Esculturas desde el futuro presente Sep26

Esculturas desde el futuro presente...

Patricia Piccini (Sierra Leona, 1965), uno de los máximos referentes en el hiperrealismo escultórico, nos visitará el próximo Noviembre en LABoral Centro De Arte, una ocasión excepcional para acercarnos a su sorprendente trabajo en nuestro especial de ciencia ficción. En Alien, Ridley Scott y  H.C. Giger crearon el monstruo definitivo, una sofisticada línea de intersección entre lo humano y lo animal, no solo en una morfología a la vez bípeda y en extremo desagradable, sino en un comportamiento inteligente a la vez que agresivamente instintivo. Aquel extraterrestre presentaba a la perfección lo siniestro como algo familiar y perturbador, en este caso con terroríficos resultados. Gran parte de la ciencia ficción, anterior o posterior al film de Scott, se ha situado en la misma línea, presentando criaturas alienígenas o futuristas como amenazas para el ser humano, terribles representaciones de un futuro amenazante. El trabajo de la artista multidisciplinar Patricia Piccini la sitúa justo en el lado opuesto y nos plantea una convivencia con extraños seres, que pareciesen el resultado de una avanzada manipulación genética, del todo cercana, amigable y colaborativa. La ciencia ficción de los últimos años ha reconducido la vanguardia tecnológico-mecánica hacia procesos que introducen las transformaciones bajo nuestra propia piel, trasladando las modificaciones desde los objetos hacia los sujetos. Obviamente los avances en investigación genética y biomedicina tienen un peso fundamental en esta nueva interpretación de nuestra perspectiva futura, pero esta viene acompañada de la despierta e inagotable necesidad por explorar los límites de la naturaleza. Patricia Piccini nos muestra en su trabajo extrañas criaturas objeto de mutaciones o desviaciones provocadas, que se instalan en un inquietante punto entre la normalidad y la deformidad con la irresistible atracción de un logrado hiperrealismo. Sus dibujos, videos y, sobretodo, esculturas, muestran cuerpos que parecen reales...

LA HERENCIA DE UNA REINA Sep14

LA HERENCIA DE UNA REINA...

Nápoles alberga una de las más destacadas colecciones de escultura clásica del mundo. Profundamente conectada con España por razones culturales y dinásticas, los Mármoles Farnese se muestran ahora con una nueva disposición museográfica. Los bronces de la Casa de los Papiros en Herculano, el suntuoso Salón de la Meridiana, y las salas dedicadas a los hallazgos arqueológicos de Pompeya completan un museo incomparable por la calidad de sus fondos. Isabel, la segunda esposa de Felipe V, fue una mujer ambiciosa, que movió con inteligencia los hilos invisibles de la política internacional para situar a cada uno de sus hijos en un trono desde donde dominar el continente. Francia, España, Portugal, Parma, Cerdeña, Nápoles o Sicilia, nada se fue de las manos de una intrigante profesional que había nacido en el seno de una de las familias más poderosas de Italia. Los Farnese, que ostentaban los ducados de Parma, Plasencia y Castro, habían tocado la gloria en 1534 cuando Alejandro, decano del Colegio Cardenalicio, fue exaltado al Santo Solio desde donde regiría los destinos de la Iglesia con el nombre de Pablo III. Fue un mecenas y exquisito coleccionista; que merced al trinomio de papado, nepotismo y poder, propició un momento cumbre en la Historia del Arte: ávido de esculturas antiguas para el palacio que Antonio de Sangallo construía como morada familiar en el Campo de Fiori, el pontífice promovió unas excavaciones en las Termas de Caracalla cuyo resultado asombró a los eruditos. Las más hermosas estatuas comenzaron a emerger de entre las ruinas, eran en su mayor parte obras romanas del periodo imperial, copiadas fielmente de originales de los más reputados escultores griegos; porque la vastedad del complejo termal albergaba un proyecto iconográfico que privilegiaba los temas mitológicos raros, dramáticos, así como las figuras giganteas....

