y estilosa, con una multitud de relatos entrelazados que mantendrán el interés del lector hasta el final y en la que destacan, sobre todas las cosas, el orden y la meticulosidad con las que el autor compone esas vidas privadas con detalles, descripciones, con esperanzas y desilusiones hasta que nos acostumbramos a cada una de sus voces. Y es que lo capital, tanto en la novela como en la vida real, son las relaciones humanas, que nos permiten cargar nuestras mochilas para afrontar el camino de la vida y sus senderos que se bifurcan. John Lanchester abandona la ironía salvaje y las añagazas de En deuda con el placer y la memoria de lo lejano de El puerto de los aromas; aparca lo sensorial para lanzarse a una novela extensa, convencional pero más próxima a lo...

Manga Gourmet: El jardín de las delicias Ene13

Manga Gourmet: El jardín de las delicias...

El 40% de todo lo que se publica en Japón es manga, el tebeo japonés convertido en fenómeno de masas. Un acontecimiento cultural que después de saltar con fuerza a los Estados Unidos y a Francia comienza a penetrar en nuestro país. Sus géneros son infinitos y difíciles de catalogar porque los hay policiacos y de vampiros, para jovencitas o adultos, de acción, emoción o transgresión. Intentamos acercarnos a ellos curioseando en algunos de los más originales. Los cómics sobre gastronomía se conocen en Japón como gurume (gourmet) o ryori (cocina), aparecen como parte de un movimiento gourmet que tuvo lugar en las islas en 1980 y que ha dado lugar, entre otras cosas, a que Tokio sea hoy la ciudad del mundo con más restaurantes con tres estrellas en la Guía Michelin –catorce-, y esté considerada como la capital gastronómica del mundo. Estos manga son auténticas novelas ilustradas, tremendamente populares, cuyas tramas tienen que ver –de alguna manera- con el proceso de búsqueda, preparación y presentación de las diferentes variedades gastronómicas, tanto japonesas como foráneas. Suelen estar serializados, contienen grandes dosis de humor y algunos actúan como elaborados recetarios. Parece que con voluntad de quedarse, algunas de estas series comienzan afortunadamente a publicarse en nuestro país. El gourmet solitario, de Jiro Tamiguchi, editado por Astiberri, está protagonizado por un viajante que recorre el país a través de su gastronomía. En español, la novela se convierte en un excelente acercamiento a la comida y a la cultura urbana de Japón. Aunque pierda la cotidianeidad con la que está concebida originalmente, se transforma para nosotros en otra visión de lo exótico. Su protagonista va descubriendo restaurantes y platos caseros que le recuerdan a su infancia, pero también va implicándose en los instantes íntimos de la vida...

La epopeya del pueblo vasco Dic16

La epopeya del pueblo vasco...

Hurtados a la vista del público durante los últimos años debido a su restauración, que se llevó a cabo en el marco de la ampliación del Museo de San Telmo, los lienzos de José María Sert vuelven a asombrar al visitante. Los imponentes retablos están acometidos como una obra global en la que se entrelazan lo narrativo y lo plástico, componiendo una obra de arte monumental. Es uno de los tesoros escondidos de la capital donostiarra. En 1930 el Ayuntamiento de San Sebastián encargó a José María Sert, por recomendación del pintor Ignacio Zuloaga, once lienzos para la iglesia del convento de San Telmo, un edificio renacentista que la corporación municipal había adquirido veinte años antes con la voluntad de convertirlo en un museo. Desde el inicio mismo del proyecto, nace la idea de consagrar las pinturas a Guipúzcoa mediante la representación de los avatares del Pueblo Vasco. La idea se definió con las propuestas del secretario del Palacio del Mar, Sebastián Gómez Izaguirre, que pergeñó unos temas que el catalán aceptó e hizo suyos inmediatamente, desarrollándolos en su grandilocuente estilo habitual, en sepia, sobre carnaciones de oro enmarcadas por cortinajes purpúreos. Los grandes retablos son de una expresividad emotiva y heroica y dejan anonadado al visitante que se adentra a descifrar los temas sobre los que bascula el proyecto iconográfico. El maestro potencia los lienzos con unos recursos muy personales entre los que destaca la extravagancia de las composiciones, cada una de ellas adecuada al tema y al espacio en el que se situarán a la manera de una escenografía. Los personajes están habitualmente en escorzo, subidos miradores y en andamios como los equilibristas que tanto le gustaban, sus posturas se fuerzan al límite demostrando sacrificio y vigor. Las ideas compositivas vienen tomadas de...

