Esculturas desde el futuro presente Sep26

Esculturas desde el futuro presente...

Patricia Piccini (Sierra Leona, 1965), uno de los máximos referentes en el hiperrealismo escultórico, nos visitará el próximo Noviembre en LABoral Centro De Arte, una ocasión excepcional para acercarnos a su sorprendente trabajo en nuestro especial de ciencia ficción. En Alien, Ridley Scott y  H.C. Giger crearon el monstruo definitivo, una sofisticada línea de intersección entre lo humano y lo animal, no solo en una morfología a la vez bípeda y en extremo desagradable, sino en un comportamiento inteligente a la vez que agresivamente instintivo. Aquel extraterrestre presentaba a la perfección lo siniestro como algo familiar y perturbador, en este caso con terroríficos resultados. Gran parte de la ciencia ficción, anterior o posterior al film de Scott, se ha situado en la misma línea, presentando criaturas alienígenas o futuristas como amenazas para el ser humano, terribles representaciones de un futuro amenazante. El trabajo de la artista multidisciplinar Patricia Piccini la sitúa justo en el lado opuesto y nos plantea una convivencia con extraños seres, que pareciesen el resultado de una avanzada manipulación genética, del todo cercana, amigable y colaborativa. La ciencia ficción de los últimos años ha reconducido la vanguardia tecnológico-mecánica hacia procesos que introducen las transformaciones bajo nuestra propia piel, trasladando las modificaciones desde los objetos hacia los sujetos. Obviamente los avances en investigación genética y biomedicina tienen un peso fundamental en esta nueva interpretación de nuestra perspectiva futura, pero esta viene acompañada de la despierta e inagotable necesidad por explorar los límites de la naturaleza. Patricia Piccini nos muestra en su trabajo extrañas criaturas objeto de mutaciones o desviaciones provocadas, que se instalan en un inquietante punto entre la normalidad y la deformidad con la irresistible atracción de un logrado hiperrealismo. Sus dibujos, videos y, sobretodo, esculturas, muestran cuerpos que parecen reales...

Estrategias de la desobediencia Jul27

Estrategias de la desobediencia...

El CAAC acoge hasta el 11 de Octubre la exposición Risas en la oscuridad de la artista sevillana María Cañas, inscrita dentro de la sesión expositiva Mal de archivo. Vídeo, collage y objetos se alternan en una muestra donde la apropiación y reasignación de significados intenta reflejar, criticar y subvertir, nuestra realidad social y tecnológica de forma irreverente, violenta y, en definitiva, transgresora. María Cañas (1972, Sevilla) posee ya un recorrido a sus espaldas como artista del desorden, en combate perpetuo contra el pensamiento dominante y sus formas de difusión. Cañas es una agitadora que nos muestra la realidad que conocemos, o al menos intuimos, desde una perspectiva repleta de ironía y feroz crítica, cuya estética bascula entre la compleja sensualidad de la imaginería barroca y una sencillez de origen dadaísta filtrada por el Doityourself más punk. La amplia muestra que ofrece el CAAC reúne un grupo de 13 piezas audiovisuales y 163 collages, con los que la artista pretende extrapolar las idiosincrasias y esquizofrenias locales de su Sevilla natal a un imaginario global cada vez más fugaz, que se reproduce caóticamente desde la virilidad de ese lugar donde la realidad se ficcionaliza y las ficciones acaban deviniendo reales, y que llamamos internet. La exposición recoge  gran parte de la producción videográfica más reciente de la artista y obras que vemos por vez primera (Risas en la oscuridad, La mano que trina, Al compás de la marabunta y Al toro bravo échale vacas). Todas ellas hacen de la apropiación y el foundfootage su razón de ser, planteando un honesto ejercicio de reciclaje muy pertinente en nuestro tiempo, ya inundado de imaginarios que nacen del caos visual y se multiplican incontrolablemente. Y sin embargo el ejercicio de apropiación en Cañas nunca es puro, sino que...

Oysia: des-ocultar el cuerpo Mar24

Oysia: des-ocultar el cuerpo...

El Espacio GB (Facultad de Bellas Artes, Sevilla) inauguró el pasado jueves la primera muestra individual de la artista Mar Gascó (Tenerife, 1988), Oysia, un proyecto que nace del interés por explorar el cuerpo propio y los propios sucesos, pero que termina involucrado en la mirada, distante y analítica, que la ciencia arroja sobre el mismo. La exposición podrá visitarse hasta el 17 de Abril. En las dos últimas décadas el arte se ha abierto, definitivamente, a todo el presente que lo rodea, absorbiendo cualquier transformación en las dinámicas sociales y existenciales así como los continuos cambios tecnológicos; persiguiendo, incluso, formas de intuir el futuro de forma similar a como lo hace la ciencia, con la que tiene una cada vez mas estrecha relación. La obra de Mar Gascó, como la de otros artistas coetáneos, se nutre de procesos científicos y plásticos en la misma medida, forjando desde esta hibridación un discurso sobre la propia identidad y el cuerpo como su más palpable manifestación. Un cuerpo cuestionado y repleto de yoes, mutable y nunca definido, aunque indisolublemente unido a la experiencia vital y sumergido en sus propios mecanismos biológicos, a menudo desconocidos y desconcertantes. La obsesión por lo corporal en Gascó nace de su propia biografía, marcada tanto por el trauma físico y psicológico, como por un ciclo vital entre pasillos de hospital y operaciones de cirugía estética. Nace del contacto directo con el bisturí y los laboratorios, de la percepción sobre su cuerpo como algo extraño y modificable. Una forma de observarse que recrea el acontecimiento íntimo y personal, pero bañado por la fría luz que encontramos entre las blancas paredes de una consulta médica. De la misma forma, sus complicados procesos artísticos, que a menudo necesitan de infraestructura científica, parten de una...

Violencia del objeto y residuos de una combustión social...