MÁLAGA, EN CUATRO OBRAS DE ARTE Sep05

MÁLAGA, EN CUATRO OBRAS DE ARTE...

La capital andaluza se posiciona como Ciudad de los Museos con las recientes inauguraciones. Un interesante panorama que añadir a su sólida oferta de ocio, gastronomía y playa, que la convierten en un destino imprescindible en cualquier temporada. Se suman las sucursales del Centre Pompidou de París, y del Museo Ruso de San Petersburgo. El Carmen Thyssen y el Museo Picasso presentan excepcionales exposiciones temporales, además de sus fondos estables. Seleccionamos cuatro obras para nuestros lectores. Louise Bourgeois. Spider, 1996 He estado en el infierno y he vuelto Museo Picasso, Málaga. 16 de junio a 27 de septiembre Las arañas de Louise Bourgeois nunca dejan de sorprendernos porque se acomodan a los espacios en los que se las aloja, adquiriendo su definitiva dimensión. La instalación de Spider (1996) en el patio del palacio de Buenavista, sede del Museo Picasso, es un acierto desde todo punto de vista pues la convierte en un objeto familiar, domesticado, desactivado de su carga maléfica. Cercano a la idea que la artista belga ha buscado transmitir con la serie de arácnidos que la ha hecho célebre, y que hemos podido ver avanzando por las calles y las plazas de Bilbao, Londres o la Ciudad de Méjico. Imagen de duplicidad en un concepto de maternidad, proyección de los traumas infantiles, como ocurre con el resto de su obra. La araña es fortaleza y fragilidad. La escultura más conocida de la serie se titula de hecho Mamá (1999), es protectora y depredadora, hermosa en su monstruosidad. Aquí en Málaga acoge a los visitantes como una bóveda en el distribuidor del museo, lo que permite que sea vista desde todas las perspectivas y todos los ángulos, aunque nunca completamente abarcada. La exposición de Louise Bourgeois, He estado en el infierno y he...

Pirómana de mentes Sep05

Pirómana de mentes

Licenciada en Bellas Artes. Cursó el Doctorado en Estética e Historia de la Filosofía en la Universidad de Sevilla. Dirige Animalario Tv Producciones; una plataforma de experimentación audiovisual. Risas en la Oscuridad es la obra que da título a la exposición que se ha realizado expresamente para ella en Sevilla y que es un homenaje a todos los arquetipos femeninos y a todas las brujas quemadas y resurgidas de sus cenizas Hoy día, una imagen vale más que mil palabras, María sabe bien de lo que hablo, su vida esta rodeada de imágenes y habrá quien se diga: ¡como la de todos!. Pero es que María vive, respira y sueña imagen, todo ella es un intervalo de sucesivas imágenes en movimiento; recopila, manipula y sube a la red con la intención de hacer mella en cada uno de nosotros, nos quiere hacer arder, ella es la mecha. Quiere implantar una idea. La idea que mueve masas, mundos. La que los puede hacer cambiar, rodar en un sentido u otro, pero sin privar de movimiento; la que grita a la vez que pasan los fotogramas: ¡¡piensa!! ¡¡actúa!!  ¿Quién es María Cañas? Soy un misterio dentro de un enigma, dentro de un acertijo. Ni yo misma sé quién soy. Muchas veces me pesa ser maría cañas, preferiría ser María Coñas. Soy trabajo, sacrificio y entrega al arte. Me encuentro psicológicamente obsesionada, abducida por la pasión creativa y casi no tengo vida personal. En ocasiones me gustaría desaparecer. Siento que vivimos acelerados y confundidos. Hago arte porque necesito un lugar en donde sea lo que no es. Me siento posgenérica, posmariana, marciana y marrana. Digo marrana porque lo que me interesa es el arte porcino. Esta es mi declaración de principios: si del cerdo puede aprovecharse todo,...

Estrategias de la desobediencia Jul27

Estrategias de la desobediencia...