Un hombre que duerme

Un hombre que duerme, que reposa, que se aísla del mundo en su diminuta buhardilla y para cuya literatura cualquier mínimo detalle cobra una importancia primordial. Un flâneur que atraviesa los grandes bulevares de incógnito, queriendo disolverse en la ciudad y en la masa. Este es el retrato de la bohemia de finales del siglo XX. La idealización de la escasez, el disfrute de lo poco, la hipersensibilidad de los diminutos placeres. Un hombre que duerme es una novela de meditación y de silencio. Otro de los ejercicios literarios de Georges Perec. Una escritura de lo íntimo, del alejamiento. Cuando la vida se transforma por medio de la literatura, y la soledad buscada se convierte en una obra de arte minuciosamente elaborada. Textos insólitos como este han convertido la breve carrera literaria de Perec –murió con apenas cuarenta y seis años- en objeto de análisis y estudio para los eruditos y de disfrute para los lectores. Porque las grandes historias a veces no hace falta buscarlas fuera, y el mundo de un escritor es rico por su misma naturaleza de artista, como para inspirarse en una mancha, en los cambios de la luz, en las sensaciones que se producen al cerrar los ojos al mundo y abrirlos a una vida interior. La literatura. Parece también una novela de crisis y de transición. Calificación: Muy interesante. Tipo de lector: Cualquiera. Tipo de lectura: Insólita. Argumento: Curioso. Personajes: Egotistas. ¿Dónde puede leerse?: En una buhardilla, en...

TRAGEDIAS (II)

Ifigenia entre los tauros, conocida habitual y erróneamente como Ifigenia en Táuride, destaca entre las composiciones teatrales de Eurípides por cierta libertad en su planteamiento que la convierte casi en una novela de aventuras, con los consecuentes componentes de suspense y de tensión dramática estructurados alrededor de una huida, la de la heroína griega, rescatada por su hermano, Orestes, que llega al país de los tauros en expiación de su culpa dinástica. Los diálogos son contrapunteados y brillantes, el personaje de Ifigenia complejo. Ciertas incongruencias de la trama pierden importancia gracias a una situación bien planteada y resuelta. Y es que quizás Eurípides sea más cercano a lo humano que los otros dos dramaturgos helenos, Sófocles y Esquilo, tan atraídos por lo heroico, por la influencia de lo moral y lo divino, centrados en la tragedia. Tragedia cuya intensidad se diluye en las obras recogidas en este volumen, salvo en Las troyanas que se lamentan por su suerte y su ciudad caída mostrando toda la implacabilidad de los vencidos. Otros vencidos son causa en Las suplicantes, una exaltación de la democracia ateniense. Porque recordamos que Eurípides escribió en tiempos de guerra y el ruido de las armas repercute en sus palabras. Ion está movida por la curiosidad del desenlace y el tema es –quizás- el de las debilidades humanas, en ella se inicia un curioso reproche a los dioses por su volubilidad en el que el dramaturgo incursiona en un interesante descreimiento que culminará con Heracles, donde todo es arbitrario. En Ion, como en Electra, se produce una hábil utilización de los movimientos escénicos, especialmente entradas y salidas de los personajes.  Las troyanas inician su lamento en el momento en el que los dioses abandonan Troya. La obra es una censura de la guerra,...

EL ALMA CONDENADA DE BERNINI Dic09

EL ALMA CONDENADA DE BERNINI...