Reciente ganador de la beca Sevilla es talento, que otorga el Ayuntamiento de Sevilla en colaboración con la Fundación Valentín de Madariaga, Manuel Casellas presenta su primera exposición individual en Sevilla en la galería Weber-Lutgen. Una ocasión excepcional para acercarse al trabajo de uno de los creadores andaluces más interesantes y sorprendentes. Manuel Casellas es un tipo muy «sevillano» en la mejor acepción del «adjetivo», desprendido de cualquiera de los tópicos que a menudo nos identifican en esta ciudad (excepto de un beticismo que comparte quien suscribe), pero con la cercanía, desparpajo y accesibilidad que también nos define. No es la primera vez que hablamos de arte en torno a un café, pero aun así resulta extraño tratar de entrevistarlo. Son muchas las cosas en Casellas que se apartan del estereotipo, desde su trabajo, desconcertante en el panorama escultórico sevillano, hasta su primer acercamiento al arte y la educación artística, tardía según cánones, aunque quizás por ello madura desde el comienzo. «Podría acudir al tópico de que mi padre dibujaba mucho, es lo cierto, pero no creo que aquel fuera el origen de nada. Pasé por estudios de todo tipo y siempre me atrajo el dibujo técnico, por el orden, cuidado y limpieza que requiere. Acabé en la facultad de bellas artes de Sevilla, pensando en hacer diseño, pero allí contacte por primera vez con la escultura. Tenía 25 años y las ideas muy claras. Mi acercamiento al arte se produce a través de la materia y mi interés por las formas, siempre he tenido facilidad por el diseño  y quería investigar  desarrollándolo en el espacio, por ello me acerqué muy pronto a la obra de Oteiza y Chillida». Hemos bromeado alguna vez con que su obra no parece provenir de una ciudad en...

Miriam Sobrino. Hacia el trending topic y mas allá...

Uranio enriquecido es la última serie fotográfica de Miriam Sobrino (Ciudad Real, 1991) que pudimos ver en la primera edición de Jaalphoto. La joven artista sitúa su cámara, en estética e intención, frente a estereotipos visuales de nuestro tiempo, para transcenderlos a través de una mirada pretendidamente superficial, pero que desemboca en un misterioso y kitsch surrealismo. Las imágenes, esas parcialidades que venían dando bocados a la realidad y han acabado devorándola, se encuentran hoy en la potestad de erigirse dueñas del mundo y nuestras propias vidas. Su obsesionante omnipresencia ya no responde solo al simple acto de abrir los ojos, sino que pertenece al campo de nuestra decisión, la de solo querer ver, citando a Joan Fontcuberta, las imágenes que ya habíamos visto. Una de las consecuencias de esta nueva situación excepcional; que arrancó con el advenimiento de la fotografía y ha encontrado esplendor auspiciada por los medios digitales y su facilidad en la construcción, distribución y visualización de las imágenes; es que aquello que anteriormente era privilegio de de unos pocos hoy es algo tan cotidiano, e incluso vital, como respirar. El mundo se ha vuelto imágen, las vidas se han vuelto imágen y todo parece estar envuelto en el papel de la representación; siendo, a través de ella, como deseamos acceder al mundo. Internet es el paraíso de este nuevo imaginario, un medio en el que la pausa horizontal del texto cede protagonismo a una barra de scroll siempre en movimiento, en el que las imágenes llegan y desaparecen tan deprisa como vuelven a aparecer, diferentes y casi idénticas, paradigmas de una globalización en la que todos hemos resultado ser el verdadero Gran Hermano, vigilantes y deseosos de ser vigilados. Las imágenes nacen por y para la red, tanto en sus...

Batman imprescindible Nov27

Batman imprescindible...

Muchas son las historias memorables de Batman, desde sus cautivadoras andanzas originales que fundían el espectáculo superheroico con historias de gánsteres propias del cine negro, hasta los complejos desarrollos argumentales de El Largo Halloween o Tierra de nadie. Aquí señalamos cinco que resultan imprescindibles para acercarse al hombre murciélago. 5. Asilo Arkham. Grant Morrison y Dave McKean. De acuerdo,  Grant Morrison no estuvo fino del todo en la construcción de esta historia, en la que el cómo gana interés sobre el qué, pero, su mera premisa que encerraba al hombre murciélago entre los muros de Arkham para enfrentarlo a sus más desquiciados enemigos y  exponer una fragilidad que nunca antes habíamos visto, resultaba impactante. Morrison decidió alejarse de la impronta realista que Frank Miller había traído a las aventuras del Batman y recreo Arkham como una surrealista pesadilla plagada de símbolos, en la que la psique de Bruce Wayne era golpeada hasta convertirlo de nuevo en el pobre chiquillo asustado del que surgió el héroe oscuro. Este retroceso, hasta el punto cero de Batman, es encumbrado por la brillantez grafica de McKean, de un terrorífico expresionismo, hasta cotas de obra maestra. 4. Amor loco. Bruce Timm y Paul Dini. Cierto, estamos ante una historia protagonizada por el Joker y su novia, Harley Queen, que relataba el origen de esta particular y peligrosa villana. Pero, aun así, Amor Loco, surgida como adaptación de la serie de animación de los años noventa (posiblemente la mejor traslación a TV de cualquier superhéroe), y realizada por los mismos creadores, era tan divertida y enajenada que no puede faltar en ninguna lista sobre las historias del hombre murciélago, aunque la aparición de este sea secundaria. Bruce Timm y Paul Dini rozaron el cielo al construir el particular carácter de...

Batman 75 aniversario. La oscuridad que persiste Nov27

Batman 75 aniversario. La oscuridad que persiste...

Una consistente perdurabilidad, anclada en los mimbres que lo sostienen como arquetipo de héroe oscuro, y la labor de guionistas y dibujantes que han sabido recuperar su particular espíritu en más de una ocasión, hacen de Batman un personaje perenne, que con setenta y cinco años recién cumplidos puede presumir de ocupar un importante lugar en la cultura popular. Su vigencia, dentro y fuera del cómic, es hoy más palpable que nunca. Tras setenta y cinco años  de presencia ininterrumpida en cómic, televisión o cine, podríamos decir que Batman se ha ganado un puesto superlativo entre los personajes de ficción surgidos en el siglo XX. Creado en 1939 para DC Comics por Bob Kane y Bill Finger ante la exigencia editorial por repetir el éxito de Superman, el recién llegado supo marcar de inmediato las diferencias y mientras el kryptoniano coreografiaba en el cielo las bondades del ser humano, el hombre murciélago representará la  oscuridad y el miedo como motor subterráneo de nuestros impulsos. Batman será la sombra del superhéroe, un ser normal que se pretende diferente, un sueño derechista de control sobre la sociedad y a su vez agente liberador de un inconsciente calladamente agresivo. La más lógica razón conviviendo con fantasías recubiertas de látex negro en una perfecta armonía. El recorrido de Batman en este devenir como héroe oscuro no estuvo exento de dificultad, sobre todo editorial. El carácter violento y el  ambiente noir de sus primeras historias  sería suavizado a medida que su popularidad ascendía, primero con la creación de Róbin, fiel compañero y punto de identificación para los mas jóvenes, y más tarde con la aparición en pleno Macarthismo del Cómic Code, destinado a regular y censurar los contenidos que publicaban todas las editoriales norteamericanas. Para Batman esto significó la...

Cristina de Miguel: El poder de la pintura Nov11

Cristina de Miguel: El poder de la pintura...