El CAAC acoge hasta el 11 de Octubre la exposición Risas en la oscuridad de la artista sevillana María Cañas, inscrita dentro de la sesión expositiva Mal de archivo. Vídeo, collage y objetos se alternan en una muestra donde la apropiación y reasignación de significados intenta reflejar, criticar y subvertir, nuestra realidad social y tecnológica de forma irreverente, violenta y, en definitiva, transgresora. María Cañas (1972, Sevilla) posee ya un recorrido a sus espaldas como artista del desorden, en combate perpetuo contra el pensamiento dominante y sus formas de difusión. Cañas es una agitadora que nos muestra la realidad que conocemos, o al menos intuimos, desde una perspectiva repleta de ironía y feroz crítica, cuya estética bascula entre la compleja sensualidad de la imaginería barroca y una sencillez de origen dadaísta filtrada por el Doityourself más punk. La amplia muestra que ofrece el CAAC reúne un grupo de 13 piezas audiovisuales y 163 collages, con los que la artista pretende extrapolar las idiosincrasias y esquizofrenias locales de su Sevilla natal a un imaginario global cada vez más fugaz, que se reproduce caóticamente desde la virilidad de ese lugar donde la realidad se ficcionaliza y las ficciones acaban deviniendo reales, y que llamamos internet. La exposición recoge  gran parte de la producción videográfica más reciente de la artista y obras que vemos por vez primera (Risas en la oscuridad, La mano que trina, Al compás de la marabunta y Al toro bravo échale vacas). Todas ellas hacen de la apropiación y el foundfootage su razón de ser, planteando un honesto ejercicio de reciclaje muy pertinente en nuestro tiempo, ya inundado de imaginarios que nacen del caos visual y se multiplican incontrolablemente. Y sin embargo el ejercicio de apropiación en Cañas nunca es puro, sino que...

ARTE EN CUBA.TREMENDO PANORAMA III Jun27

ARTE EN CUBA.TREMENDO PANORAMA III...

Es sorprendente la frecuencia con la que los escritores cubanos reúnen colecciones ideales de arte en sus artificios literarios. Reconstruíamos en pasadas ediciones la de Wendy Guerra y no podemos resistirnos a prolongar con Leonardo Padura, que es uno de los más importantes autores de novela negra en español. La acumulación de pinturas que propone en Herejes para la casa de unos refinados burgueses, es paradigma de un gusto exquisito, pero también de la histérica condición de una sociedad que permanece atrapada entre la hipótesis del socialismo, y la realidad de las tensiones provocadas por una reducida clase emergente, constituida por afectos al régimen, artistas, cuentapropistas y receptores de fondos exteriores. Servando Cabrera Moreno, 1923. Julio Antonio en Obispo. El pintor fetiche que todos desean poseer, aunque nosotros nos resistimos a alguno de los efebos desnudos y muy bien dotados que quiere ver Padura. En realidad el cuerpo masculino -y la demostración de su vigor- es uno de los temas preferidos de Cabrera, como lo son también sus series sobre revolucionarios, los retratos populares o la idealización de las formas femeninas. Una fundación con su nombre se encarga de preservar y exhibir el legado de un autor que viajó por todo el mundo en contacto con las vanguardias. Raúl Milián, 1914-1984. Abstracción, 1954. Compañero y discípulo de Portocarrero, autodidacta. Sus trabajos con tintas son depurados y minimalistas, explorando la vanguardia desde el aspecto más dependiente de las influencias exteriores. Hábil constructor de geometrías y trazos, sus apuestas hacia lo figurativo son siempre  visiones borrosas de la realidad, rastros imprecisos de la ciudad, esquemas humanos o vegetales. René Portocarrero, 1912-1985. Retrato de Flora nº 23, 1966. Los retratos de mujer, inexpresivos como si fueran vírgenes o diosas, se destacan en un concierto de líneas repujadas...

UN FULGOR DE ORO EN EL TRÓPICO Jun21

UN FULGOR DE ORO EN EL TRÓPICO...