Una exposición en el Museo del Prado analiza los proyectos del artista en conexión con los encargos de la aristocracia y la monarquía españolas para la ciudad de los Papas. Nunca se había dedicado una muestra en nuestro país al genio italiano. Se puede ver por primera vez en España la escultura Alma condenada que refleja con toda crudeza el espanto de afrontar el infierno para toda la eternidad. Un retrato psicológico de tremenda intensidad, representativo del barroco. Tuve el privilegio de ver el Anima dannata en el Palazzo Monaldeschi de Roma, nuestra legación ante la Santa Sede y la Orden de Malta. El embajador, Eduardo Gutiérrez Sáenz de Buruaga, nos la señaló inesperadamente sobre una consola dorada. Estaba iluminada por un potente foco. Pudimos ver entonces el gesto de un rostro humano en el instante terrible, cuando prende en él la consciencia de su condenación eterna. Era el retrato mismo del horror, emergiendo de la penumbra barroca de la tercera antecámara. El busto es también un autorretrato de su autor, Gian Lorenzo Bernini. Ahora se da una oportunidad excepcional para que cualquiera pueda contemplarla junto con su compañera el Anima beata, que parece transportada al éxtasis al conocer el anuncio del paraíso. Son, sin duda, dos obras maestras de la escultura por la profundidad con la que el escultor supo captar las tensiones emocionales, capturar la violencia de las emociones y de los sentimientos congelada en un instante preciso. Las ánimas son un encargo del cardenal Pedro de Foix, probablemente para su tumba en San Giacomo degli Spagnoli y fueron talladas en mármol en torno a 1619. Son junto al busto del cardenal Scipione Borghese las obras principales -y lo único memorable- de una muestra menor, sin otras piezas destacadas, que a duras penas...

EMPODERAMIENTO DE LA MUJER. YAOI, LA SUBVERSIÓN JAPONESA Dic02

EMPODERAMIENTO DE LA MUJER. YAOI, LA SUBVERSIÓN JAPONESA...

No hay mayor fortuna para un comunicador que la oportunidad de acercar a sus lectores acontecimientos de otras culturas, libros que no han sido traducidos, referencias inéditas. El manga publicado en España es apenas la punta de un iceberg. El género que presentamos es prácticamente desconocido en España, apenas si un editor se ha dedicado a traducir un par de series de estas novelas ilustradas de las que adelantamos las claves. Una minoría de fanáticos las defiende en las redes. Se denomina manga al cómic japonés, que participa de características diferentes a las de sus primos europeos (como Tintín) y americano (superhéroes), viene de la tradición del grabado sobre madera y goza de una gran popularidad. Las versiones españolas de manga son numerosas, aunque no tanto como las destinadas a los mercados anglosajón o francófono. Pero el manga tiene infinitos géneros. El yaoi se caracteriza por desarrollar tramas románticas entre varones y está dirigido exclusivamente a un público femenino que no recibe de él la agresividad que encontraría en una relación heterosexual porque se siente al margen y por lo tanto cómodo en esa convención. El bara podría considerarse un subgénero del hentai -el relato erótico- es sobre chicos y para chicos, explícito e incluso perverso, su público habitual es gay. Pero estos géneros no son estancos, cada vez hay más chicas que leen manga gay a la vez que más homosexuales se inclinan hacia el yaoi. Yaoi es el acrónimo de YamA nashi, Ochi nashi, Imi nashi (sin clímax narrativo, sin decaimiento en la trama, sin sentido en la historia). Nace de los cómics autoeditados o dôjinshi. Los editores se suelen referir a él -en Japón- como boys love “BL” y sus autoras suelen ser chicas jóvenes. Eso es la clave para que resulte...

¿Por qué Grecia?