© Fotografía de Naroa Lizar Lejos de su tierra natal y bajo el inspirador aliento de la ciudad de New York, la artista Cristina de Miguel viene construyendo desde la lejanía uno de los discursos mas interesantes de la pintura andaluza emergente. Clausurada recientemente su última exposición individual en Freight + Volume y en vísperas de una nueva presentación en New Jersey, la artista nos habla de su pasión por el ejercicio pictórico. Me dijo un amigo hace tiempo que Sevilla era una ciudad perfecta para hacerse pintor pero no para trabajar de ello. Una sentencia bastante cierta a tenor de las generaciones de artistas que vemos nacer en esta soleada ciudad que terminan emigrando a tierras mas fértiles. Luis Gordillo, Miki Leal o Rubén Guerrero son ejemplos de un fenómeno que se hace cada vez mas evidente, sobre todo si fijamos nuestra atención en artistas mas jóvenes que realizan prematuramente el mismo periplo. Este es el caso de Cristina de Miguel (Sevilla, 1987) no muy habitual en los circuitos artísticos sevillanos porque desde 2011 reside y trabaja en New York. Puede haber sido cosa del destino (o de pertinente perspicacia), porque la pintura de Cristina, sencilla y directa, difícilmente hubiese encajado en su ciudad natal, tan proclive al ornamento. Al menos no con la naturalidad que parece hacerlo en aquella gran urbe habituada tanto a las grandes gestas expresionistas como al minimalismo. En todo caso hemos querido saber más de su experiencia fuera de España, asunto muy común hoy en día para todo tipo de profesionales, y conocer de primera mano su amor y respeto por esa espontanea inmediatez de la pintura que todo lo permite. «Pienso que la pintura está más viva que nunca y que hay gente joven haciendo unas cosas...

Europa: Ese juguete llamado cine Oct07

Europa: Ese juguete llamado cine...

Film inclasificable y pretencioso, Europa cerraba la primera etapa creativa de Lars Von Trier, en la que queda reflejado ya su gusto por la experimentación visual. Con ella el director danés llevó al máximo sus inquietudes plásticas actuando como ilusionista para configurar un film conflictivo, en el que la tensión de una historia que se mueve entre los clichés y la locura se diluye en una sorprendente imaginería visual, para triunfar finalmente como juego de magia, truco que nos habla del propio cine y sus cualidades hipnóticas. Cuando vi Europa por primera vez, siendo aun adolescente y lejos de saber quién era ese tal Lars Von Trier (aunque ya me sintiera atraído por su nombre que rememoraba a grandes directores del pasado), la proyección me abdujo de inmediato, desde el mismo momento en que una voz en off nos habla mientras solo vemos los raíles de una vía de tren desaparecer uno tras otro, llevándonos consigo. Quedé realmente impresionado ante la propuesta visual que ofrecía aquella película, arriesgada y  artificiosa, tanto que, tras terminar, apenas recordaba qué había pasado, solo algunas escenas se aferraban a mi memoria. Esta característica tan poco habitual, que el aspecto visual de un film se imponga sobre su narración, era quizás la cualidad más importante y discutible del primer Von Trier, un director  empeñado en dejar su marca sobre el celuloide. Ya en su primer trabajo, El Elemento del crimen, el abuso de sobreimpresiones, la cámara lenta  y un gusto por una iluminación barroca y expresionista se imponían, convirtiéndola en una experiencia tan oscura como lisérgica. Von Trier demostraba tener una predilección por los lejanos tiempos del cine mudo y las vanguardias de principios del siglo XX, aunque con una mirada más renovadora que evocadora. Su estilo era eminentemente...

Lars Von Trier. El exceso como norma Sep30

Lars Von Trier. El exceso como norma...

Dictador y genio, revolucionario y pesimista, crítico y autocomplaciente… Son muchos los adjetivos que sirven para referirnos a Lars Von Trier, una de los nombres mas personales y polémicos del cine contemporáneo, empeñado en mostrarnos el camino del sufrimiento  y tan propenso a meterse en problemas como eficaz en esquivar etiquetas. Su obra, siempre sorprendente, nos ha proporcionado alguno de los picos mas altos de la cinematografía reciente. A pesar de que los años cumplidos lo alejen de la condición de enfant, Lars Von Trier es, quizás, el director de cine que mas merece la distinción de terrible por su continua necesidad de trasgredir fórmulas cinematográficas y tabúes sociales. Su trabajo es continuación genealógica de la mejor escuela nórdica, con Murnau, Dreyer y Bergman como figuras ejemplares, aunque  el director danés haya sabido mantener una marcada e irreverente autoría artística, de  evolución tan abrupta como coherente y reflejo de una personalidad egocéntrica y brillante a partes iguales, polémica muy a sabiendas, e impertinentemente sincera hasta el extremo de generar odios y fobias. Hablar de Trier es hablar de provocación en cada uno de sus trabajos, que llegan a bascular entre lo impostado y lo impúdico, siendo capaz de perpetrar una boutade de pretensiones experimentales como  El jefe de todo esto  o suicidios artísticos como la apabullante Anticristo. Pero el cineasta danés es sinónimo, sobretodo, de exceso; de exceso visual en su primera época, cuando recién graduado llamo la atención con El elemento del crimen y Epidemic, cintas de un barroquismo formal artificioso que lo sitúan ya como francotirador del acartonamiento académico, frescos experimentales sobre los que edificar su tercer film y su primer gran triunfo, Europa, poseedor de una imaginería visual desbordante que recorre la historia del cine y epítome de un joven Trier...

La belleza de la extinción Sep30

La belleza de la extinción...

Melancolía de Lars Von Trier es recordada por la rueda de prensa de su presentación en Cannes y las declaraciones del director sobre el nazismo, que lo apartaron del Festival como persona no grata. Pero huyendo de la polémica encontramos en su metraje la más firme puesta en escena de su nihilismo filosófico y un compendio de hermosas imágenes que recrean un doloroso estado de ánimo tan tensamente suspendido en el tiempo como la armonía wagneriana que las acompaña. La seriedad que caracteriza el cine de Lars Von Trier surge a menudo de sus propias crisis depresivas, extrapoladas en una profunda y a la vez accesible reflexión sobre la vida y esa parte de la misma que conformamos los seres humanos. Melancolía es la cinta del autor que mas claramente muestra dicha traslación a través de una amenaza exterior que pretende consumir el mundo, y que tiene tanto de íntima orquestación de ciencia ficción catastrofista como de intensa proyección psíquica (similar por ejemplo a la que Hitchcock creó con sus pájaros asesinos en The Birds) de una necesidad de castigo y autodestrucción del ego. En uno y otro caso, lo que el director danés nos ofrece es un nuevo capítulo de su concepción nihilista de la existencia, sujeta a una falta de sentido en la que el ser humano constituye una forma de vida que solo consigue actuar en la anodina displicencia o en el sufrimiento, y que, como indica fríamente la protagonista de la cinta, nadie echará de menos cuando desaparezca. El mayor logro de Trier en esta deslumbrante y pesimista película es recrear todo un estado de ánimo en el que aflicción y belleza visual se retroalimentan para retratar la desolación interior y la salvación balsámica de la muerte, atravesando un cúmulo...