La sociedad cubana tiene muchas caras que se revelan al viajero curioso: una furiosa necesidad de expresarse mediante la música, el vestigio de antiguos esplendores, la modernidad que irrumpe imparable en medio de tantas restricciones. Ernesto Rodriguez es un personaje singular en una ciudad distinguida, su trabajo es brillante, diferente a lo que se puede encontrar en otros talleres. Premiado en España, continúa con su análisis sobre la fuerza de la imagen en la sociedad de la información. La mirada del viajero sorprende, bajo los soportales de la avenida principal de Cienfuegos, un brillo de iconos bizantinos, todo lo contrario de lo que uno esperaba encontrar en Cuba. Al acercarse se puede comprobar que más allá de la técnica -minuciosa y precisa- las tablas están prostituidas con la incorporación de imágenes pertenecientes a la cultura pop, Spiderman, Bob Esponja, Superman. Estamos en el Estudio Voynich, el taller de uno de los pintores cubanos de la última generación. Ernesto Rodriguez traza su trabajo sobre el contrasentido, a nadie se le podría ocurrir –si esto no fuera así- utilizar el pan de oro como base de sus composiciones, cuando la carencia de materiales en la isla es extrema y obliga a los artistas a ingeniar mil argucias, siempre dependientes del voluntarismo de los amigos y la premura de los encargos. No es un pintor desconocido en España, ha vivido en Madrid, Granada y Barcelona. Durante su estancia en nuestro país, fue ganador del Premio de Pintura de Fuente Álamo 2010,  con su obra La Virgen y Spider El Justo, una sorpresiva conjunción de técnica y subversión. Pasó una temporada en Berlín. De su periplo de seis años por Europa han quedado ocho exposiciones y la impresión del conocimiento, el acceso a ese universo de imágenes que es...

ISABEL CHIARA: DEVORADORA DE IMÁGENES Jun14

ISABEL CHIARA: DEVORADORA DE IMÁGENES...

Andaluzas del mundo del arte actual Nerviosa y perdida llegué hasta la entrada del estudio donde Isabel Chiara me encontró mirando el gps, intentando dar con la puerta adecuada. La entrada hacia su estudio da a un pequeño patio que invita a té, charla y arte. Antes de empezar, me muestra el lugar, nos tomamos un momento, acaricio al gato que dormita frente a su ordenador, fumamos un cigarro y entramos en calor hacia la conversación. Desde la primera vez que hablé con Isabel Chiara, gran artista sevillana del collage y el gif animado, disfruté de su obra y de la riqueza de su conversación y me pregunté: ¿Quién es Isabel Chiara? Isabel se encoge, piensa y se ríe ante la pregunta, ya que afirma que es difícil saber quién es Isabel Chiara. Soy una persona que busca comunicarse a través de la expresión artística con el propósito, la necesidad, de expresar con profundidad y rigor; el arte ha sido siempre una constante, he estado de una forma o de otra muy relacionada con el mundo artístico. Mi fuente de inspiración es la obra de grandes artistas plásticos o literatos, su forma de ver el mundo y cambiar en sus obras, han hecho que pudiera crear mi propio mundo, porque siento que nunca me ha gustado el mundo en el que vivo. El collage ha sido una constante en la vida de Isabel Chiara. Estudió diseño gráfico dentro de las Artes Aplicadas, le abrió camino hacia el mundo editorial donde realizó trabajos de periodismo. Una mujer multidisciplinar que ha trabajado la ilustración, el diseño y la escultura. Cuando se centró en el diseño gráfico fue la puerta que le dio paso al mundo audiovisual, desembocando finalmente en su trabajo actual como artista del collage...

ARTE EN CUBA.TREMENDO PANORAMA II Jun14

ARTE EN CUBA.TREMENDO PANORAMA II...