La profesora de griego antiguo Jacqueline de Romilly, miembro de la Academia francesa, expone en este ensayo de una manera rigurosa, pero amena para el lector común, porqué Grecia es la madre de la civilización occidental. Analiza qué circunstancias excepcionales convergieron en ese siglo V antes de Augusto para que se enunciaran, se pusieran las bases de la filosofía, la política, la medicina y la tragedia; se inventara la historia y se diera la medida del hombre a la escultura y a los mismos dioses. Un momento seminal y maravilloso que De Romilly recorre admirada. Grecia nos ha convertido en lo que somos. Sus bardos codificaron los mitos y formularon unas reglas generales para gestionar las sociedades por las que aún hoy nos guiamos. La autora nos acompaña en este libro por un viaje a través de los textos, con citas breves que analiza y que sirven de ejemplo para cada forma de pensamiento nuevo, revelado, condensado y plasmado en la literatura. Pero sobre todo estudia la vigencia de esa antigüedad contemporánea, busca las circunstancias que la formaron para que el lector –aquí sí nos corresponde a nosotros- decida qué parte de escoria se ha añadido, a lo largo de dos mil quinientos años, a esas ideas livianas y flexibles que forjó un pueblo decisivo. Una nueva mirada interesante sobre una Edad de Oro. Calificación: Muy interesante. Tipo de lector: Cualquiera. Tipo de lectura: Amena aunque profunda. Personajes: Los viejos conocidos de la literatura clásica. ¿Dónde puede leerse?: En...

Tristes trópicos

Claude Lévi-Strauss, destacado antropólogo y pensador, se muestra implacable al inicio de ésta obra, en la que comienza criticando los viajes, ese tiempo inútil que el investigador pierde desplazándose para recopilar sus informaciones; esa moda de viajar para después contarlo, que conoció un apogeo en los años treinta y que desde entonces no ha hecho más que incrementarse y devaluarse. Pero detrás de esa postura, un poco snob sin duda, el escritor no puede evitar que se transparente su atracción por el nomadismo; como tampoco puede negarse a emprender él mismo su propio relato. Esto es contradictorio, pero el resultado es una de las novelas más interesantes que se han publicado sobre el tema. Es una miscelánea: hay reflexiones autobiográficas sobre sus estudios y motivaciones, hay novela de viaje en el sentido clásico, abundante de descripciones. Tenemos un meditado análisis de las sociedades a las que dedicó sus estudios, principalmente los indios de la región amazónica; pero también fragmentos de sus experiencias en Asia y en África. El sabio aprende, después conoce, más tarde aplica todo ello para continuar su aprendizaje en un círculo imparable que fija por escrito para sí mismo, y luego comparte con el lector. Tristes Trópicos es un estudio sociológico divulgativo y comprensivo, pero también denso de pensamiento crítico. Deja en pañales a cualquier otra novela del género porque el del escritor francés es un adentramiento verdadero en las tinieblas primitivas, en un momento histórico en el que eso todavía se podía producir. Y deja testimonio de cosas que ya no están o que ya no son como eran cuando las visitó. Lévi-Strauss es un nombre imprescindible para entender la antropología y el pensamiento del siglo XX. Calificación: Bueno. Tipo de lector: Interesado en viajes y antropología. Tipo de lectura:...

Yves Saint Laurent y la subasta del siglo Nov18

Yves Saint Laurent y la subasta del siglo...