Blues en lo profundo de la marisma Sep30

Blues en lo profundo de la marisma...

El próximo sábado cuatro de Abril llega una nueva edición del festival Tomate Blues, encuentro heterogéneo y de sabor genuinamente popular, que convoca en el Parque de los Hermanamientos de la sevillana localidad Los Palacios y Villafranca, a amantes del blues (y también a amantes de la mas sencilla y pura diversión) de muchos lugares. Con la actuación de grandes músicos como La blues band de Granada o Lolo Ortega, que se encargarán de recrear en plena marisma sevillana un pequeño delta al sur de los Estados Unidos. Cada otoño, con la llegada de las primeras tardes agradables, noches de brisa fresca y el rugir de la vida que se reincorpora a la cotidianidad tras las vacaciones, Los Palacios y Villafranca, localidad del bajo Guadalquivir, ofrece una fulgurante despedida al verano y calma su pasión, volcada en la guitarra y el cante flamencos, en favor del sonido de otro sur igual de sudoroso, adoptando como propio el canto de la Norteamérica mas profunda. El Tomate Blues, festival dedicado a la música nacida a orillas del Mississipi (junto a otras afines) y evento cada vez mas  multitudinario, llega a su cuarta edición el próximo sábado 5 de octubre, convocando por igual  a fieles y profanos de esa música del lamento y la emoción, que tan bien conoce la racial marginalidad de la que surge lo jondo, para dejar claro en la práctica algo que ya intuíamos en la teoría, que en el sur, da lo mismo si es el peninsular o el de los Estados Unidos; el gentío, la fiesta y la música se viven de forma única Quizás el sol bajo reflejado en la marisma, la humedad de estas tierras, se parezcan mas de lo que pensamos a los calurosos páramos en los que...

La mirada y el fantasma Sep09

La mirada y el fantasma...

Si el cine es esa búsqueda de la mirada universal del ser humano, Vértigo es el producto que se acerca a ese objetivo de forma más clara, contundente y apasionada. Muertos, miedo, tensión o sexo, son algunos de los elementos con los que se construye una fórmula que tiene como resultado una obra maestra del cine de todos los tiempos. Un film que no da tregua al espectador inquieto y que pervive en nuestra memoria para siempre. Con Vértigo, Hitchcock trascendió definitivamente el cine clásico, consiguiendo camuflar el drama psicosexual del personaje protagonista (Scottie/James Stewart) en una historia de suspense con tintes sobrenaturales perfectamente orquestada, acorde por supuesto a su gusto por el misterio y desarrollada de forma brillante e inusitadamente personal dentro del sistema de estudios Hollywoodiense. A lo largo del film somos testigos de cómo la historia de Scottie, quien se ve envuelto en el enigmático caso de posesión fantasmal de una hermosa joven (Madeleine/Kim Novak) a quien sigue por las calles de San Francisco y de la que termina profundamente enamorado, se retuerce a través de insospechados giros de guión, con la muerte de Madeleine a mitad del metraje como primera prueba de fuego para protagonista y espectador, para terminar indagando en la perturbada mente de Scottie, quien intenta reconstruir en una mujer desconocida (Judy/Kim Novak) a su amada fallecida. Nos encontramos, finalmente, con una película sobre apariencia y realidad, la más inquietante y alucinada versión de la caverna platónica. Vértigo contiene muchas películas que confluyen milagrosamente en una sola bajo quiebros inesperados y una puesta en escena de embaucadora artificialidad. Su juego especular, atento siempre al propio espectador, se mezcla en el final del film con la propia obsesión de Scottie por resucitar a Madeleine a través de su imagen....

El paisaje alucinado Jul22

El paisaje alucinado

La pintura de Kim Dorland, de mensaje directo y sugerente, posee una alquimia plástica que nos reconcilia con la pintura paisajista. Construida desde la impresión inmediata, pero a través de una interpretación excesiva, su obra transporta al espectador hacia mundos familiares aunque cargados de misterio que ofrecen una visión salvaje y seductoramente romántica de los bosques canadienses. El impulso de la pintura, esa disciplina que tanto nos ha hipnotizado durante siglos, se ha visto revertido en drástica proporción desde el advenimiento de las nuevas tecnologías como forma lógica y consecuente de explicar el mundo y a las nuevas formas de vida que surgen en nuestro, aun incierto, siglo XXI. A la pintura le cuesta encontrar resquicios donde aún mostrarse importante y capaz, donde ir mas allá de una nostálgica recreación del pasado mitificado o del recurrente análisis de los propios elementos pictóricos que se repite cíclicamente desde los ya lejanos tiempos de la pintura-pintura. Uno de esos oasis en los que el medio pictórico aún encuentra su fortaleza es en el contacto directo con la naturaleza, una tradición que no entiende de modas al estar inscrita en lo perenne, lo (aún) no modificado, el espacio salvaje que nos define incluso en la distancia, aún en el contraste, a pesar del empeño destructor de nuestra civilización tecnológica, como seres que habitan un mundo que nos preexistía. Kim Dorland (1974, Alberta) encuentra en la pintura una vía directa, tan mágica como en sus prehistóricos orígenes, de relacionarse con los bosques autóctonos de su, aún en gran medida, salvaje país. Una visión que no se concreta solo en sus intensos paisajes sino que condiciona incluso un acercamiento a los núcleos urbanos o sus inquietantes retratos, desfigurados en una intensa orgia matérica que une al retratado a la...

Música no apta para depresivos Jul15

Música no apta para depresivos...