Continuamos visitando el arte cubano de la mano de una de las más destacadas escritoras y blogueras de la última generación de la isla, esta es la segunda parte de una colección imaginaria extraída de la literatura, con la que intentamos provocar una impresión más que un catálogo. Mientras se desarrolla la 12ª bienal de Arte Contemporáneo de La Habana, con obras e instalaciones dispuestas por toda la ciudad y gran participación popular queremos sumarnos al tono de la muestra con la nuestra, hipotética. Una visita del personaje protagonista de Nunca fui primera dama, de Wendy Guerra, al Museo de Arte Contemporáneo de Cuba será la que destaque a otros artistas de esta colección de pintura cubana que estamos recreando para nuestros lectores. Hemos investigado sus carreras y elegido algunas obras que destacamos en un artículo anterior y que continuamos aquí a la manera de la colección imaginaria que podría colgar en los muros de la morada de un caprichoso cubanófilo. Tania Bruguera, 1968. Estadística, 1996 Tania Bruguera es performer, quizás la disciplina artística más difícil y más incomprendida. Al provocar, incomoda, y eso es motivo de censura entre los criticados y de irrisión entre los ignorantes o los curiosos. Comenzó 2015 con una acción en la plaza de la Revolución que fue cancelada por las autoridades, nadie consiguió dar sus opiniones sobre el deshielo de las relaciones con EEUU en el micrófono instalado a tal efecto. La bandera nacional, confeccionada con pelo natural, aportado por distintas personas tiene efecto como imagen, como concepto y como proceso. Alejandro Aguilera, 1964. Sin título, 2001. Lo que más nos interesa de este artista son sus esculturas hechas con reciclados, y sus instalaciones, porque son totémicas, e intentan convertir esa madera primigenia en imágenes telúricas que prolonguen la...

ROCÍO GARCÍA, EN TORNO A LA ERÓTICA Y AL PODER Jun06

ROCÍO GARCÍA, EN TORNO A LA ERÓTICA Y AL PODER...

La 12ª bienal de La Habana arrancó hace dos semanas con la fuerza y la vitalidad de un acontecimiento único, alejado de los mercados que suponen Miami, Basilea o Madrid, es una oportunidad única para comprender las evoluciones y claroscuros de una sociedad que construye su futuro. Con una formación clásica, entre La Habana y San Petersburgo, obra expuesta en todo el mundo y un gran éxito en Estados Unidos, hemos tenido la oportunidad de conocer con Rocío García su instalación para la muestra, en la que lleva meses trabajando. Encontrábamos a Rocío García de la Nuez en su casa-estudio del Vedado, preparando ilusionada su trabajo para la duodécima bienal de La Habana, que se desarrolla en estos días -22 de mayo a 22 de junio- bajo el lema Entre la idea y la experiencia. Se trata de una panoplia de 32 lienzos que deberán exponerse juntos y que combinados componen 6 páginas de un inmenso cómic que lleva por título The mision, una forma de relato que está en el espíritu de toda la obra anterior de la pintora cubana, formada en la prestigiosa Academia de las Artes San Alejandro de La Habana, en donde se desempeña como profesora, y en la Academia Bellas Artes Repin de San Petersburgo. Desde sus primeros trabajos Rocío ha elegido la narración transversal como motor de sus series. Se trata de símbolos, personajes o atmósferas –casi siempre compuestas a través de la luz y los encuadres- que saltan de un cuadro a otro formando un relato; fuera de este, los lienzos aislados se dotan de matices enigmáticos que el contemplador debe articular en su cabeza como si se tratara de lo incompleto de un puzle. Una visión cinematográfica, enredada en el fotograma, la secuencia y la acción, que...

ARTE EN CUBA.TREMENDO PANORAMA I May29

ARTE EN CUBA.TREMENDO PANORAMA I...