El primero de junio de 2008 moría Yves Saint Laurent, uno de los grandes de la moda. Tras su muerte, el compañero de toda una vida, Pierre Bergé, decidía dispersar una colección de arte que había sido un proyecto común. Quiso hacerlo en el gran estilo, mediante una subasta que se celebró en el Grand Palais de París. Fue la venta del siglo. La convocatoria de todos los records. Más de treinta mil personas hicieron cola durante tres días en los Campos Elíseos para visitar la instalación puesta en escena por Nathalie Crinière; hubo seis mil invitados, y compradores en línea desde los cinco continentes que desembolsaron 342 millones de euros por 733 lotes. Nunca se había pagado tanto en la venta de una colección privada en el mundo. Fue record mundial para una colección privada de arte impresionista y moderno alcanzando los 206 millones de euros; record del mundo para una colección de Artes Decorativas del siglo XX, con 59 millones; y marca única también para los objetos de orfebrería que alcanzaron los 20 millones. La subasta fue una aventura excepcional, para la que se recreó en el gran palacio de cristal de los Campos Eliseos la atmósfera de los apartamentos que tenía la pareja en la rue Babylone y la rue Bonaparte de la capital francesa, donde se acumulaban los objetos como en sendas cámaras de un tesoro. El acontecimiento sacudió el mundo del Arte.  El día previo a la venta el presidente de Francia y la primera dama, acompañados de las altas autoridades del Estado visitaban la exposición, como si de un banquete funerario se tratara, para honrar la memoria de un gran hombre. Porque eso es lo que pretendió Bergé, hacer un póstumo homenaje a un personaje fascinante y torturado...

Paisajes después de la batalla...

La ciudad contemporánea está descompuesta en Paisajes después de la batalla. Fragmentada, confusa, anegada por los aluviones de la inmigración. Está mutando hacia otra cosa diferente. Y Juan Goytisolo intenta imitar todo esto con la estructura de su libro, y reflejarlo con hiriente ironía. La ciudad por antonomasia es París. Él mismo reconoce que es el camino por un paisaje de ruinas ideológicas en el que se deja ver una crítica al capitalismo burgués, pero también el desencanto con el socialismo y sus miserias totalitarias. El escritor se convierte -y convierte a su protagonista- en terrorista urbano con el mismo afán de renovación que ha demostrado en todas sus novelas. Nos parece el diario de una estancia en París donde describe la complejidad de las calles. La ciudad multicultural -o aculturada- y las relaciones entre sus moradores, embarcados en una guerra soterrada. Un retrato iconoclasta por la agresividad con la que cuenta, por su estructura de cuadros inconexos que sin embargo van formando un sentido y construyendo una historia. En el fondo está el conflicto que causa la deseuropeización de las ciudades, el desorden de la vida moderna, el ocaso de las ideologías, pero también la labor del escritor como constructor del lenguaje y pensador del espacio urbano. Como cronista impune. Esa estructura en capítulos cortos convierte estos Paisajes después de la batalla en una novela más asequible para el lector medio que otras obras más ambiciosas de Goytisolo, le permite la reflexión, le pone en el ambiente, le garantiza la comprensibilidad y resulta muy recomendable para acercarse a un autor decisivo para la lengua española. Calificación: Muy interesante. Tipo de lector: Político o intenso. Tipo de lectura: Fragmentada. Argumento: Confuso. Personajes: Peculiares. ¿Dónde puede leerse?: En París, en el barrio del...

EL HOTEL IMPERIAL DE TOKIO, EL GLAMOUR DE LOS AÑOS 20...

La capital de Japón se levanta sobre un proceso de destrucción-construcción muy enraizado en el concepto oriental de los ciclos de la vida y la reencarnación, aún se conserva parte de uno de los edificios más destacados del siglo XX. El arquitecto Frank Lloyd Wright conocido por obras emblemáticas, como la sede del Museo Guggenheim de Nueva York o la Casa de la Cascada en Pensilvania, concibió para la capital imperial una obra maestra. El día primero de septiembre de 1923 el apocalipsis se abatió sobre Tokio. Algunos comentaristas achacarían después el desastre a la impiedad de un estilo de vida extravagante fruto de la invasiva cultura occidental, otros lo verían como una oportunidad única de renovación, pero lo cierto es que la gran capital que hoy conocemos no sería la misma sin las consecuencias de aquel espantoso suceso. A las doce del mediodía un violento terremoto sacudía la llanura de Kanto, duró diez eternos minutos y su potencia se acercó al ocho en la escala de medición de la época. Hubo cincuenta y ocho réplicas. Al mismo tiempo un tremendo tifón golpeaba la bahía de Tokio. La destrucción fue masiva, los emperadores fueron informados de ella en Nikko donde se hallaba instalada la corte: los muertos superaban los ciento sesenta mil, Tokio y Yokohama habían sido prácticamente borradas de la faz de la tierra, los incendios, avivados por vientos huracanados, se extendían por Marunouchi y Akasuma, mientras que las presas que abastecían de agua la ciudad habían colapsado. En un edificio del centro, un tornado de fuego había abrasado instantáneamente a treinta y ocho mil personas que se habían refugiado allí. Minutos más tarde un tsunami arrasaba la costa oriental de la isla de Honsú destruyendo seiscientas mil casas y dejando a casi dos...