Diez colecciones de canciones destinadas a hacernos palpar el lado mas triste de la vida. Diez propuestas artísticas que alcanzan el éxito a través de infligir heridas. Desde la queja melancólica al aullido existencial, desde el ocaso romántico al delirio nervioso… ¿Es posible llegar a vender miles, cientos de miles de discos, cantando sobre el trauma, la depresión o  el amor a la muerte? En nuestra sociedad, adicta a sentirlo todo protegidos por el airbag de la experiencia ajena, por supuesto que sí. Elegantes ejercicios de estilo, pop sencillo para multitudes, grunge corrosivo, atmosférico post-punk, producciones exquisitas, grabaciones secas y directas, cartas desesperadas de amor o autistas sentimientos de exclusión. Múltiples formas para recubrir los sinsabores de la vida que llegan a hacernos pensar si fue una buena idea pulsar play. ¿Por qué una lista sobre la tristeza? Quizás la respuesta mas sencilla sea porque existe esa posibilidad, brindada por un extenso grupo de músicos que han cantado al dolor y al sufrimiento. La única premisa inicial, que hace homogenea esta selección, fue intentar siempre que el contenido hiriente se manifestase tanto en el sonido como en el mensaje de las letras, dejando fuera odas a la tristeza tan intensas como Meat is murder de The Smiths, This is hardcore de Pulp, o Pink moon de Nick Drake, entre otras muchas obras cuyos ambientes musicales no resultan tan opresivos. ¿Por qué limitar la lista a grupos de éxito? Por un lado para ayudar a quien suscribe a seleccionar tan solo diez propuestas entre las posibilidades que añadiríamos si también investigáramos en el underground musical, tan proclive al lamento existencial y al retrato de la podredumbre social. Por otro porque resulta especialmente atractivo que determinados artistas consigan alcanzar el éxito enfrentando al público con la...

Nada es verdad. Todo está permitido...

Nada es verdad, todo está permitido son, según parece, las últimas palabras que pronunció Hassan i Sabbah (precursor del terrorismo islámico y posiblemente el primer distribuidor de hachís como sustancia estupefaciente), de cuyo nombre se deriva la palabra Hassishem, consumidores de hachís pero también asesinos, una doble lectura que fue muy bien aprovechada en el célebre verso de Rimbaud, Voici le temps des Assassins. Nada es verdad, todo está permitido es también el titulo de un extenso volumen publicado recientemente por Alpha Decay en su siempre interesante catálogo, y en el que Servando Rocha realiza un recorrido por la otra historia del arte y la cultura, la menos oficiosa y más maldita, a partir del encuentro entre un octogenario William S. Burroughs, profundo admirador de Sabbah, y Kurt Cobain, veintañero rockero y profundo admirador de Burroughs, iconos de distintas épocas que compartían un espíritu inquieto y profundamente antisistema, cierta animadversión por el género humano y una prolongada etapa de autodestrucción, que si bien el escritor logró trascender hasta los 84 años, acabaría prematuramente con la vida del cantante cuando se suicidó, meses después de conocer a su ídolo literario El episodio en cuestión  le basta al autor para establecer una genealogía de la contracultura, rastreando las pocas fotos que se conservan de aquel encuentro y analizando los mas nimios detalles de las mismas para encontrar vínculos entre dos creadores tan generacionalmente alejados como espiritualmente afines, detalles que a priori pueden pasar desapercibidos, pero que una vez leídos resultan inusitadamente convincentes. Rocha se sirve incluso de los mas anecdóticos elementos, como el disco de Leadbelly que Cobain regaló a Burroughs (que alarga la sombra de su respectivo malditismo hasta la locura alcoholizada del legendario músico blues), para realizar un recorrido por la América mas salvaje...

2001 odisea en el espacio. Trascender la ciencia ficción Jun18

2001 odisea en el espacio. Trascender la ciencia ficción...

Kubrick siempre fue un alquimista capaz de encontrar la forma en que sus ideas fuesen explotadas comercialmente, la identificación del público con géneros cinematográficos populares, como el bélico en Senderos de gloria y La chaqueta metálica o el terror en El resplandor, la polémica bien servida en Lolita o La naranja mecánica, la elección de la pareja de moda con el tándem Cruise-Kidman en Eyes Wide Shut, y en 2001, el reclamo de gran superproducción visionaria de ciencia ficción que, de hecho, supuso un avance tecnológico sin parangón hasta esa época y una visión futurista  sorprendente en su predicción tecnológica, aunque encantadoramente sixtie en el diseño de decorado  y vestuario. De una u otra forma el director norteamericano se las ingenió para que sus productos llenaran las salas de cine, y uno no puede sino imaginar la reacción de un público estandarizado, en busca de un producto estandarizado, al toparse con sus personalísimas propuestas. Lo curioso es que La historia de 2001 no es en realidad nada complicada, atendiendo a las licencias que la sci fi puede tomarse, y, sobretodo, si acudimos a la novela de Arthur C. Clarke para desentrañar un discurso narrativo, tratándose esta de una comparación tremendamente fecunda que, lejos de incidir en la recurrente afirmación sobre lo inadaptable en imágenes que resultan determinadas novelas, nos ayuda a entender como dicha traslación siempre debe producirse en el aprovechamiento de las capacidades que el nuevo medio puede arrojar sobre la literatura. La protesta de aquel espectador no era infundada, las continuas elipsis y la delicadeza con la que Kubrick rodó su más enorme film lo alejaron de la claridad argumental que sí poseía la novela, convirtiéndola en una experiencia tremendamente visual y sin apenas diálogos, dotando a la visión racionalista, y a...

Eyes wide shut. Secretos (y fantasías) de un matrimonio Jun10

Eyes wide shut. Secretos (y fantasías) de un matrimonio...

La adaptación cinematográfica del relato de Arthur Schnitzler Relato Soñado, fue el último trabajo del realizador Stanley Kubrick. Eyes wide shut es, sin duda, su película más controvertida y una de las que peor ha sido entendida y recibida por el público. El viaje de ida y vuelta que propone el guión nos lleva de una relación matrimonial estable al desconcierto que provoca conocer un poco más de la pareja, de lo ideal a una realidad se llena de defectos. Una fascinante película que se construye como elegante ejercicio cinematográfico. Alejándose de su habitual indagación en los géneros mas característicos del medio cinematográfico y con su brillantez técnica habitual, Stanley Kubrick adaptó con Eyes Wide Shut el freudiano Relato soñado de Arthur Schnitzler, trasladando la acción a un Nueva York de fin de siglo recreado fielmente en estudio para narrar el trayecto a los infiernos y  posterior redención de su protagonista, Bill (Tom Cruise), a partir de un sencillo acontecimiento; la confesión por parte de su esposa, Alice (Nicole Kidman), de una fantasía con otro hombre, narrada intensamente  en un monólogo que pulveriza con cada  frase el contraplano espectral de su marido. La fantasía como soporte  de la sexualidad y el sentimiento de castración derivado de ella serán el motor de una onírica ronda nocturna, tan fascinante visualmente como perturbadora en sus inconexos acontecimientos, con la que Bill intentará resarcirse de la catártica confesión buscando un encuentro carnal ilícito que lo lleva a adentrarse, casi infantilmente, en el sórdido paisaje de la ciudad y de su subconsciente. Bill se encontrará en su trayecto con varias mujeres, todas ellas con el físico prototípico  de su propia esposa y protagonistas tanto de un intento por restablecer su dañada masculinidad, como de un ansia por redescubrir la...