Comenzamos con este artículo un acercamiento a la cultura en Cuba, con una serie dedicada a la pintura y las artes plásticas; ahora que se inaugura en La Habana la bienal de Arte Contemporáneo, cita ineludible para los profesionales y los apasionados. Nos dejamos guiar por una aficionada para acercarnos a la obra de los más destacados pintores cubanos, apartados –nosotros- de la mirada de los expertos y de las opiniones ortodoxas. Wendy Guerra es una escritora de la penúltima generación isleña, en su novela Nunca fui primera dama nos ofrece el atisbo de un museo personal que podemos reconstruir desde la libertad que nos da la literatura. Las pinturas a las que se refiere se las encuentra la protagonista en casa de un amante, en París, y se queda sorprendida por la construcción en la ciudad del Sena de una muestra de representantes de la vanguardia caribeña. Servando Cabrera Moreno, 1923. Rómulo y Remo, 1981. Lo que más nos llama la atención de Servando son las imágenes de cuerpos entrelazados, vistas como al través de un vidrio coloreado, azul en este caso, que caracteriza la mayor parte de su obra en la que hay retratos de mujer con los cabellos enlazados de flores, y hermosos guerrilleros. Los desnudos como este son delicadamente eróticos en su fragmentación y muy representativos de su pintura. Amelia Peláez, 1896-1968. Bodegón, 1958. Comprometida hasta la muerte con la Revolución, sus cuadros se asemejan a vidrieras, con colores planos separados en celdillas y representaciones que están entre lo naif y lo cubista, acercándose a la abstracción. Se dice que su inspiración viene del cromatismo de los arcos de medio punto acristalados, propios de las casas de la isla y por lo tanto del sol. Es la autora del mural del...

VIVIR CON UN ICONO May07

VIVIR CON UN ICONO

Charles Eames definió el diseño como un plan que dispone elementos de la mejor manera posible para llegar a un fin específico; una expresión de propósitos que puede, si es lo suficientemente bueno, llegar a ser considerado como arte posteriormente. Desde primeros del siglo XX, mucho del diseño que nos rodea ha sido una expresión de ingenio que dio solución a problemas cotidianos; pequeñas revoluciones en la era industrial que han cambiado, en ocasiones para siempre, nuestra manera de vivir. Siempre que se habla de objetos de diseño nos viene a la mente mobiliario complicado, difícil de entender, elitista, pensado por y para una minoría moderna e intelectual. Entonces, ¿podría ser un vaso de agua un objeto de diseño? ¿Y la cafetera más vendida en el mundo? ¿Y un exprimidor de naranjas? La respuesta es un sí rotundo. Arquitectos, diseñadores e ingenieros crearon piezas que hicieron de nuestros hogares y lugares de trabajo sitios más bellos y cómodos. La exposición Vivir con un icono lo ha demostrado en el COAM (Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid). Cincuenta objetos que ya pertenecen al imaginario del siglo XX, expuestos sobre cajas de cartón de embalaje, como si un camión de mudanza acabara de llegar y hubiera que colocarlos en el lugar que corresponde. Porque sí, esto es arte, pero arte al servicio de nuestras necesidades más mundanas; desde sentarnos a trabajar, a echarnos una siesta, fumar un cigarrillo o desayunar un zumo de naranja y un café. Hagamos del mundo un lugar más bello y a la vez útil. Y también ecológico. Convirtamos una bicicleta en una confortable silla, la icónica Wassily de Marcel Breuer. Busquemos soluciones para cualquier espacio, como hizo el gran Lecorbusier; quien, por lo visto, era también muy austero y vivía en...

Mar y literatura: el noviazgo extraordinario May07

Mar y literatura: el noviazgo extraordinario...