HIROSHIMA, LA PAZ DE LOS NIÑOS...

Se cumplen cincuenta y nueve años de la muerte de la niña Sadako Sasaki, víctima de las consecuencias letales de la radiación desencadenada por el infierno atómico sobre Hiroshima. El escenario de la tragedia es un símbolo de paz, de esperanza y de renacimiento. “Soportando lo insoportable y sufriendo lo insufrible, hemos resuelto preparar el terreno para una gran paz, para todas las generaciones que están por llegar”, la alocución del emperador Hiro Hito sentó la base de un sentimiento nacional. Hoy Hiroshima son los niños. Innumerables grupos escolares que ocupan vagones enteros en el tranvía, en los coches de ferrocarril, y que después recorren, de la mañana a la noche el escenario de la hecatombe. Vestidos con sus uniformes de colegio como muñequitos dibujados por un mangaka. Cuando Sadako Sasaki supo de la leucemia que envenenaba su sangre se puso en manos de los dioses tutelares. Aconsejada por su amiguita Chizuko Hamamoto decidió empeñarse en la labor del origami y construir mil grullas de papel, lo que le permitiría volver a caminar siguiendo las creencias de una antigua tradición japonesa. Por ella misma lo hizo, pero también pensando en todas las víctimas de la bomba que luchaban contra las consecuencias de la radiación. No consiguió terminar su tarea. El 25 de octubre de 1955, la niña Sadako Sasaki moría con apenas doce años de edad. Pero sus compañeros de la escuela continuaron su labor y completaron aquellas mil grullas. Ese movimiento solidario se materializó en el Monumento a la Paz de los Niños. Diseñado por los artistas nipones Kazuo Kikuchi y Kiyoshi Ikebe se financió con los fondos recaudados en los centros docentes. Es un triple arco hiperbólico de cemento sobre el que se yergue la escultura esquemática de Sadako levantando su grulla...

EN DEUDA CON EL PLACER...

Algo que parece otra cosa y que se va convirtiendo en una novela poco a poco. Estamos En deuda con el placer. Con recursos que no son nuevos, pero que son utilizados aquí de una manera bastante eficaz: un narrador encubierto, convenientemente construido con detalles autobiográficos, aderezado con un relato de carretera coronado por la gastronomía. Hemos de recordar que John Lanchester fue crítico de restaurantes para el Observer de Londres. Un mezclum en el que los tonos de color de las diferentes hojas se alternan, y se aliñan con acierto. Pero con unas extrañas notas de fondo. En deuda con el placer es también un recetario, y en parte un análisis del gusto, que el autor confiesa influenciado por Brillat-Savarin. Trabado con divagaciones que llevan al narrador, a quien nos confiamos incautamente, de lo personal a lo histórico o lo antropológico, pero terminando siempre en el gusto, un sentido que participa como ningún otro de todos los demás, que son capaces de modificarlo. Engañándonos. Tarquin Winot, el narrador, es posmoderno en su manera de escribir, puntilloso, egocéntrico, capaz de unas asociaciones de ideas inesperadas, nos descubre su novela en marcha y sus mecanismos de ficción un poco a la manera de un cocinero estrella, con muchos aspavientos, mucha cacharrería y algún fogonazo repentino. Y como uno de esos grandes chefs, su mérito último reside en saber mezclar los ingredientes de siempre de una manera distinta a como los esperábamos encontrar. Y eso solo lo sabemos cuándo rematamos el almuerzo. Quizás John Lanchester haya sido un poco sobrevalorado por este libro desconcertante. Calificación: Curioso. Tipo de lector: Aficionados a la gastronomía. Tipo de lectura: Amena, a veces divertida. Argumento: curioso. Personajes: Familiares. ¿Dónde puede leerse?: En un viaje gastronómico por Francia. Uno de los...