La mujer en silencio. Sylvia Plath y Ted Hughes...

La vida del gran poeta inglés Ted Hughes y de su esposa, la también enorme aunque mucho mas infravalorada Sylvia Plath, ha dado para un buen puñado de jugosas biografías encargadas de inmiscuirse en la intimidad de sus vidas, dando lugar en un caso tan particular como el suyo, con relación tormentosa y suicidio en el camino, a páginas y páginas de truculentos cotilleos y opiniones dispares, que tienden bien a crucificar a Hughes como misógino traidor elevando a Plath a los altares predestinados a todo mártir, o a juzgarla a ella como la masoquista fémina, perturbada y sin apenas talento, que hizo imposible la vida al laureado genio de la literatura. Todo según a quien le pregunten. Las biografías de artistas celebres son una de las efemérides editoriales mas singulares y atractivas. Poseen tanto de estudio obsesivo de la genialidad como de impúdico rastreo de intimidades que, escudado en un alarde de intelectualidad, se pretende mas elevado que el cotilleo diario a lo Belén Esteban y Cía., cuando la realidad dicta que esas anécdotas que sobrevuelan los círculos literarios y artísticos suelen ser sin duda, dada la naturaleza inquieta de sus protagonistas, mucho mas  jugosos que cualquier acontecimiento en la vida de la fauna televisiva actual. La mujer en silencio, escrito por la magnífica biógrafa Janet Malcolm, no es afortunadamente uno de esos libros repletos de morbosos detalles, y pese a su título, posiblemente una imposición editorial en pos del incremento de ventas, apenas rastrea la vida de la pareja de escritores. En realidad este enorme ensayo metaliterario dedica la mayor parte de sus páginas al estudio del propio biógrafo y sus vicisitudes como arqueólogo de vidas ajenas, así como  a interrogarse sobre hasta qué punto es lícito entrometerse, culturalmente escudados, en la...

La trascendencia de Mickey Mouse May20

La trascendencia de Mickey Mouse...

Una de las características más definitorias, criticables y a la vez embaucadoras de nuestro tiempo es el continuo trasvase entre ficción y realidad que se produce prácticamente en cualquier esfera de la sociedad, partiendo desde la misma intimidad de cada uno de nosotros. La cultura popular, a través de los medios de comunicación de masas, se ha instaurado como mitología del pueblo formando parte de nuestro día a día de una forma mucho menos sacralizada, pero a la vez mas cotidiana, intrínsecamente experimentada y masivamente extendida, que la mayor parte del viejo folklore; estableciéndose así una imaginería universal que resulta milagrosamente superficial y trascendente a partes iguales. De ello sabe mucho David Herbert, joven creador que constituye un claro ejemplo del paradigma actual del arte, que abruma por la cantidad ingente de talento. Herbert es hijo de su época y en su obra vemos plasmada la iconografía popular norteamericana bajo un discurso que tiende puentes entre la apropiación conceptual, el surrealismo y el expresionismo de las formas; radicando la importancia del mismo tanto en señalar como esta imaginería, principalmente extraída del cine y con especial énfasis en aquellos géneros más alejados de la realidad como son la ciencia ficción o los dibujos animados. Está indisolublemente asociada a nuestra forma de entendernos, considerando que toda ficción universalizada debe poseer suficientes atributos ligados a nuestro inconsciente colectivo para conformar posibilidades de narración que nos definen. Desde la nave Enterprise de Star Trek hasta el palacio de La Cenicienta, Herbet usa cualquier icono masivo para introducir un discurso cómplice con el espectador con el que dar cuenta de nuestros miedos y ensoñaciones. En sus piezas, las fantasías que otros construyeron para nuestra necesidad voraz de escapismo, son reinventadas como si formasen parte del entorno más cercano al...

El hombre de acero: La tragedia contemporánea Abr29

El hombre de acero: La tragedia contemporánea...

El hombre de acero marca un punto final en el devenir del héroe divino hacia la tragedia. En el último film de Zack Snyder observamos como Superman ha sido transfigurado desde un personaje que lo puede todo y es símbolo de perfección, hasta otro repleto de dudas existenciales, mucho más hombre que súper, cuya historia narra el drama existencial de un ser excepcional que no consigue serlo; primero por la influencia de un restrictivo padre adoptivo y, más tarde, por las propias limitaciones autoimpuestas psíquicamente bajo la figura de ese superyó paterno y el recuerdo traumático de su sacrificio. La tragedia tiende a la catástrofe y la catástrofe se instaura en El hombre de acero como un derrumbe interior que tiene su proyección física en la inusitada violencia y destrucción de su parte final; completando un ciclo que aleja al héroe de su condición mítica para instaurarse en el realismo sucio y descreído de la posmodernidad, obligándole incluso a cometer el acto más violento de todos, y que no es mas que una catarsis que lo lleva a posicionarse rotundamente en el mundo por el único camino que las sociedades actuales, especialmente la norteamericana, parecen creer posible. En la tragedia clásica de Aristóteles o Sófocles los actos realmente horribles eran vividos por el público tan solo en su imaginación, eran actos narrados fuera del escenario con una mera descripción. En su tramo final, El hombre de acero se sitúa  mas cerca de la tragedia romana de Séneca, que, dentro de una sociedad conquistadora, habituada al conflicto y deshumanizada, mostraba en escena incluso los más sangrientos episodios. En este nuevo film el objetivo de Superman no es, como siempre ha sido, defender la justicia y la verdad, sino un genealógico y destructivo deseo de venganza...

Superman returns: El remake imposible Abr22

Superman returns: El remake imposible...

Entre los autores de cómic es prácticamente unánime la opinión de que Superman es el personaje más difícil de escribir. Más allá de las características del personaje, si esto es así, se debe a que, como vaticinó Umberto Eco en su célebre ensayo Apocalípticos e integrados, el carácter mítico del personaje choca de frente con su serialización permanente. Superman se ve abocado a la continua readaptación, a vivir tiempos muy distintos a los que fue creado. Y la pregunta es: ¿puede un personaje de ficción sobrevivir al paso del tiempo manteniendo su condición mítica sin desvirtuar lo que le otorgó dicho carácter? Bryan Singer, el director de Superman returns, intentó rendir un sentido tributo a los primeros films sobre el personaje. La acción de la cinta de Singer se sitúa, de hecho, después de Superman II, desechando los otros dos títulos clásicos en los que su admirado Richard Donner nada tuvo que ver; aunque, en realidad, es casi un remake del primer film del que toma frases y secuencias completas. Lo que Singer, quizá, no preveía es que la fuerza de su admiración no sería suficiente para restablecer un personaje de otro tiempo en el mundo presente, en una época descreída que ya prescinde de mitos. El resultado fue un film único en su género, hermoso y brillante técnicamente, que reincide en la alegoría mesiánica del primer film a partir de la cita: el hijo se convertirá en padre y el padre se convertirá en hijo; pero que desprende una tristeza terrible al mostrarnos el último capitulo del héroe divino. Todo en ella transmite una sensación de adiós a un icono destinado a morir o a transformarse en otra cosa. La acción sitúa a Superman alejado del planeta Tierra por cinco años; el mundo...

Kingdom Come

Con su medida capacidad de manipulación, Norteamérica ha logrado instaurarse como madre de los sueños y temores globales, agenciándose los mitos heroicos engendrados en Europa y Asia para revestirlos de una fibra moral adecuada a sus intereses hegemónicos, y vinculada, paradójicamente, a la idea religiosa del bien versus el mal. Los superhéroes son un buen ejemplo de ello y personifican ejemplarmente todas las virtudes del sueño americano junto con su pretendida conservación de valores anclados al capitalismo contemporáneo, un deseo manifiesto de imponer (su) justicia y verdad a escala global, que también manifiesta una necesidad de creer en poderes superiores, provengan del cielo o de un autoproclamado reino. Pocas obras han abordado esta dicotomía moral del superhéroe como Kingdom Come, la enorme y mesiánica fabula de Mark Waid y Alex Ross que revitalizó el clasicismo heroico a mediados de los años noventa. La historia narrada por Waid y plasmada en las espectaculares y realistas paginas de Ross transcurría en un futuro no muy lejano en el que, por diferentes razones, la mayoría de los héroes clásicos se encuentran retirados y han sido sustituidos por una nueva generación de jóvenes sin escrúpulos y sin mas motivaciones para ejercer de vigilantes que la pura diversión o el desahogo de testosterona. La situación insostenible alrededor de estos nuevos justicieros provocaría la segunda venida de Superman, inmediatamente secundado por varios de sus antiguos compañeros a modo de apóstoles. El tono que inunda toda la obra queda marcado por el pastor religioso que la narra y las continuas referencias literarias al Apocalipsis bíblico, mostrando un claro trasfondo espiritual, pero, también, una pertinente reflexión sobre las verdaderas posibilidades del fin del mundo. Este pastor intuye, de manera reveladora, que el regreso del hombre de acero es en realidad  el principio...

Superman the movie: Todo lo que queremos ser Abr01

Superman the movie: Todo lo que queremos ser...

El cielo es, en realidad, el auténtico lugar del superhombre, para los demás mortales sólo es un espacio momentáneamente conquistado por medios mecánicos en necesarios aunque  incómodos trayectos, y, sin embargo, llevamos construyendo historias sobre la conquista del firmamento desde mucho antes del primer vuelo. Uno de ellos es el retrato de Superman rodado por Richard Donner en 1978, que sigue siendo hoy el arquetípico de cinta del género. Hay muchas razones para ello: el respeto fiel al material original del personaje, el marcado acento de verosimilitud, la elección del actor perfecto; la combinación precisa de acción, comedia y drama; y un sentido de la maravilla que desbordaba la pantalla. Pero sobre todo, esta película ofreció a un público multitudinario la actualización del relato clásico del héroe divino según la clasificación arquetípica que comparten Bruce Meyer y otros autores; hizo que millones de espectadores compartieran un sentimiento de comunión universal ante el trayecto vital de un hombre hasta llegar a representar la perfección, un ideal mayestático que deviene en la culminación de todas nuestras aspiraciones, posibles e imposibles, y que se encuentra incrustada desde antes de la Grecia clásica en nuestro imaginario. Superman the movie trae de vuelta al más icónico de los personajes de ficción surgidos en el siglo XX para corroborar que el mundo todavía necesitaba creer, aunque fuese dentro del nuevo espacio para el culto alejado de pulpitos que es el cine. La idea de Donner fue desarrollar toda la historia del origen de Superman en distintas etapas de su juventud y madurez, construyendo distintas atmósferas y ambientes en el film y llegando a configurar distintas películas dentro de una sola. De la fría y gélida ciencia ficción catastrófica del comienzo en Kripton, con el siempre imponente Marlon Brando augurando el...

Miel de abeja

Kursala. Universidad de Cádiz 4 de marzo-18 de abril. El bodegón como género entendido desde las artes plásticas siempre nos presenta algo que se ofrece para no poder ser disfrutado, sólo deseado (o ignorado, según el caso), y es posiblemente la forma representada que mas invoca la distancia insalvable entre el referente y la imagen. Su disposición, generalmente sobre una mesa, ordenado y preparado para la degustación, nos proporciona casi todas las sensaciones menos aquellas para las que la lógica nos indica que ha sido preparado. Los misteriosos bodegones que forman Miel de abeja, la exposición de María Sánchez (1977, Ávila) comisariada por Jesús Micó, amplifican esta siniestra sensación desde la austeridad formal y la precisión conceptual. Sus habitaciones en penumbra contienen antes que ninguna otra cosa, la mesa, el receptáculo necesario, un lugar cubierto fantasmagóricamente por una sabana en toda ocasión desde el que subyugar nuestra percepción en la distancia. Luego están por supuesto los elementos dispuestos sobre ella, siempre mínimos, siempre un contrapunto del espacio vaciado, queriendo rasgar la tabula rasa de nuestra percepción mas inconsciente, cargar de sentido la imagen, resultando siempre un ofrecimiento sutilmente peligroso en el que se nos incita a cometer algún acto, a sucumbir al deseo que se revela desde el espectador hacia la imagen abierta de par en par. Un ofrecimiento que alcanza la mayor y perturbadora contradicción en su simbólica literalidad cuando es el cuerpo de la artista el que ocupa la imagen. María Sánchez, situada en ese territorio de la creación fotográfica alejada del documento y enraizada en la escenificación, se dirige, quizás sin tenerlo demasiado en cuenta, hacia rincones metalingüísticos, hacia el misterio de la fotografía como acto de voyeur penetración en el otro, su actitud violentamente arrebatadora apunta hacia el origen de...