MI PADRE Y YO

Joseph Randolph Ackerley fue gran parte de su vida editor de una revista de arte, The Listener, y mantuvo amistad con destacados literatos de su generación: Forster, Auden, Isherwood, Wolf. Memorias como ésta son la parte más importante de su obra. La idea de que el hecho de contar tu historia -o la de las personas de tu familia- es importante, diferente o singular; la sensación de que realmente pueda aportar algo a la Historia de la Humanidad, es el motor de toda novela autobiográfica. Novela porque los hechos son alterados por la parcialidad, las lagunas de la memoria y los resortes de la escritura. En sus momentos más gloriosos este género se sostiene en la elaboración literaria (Proust) o en lo excepcional de la memoria (Chateubriand). Aquí no se da ninguno de esos supuestos, aunque el escritor sí que tiene algo nuevo que aportar: lo interesante de este libro es que J. R. Ackerley era homosexual, y que muchas generaciones después de él han querido escrutar su vida para comparar las frustraciones y los deseos. Y Mi padre y yo adquiere el valor del coraje. La valentía de desnudarse delante de otros, sobre todo cuando no se tienen cosas bonitas que enseñar y los otros te miran sin disimulo. Cuando la sociedad no está preparada para ese striptease. Ackerley orbita alrededor de los espacios en blanco de la vida de su padre para reconstruir su propia personalidad, se introduce a través de grietas en lo convencional, analizando el mutuo desconocimiento. Luego se confiesa. Su prosa tiene un fondo ácido que estremece el humor, y una sencillez buscada y eficiente que en algunos momentos nos conmueve. Calificación: Muy interesante. Tipo de lector: Cualquiera, aficionados a las memorias. Tipo de lectura: Amena. Argumento: Biográfico. Personajes:...

José María Sert, nuestro Miguel Ángel olvidado Oct21

José María Sert, nuestro Miguel Ángel olvidado...

Aladar se propone reivindicar con varios artículos la vida y la obra de uno de los artistas españoles más importantes del siglo XX que es, sin embargo, uno de los menos reconocidos. Su legado es extraordinario en todos los sentidos. Distintas razones ocultan tanto su personalidad como los importantes servicios que prestó a la cultura y a la sociedad española, pero sobre todo han dejado caer en el olvido una obra genial. Un tren atraviesa la campiña francesa a toda máquina en la oscuridad de la noche del 5 de septiembre de 1939, viaja con las luces apagadas para evitar los bombardeos alemanes en un momento muy difícil, hace tres días que los aliados han declarado la guerra al Tercer Reich y Francia moviliza a sus reservistas. Pero el pintor José María Sert, afincado en París desde hace años, ha hecho gestiones al máximo nivel para conseguir que se le dé prioridad a este convoy ante los trenes cargados de pertrechos militares que discurren hacia la frontera con Alemania. Todas las barreras de Francia permanecen levantadas. En esos vagones viajan las obras del Museo del Prado de regreso a España. El mundo contiene la respiración. Sert consiguió in extremis poner a resguardo un legado único. Llevaba años trabajando en ello, gracias a sus excelentes oficios consiguió la movilización internacional para poner a salvo la primera pinacoteca del mundo, que el Gobierno de la República había mantenido junto a sí en la desesperación de una huida incierta, primero a Valencia, después al Castillo de Figueras; porque bien lo había dicho Manuel Azaña “El Museo del Prado es más importante que la República y la Monarquía juntas”. Gracias, entre otros, a José María Sert los fondos del Prado se salvaron de los desastres de la guerra....