Paisajes preferentes

Galería Birimbao. Sevilla. 18 de Marzo-11 de Abril. El arte como proyecto vivencial desarrollado en un lugar y con ese lugar como protagonista, las capacidades del ser humano de influir y ser influido por el entorno, el paisaje en definitiva como género que reivindicar conceptualmente y reinventar plásticamente, son el eje central del trabajo de Miguel Ángel Moreno Carretero (1980, El Carpio), quien regresa a Sevilla con una muestra multidisciplinar que, una vez más, difumina los límites de su discurso mezclando pintura con escultura y objeto readymade, transformando la apropiación, tanto de objetos como de imágenes, en interpretación plástica de lo cotidiano y soslayando nuestra mirada para hacernos pensar sobre lo que nos rodea y, por qué no, divertirnos en el camino. Escultura o maqueta, diseño arquitectónico o pieza conceptual, cuidada reflexión o improvisado divertimento, en Miguel Ángel Moreno todo ello es la misma cosa. La multidisciplina que en él se aleja nunca es propósito de contemporaneidad o estudiada puesta en escena de la multiplicidad de recursos habituales, sino una simple y desenfadada necesidad de hacer arte con cualquier cosa. En la presente exposición somos testigos de cómo el dibujo abandona su función íntima para ser una cartográfica fuerza interventora en el paisaje y que delimita su uso práctico, vemos las imágenes de un catálogo de record güines reducir en escala su obsesión grandilocuente convirtiendo en fetiche portátil una naturaleza manipulada con el propósito de ser mas grande que ella misma, reconocemos humanos espacios seriados sustituyendo y secando paraísos terrenales. Vemos al final una línea de horizonte, bifurcada, manipulada, tapiada… y a un artista explicarnos en qué consiste el juego del...

Typologies

Galería Alarcón Criado. Sevilla. 31 de enero-29 de marzo El objeto es, según la definición lacaniana, el lugar donde se restituye de forma continua nuestro deseo inalcanzable, de forma que cuando, por fin, se posee, el deseo pasa a un objeto diferente, configurando lo que denominamos pulsiones. El coleccionismo como ansia de poseer uno o varios objetos prescindiendo de su valor funcional, esto es, poseer por el hecho de poseer, sitúa la necesidad inconsciente en el ámbito del discurso íntimo, del dialogo con uno mismo a través de objetos e imágenes y, desde esta perspectiva, en un terreno cercano a un discurso artístico en el que productor y receptor son la misma persona. Nicolás Grospyerre (Polonia, 1975) presenta en su segunda exposición en la galería Alarcón Criado un uso sistemático de los dispositivos de colección como recurso creativo para estructurar la realidad, creando parcelas de información que, como siempre en la esfera posmoderna, tiene tanto de verdadero como de falso (falsas colecciones, objetos no originales y manipulados…), tanto de profunda necesidad psíquica como de ridícula obsesión. Los objetos e imágenes de Grospyerre no sólo prescinden de su valor útil, ni siquiera transmiten lógica alguna, y manifiestan sólo una irracional práctica en busca de algún desdibujado tipo de sentido, algo especialmente evidente en colecciones como las de objetos dobles naturales o recipientes de aire, grupos de objetos que nada tienen que ver entre sí salvo el hecho de haber sido agrupados, y, a través de ese acto, entrar en el ámbito del discurso. Su práctica fotográfica posee el mismo carácter, fría y distante, alejada de intención autoral y auspiciada en la idea de que toda fotografía consiste en la apropiación de una parcela del mundo. Sólo después del acto apropiacionista será cuando el discurso aparezca....

Tarkovski: La soledad del autor de fondo Mar18

Tarkovski: La soledad del autor de fondo...

Cuando hablamos de Tarkovski inmediatamente acudimos a un tipo concreto de mirada,  a la pausada y aparentemente callada inundación de los sentidos.  Escribir sobre su trabajo se hace difícil, no sólo por la densidad de sus propuestas, sino porque desde su celuloide invita al crítico a abandonar su función y hacerse poeta. ¿Cuál es el método correcto de introducirse en su alquimia? ¿Cómo concretar una carrera ajena a patrones y fórmulas? Su obra está plagada de reminiscencias autobiográficas y sin embargo su cine es también el de la irreal ensoñación. Sus formas provienen del formalismo ruso y aun así se resisten al esteticismo vacio de sus antecesores. En cada uno de sus films contemplamos la naturaleza con una intensidad a veces dolorosa, pero también  al ser humano y sus contradictorias creaciones, de la cita literaria y pictórica a la amenaza bélica como pesadilla incoherente. Su cine es el del espacio y el tiempo, sin olvidar nunca  los personajes y la intimidad de las emociones. Es el del plano secuencia detenido en una madre que nos da la espalda y que nos resistimos segundo a segundo a dejar atrás, pero también el del contraste abrupto del que surge otra mujer, casi igual a la primera, sostenida varios palmos sobre una cama por la ingravidez. La mirada de Tarkovski es la de la infancia, la de quien no puede cesar de recrear y manipular la realidad  (El espejo) o encadena los acontecimientos más terribles con una amnesia  absoluta (Sacrificio). Su primer film se tituló precisamente La infancia de Iván, un encargo de la férrea industria bolchevique realizado con casi total libertad. Un trágico viaje de la inocencia en una ensoñación cinematográfica constante y catalizada una vez más en la figura maternal como contraste a un belicoso...

Disoluciones: Crisis del Yo y del lenguaje en Persona de Bergman Mar17

Disoluciones: Crisis del Yo y del lenguaje en Persona de Bergman...

Pronto habrá un teatro donde no se diga absolutamente nada, en donde cada personaje se esfuerce por alcanzar la futilidad de la palabra solo para que el sonido se convierta en incoherencia o muera antes de salir de la boca gesticulante. Olga Bernal. Lenguaje y ficción en las novelas de Beckett. Persona, rodada en 1965 por Ingmar Bergman y protagonizada por Liv Ullman y Bibi Andersson, es ese teatro proyectado en una pantalla. El film lleva al extremo cualquier tentativa anterior de su autor, es un film límite que se acerca peligrosamente a lo que sería un antifilm emparentado con la antinovela o con el antiteatro de Beckett e Ionesco. En el año de su estreno, el cine moderno ya ha emprendido su andadura de forma plena, hace media década que la explosión de la Nouvelle Vague francesa capitaneó la renovación de las escrituras cinematográficas a nivel mundial cuestionando los límites de lo que hasta entonces se consideraba debía ser el relato cinematográfico. El cine comienza a tomar conciencia de sí mismo y, como en la pincelada de Van Gogh, el medio se hace presente. La imagen deja de ser un vehículo y pasa a ser un fin, la imagen ya no puede ser lo que era tras habernos mostrado los horrores de la guerra, el holocausto e Hiroshima, hay que repensarla y reconstruirla. Films como los de Antonioni o Godard llevan el lenguaje del cine a un nuevo nivel que ya en El año pasado en Mareinbad de Alain Resnais muestra un límite que el cine jamás había tocado y nos habla de la ininteligibilidad del mundo y de la memoria fracturada
Persona a pesar de poseer un argumento y estructura algo más convencionales que Marienbad sigue el camino trazado por esta. Ya en...