Desde el 15 de abril, en el Museo Naval de Madrid, podemos asistir a una preciosa exposición: Hombres de la mar, barcos de leyenda. Arturo Pérez Reverte, escritor y académico, es el comisario y promotor de la muestra. Su amor por el mar, la navegación y la literatura, se dejan notar en cada uno de los espacios dedicados a barcos (reales o pertenecientes a una obra literaria y, por tanto, pertenecientes al mundo de la ficción), a marinos o a una etapa de la historia en la que el barco fue fundamental. Barcos que nos hacen recordar momentos inolvidables como el Victoria de Juan Sebastián de Elcano o el Titanic. Y barcos que nos hacen recordar esas lecturas que nos llevaron a lugares remotos, misteriosos y llenos de aventuras, como el Pequod de Moby Dick o el barco capitaneado por Jim Hawkins con el que descubrimos La isla del tesoro, el Hispaniola. El museo Naval de Madrid es, posiblemente, uno de los mejores museos de Europa dedicados al mar, a los barcos y a la historia que funde ambas cosas en el tiempo. Y -¡qué paradoja!- está en Madrid, una ciudad que tiene la costa a cientos de kilómetros de distancia. El que escribe tuvo la gran suerte de realizar la visita acompañado por uno de los guías voluntarios de la institución. Cada mapa, cada lienzo, cada pieza, cada cañón, es motivo de explicación, de una charla verdaderamente agradable. Un nutrido grupo de voluntarios preparadísimos, son los encargados de mostrar a los visitantes esta exposición y el resto del museo. Merece la pena contar con ellos. La exposición Hombres de la mar, barcos de leyenda sirve para hacer un recorrido por la historia. Desde Grecia hasta nuestros días. Pero, también, para realizar un recorrido...

LA ÚLTIMA CENA DE WARHOL Abr17

LA ÚLTIMA CENA DE WARHOL...

Aprovechamos la Pascua para ampliar la iconografía más convencional con inspiraciones contemporáneas, siempre polémicas, pero que aportan una vida nueva a la espiritualidad e investigan en el subconsciente piadoso de los comitentes y los artistas. Representa el papel de lo religioso en un mundo dominado por la publicidad y la cultura del capitalismo. Andy Warhol en una figura clave para comprender el advenimiento de la cultura pop a través de la modernidad. El récord de ventas alcanzado en mayo por la obra de Andy Warhol, Last Supper (Última cena), casi siete millones de euros, ha revolucionado el mundo del arte y puesto una vez más en el candelero cuestiones como el valor de la obra manufacturada, la escandalosa sobrevaloración de los autores contemporáneos frente a los clásicos, y la conciencia metafísica –si es que la hay- o la mercantilización de la pintura religiosa en la posmodernidad. Es la obra más cara vendida en Suecia nunca y su comprador permanece en el anonimato. Last Supper es una doble impresión sobre seda, recubierta de un color amarillo intenso que muestra, versionada, La última cena leonardesca. Forma parte de un importante corpus sobre ese tema, realizado por el artista americano semanas antes de su muerte en 1986, bajo encargo del galerista Alexander Iolas, para una exposición en el refectorio del Palazzo delle Stelline, situado frente al famoso Cenaculo Vinciniano, patrocinada por el banco Credito-Valltelinese. Está considerada por la crítica entre sus mejores obras, además de ser una de sus series más extensas que -aunque inacabada- aporta una visión retrospectiva, en clave religiosa, sobre la vida y la obra de Warhol. Se trata también de la mayor secuencia de iconografía cristiana realizada nunca por un autor estadounidense. Este trabajo está fuertemente influido por la colaboración de Warhol con...

MUERTE Y CRUCIFIXIÓN. LA PASIÓN SEGÚN PAUL DELVAUX Mar24

MUERTE Y CRUCIFIXIÓN. LA PASIÓN SEGÚN PAUL DELVAUX...

El Museo Thyssen de Madrid dedica una exhibición a un artista singular. Está hilvanada en torno a oportunos ejes temáticos que nos ayudan a entender su particular poética y acercarnos a una producción inquietante. Destaca la poderosa iconografía construida en torno a la Pasión de Cristo, polémica en el momento de su presentación, pero que podemos contemplar hoy bajo la luz de la espiritualidad o de la simple belleza plástica. En 1954 Paul Delvaux presentaba su Crucifixión en la bienal de Venecia desatando un escándalo monumental. Lo promovió el cardenal Angelo Roncalli, Patriarca de Venecia, que ascendería más tarde al Santo Solio con el nombre de Juan XXIII, por considerar esa obra herética y blasfema. El artista se defendió de las acusaciones diciendo que la idea de sacrilegio nunca había estado en su cabeza, sino que había sido puesta en la mirada de otros. El pintor decía buscar en los esqueletos una apariencia de misterio medieval, quizás profano, pero nunca profanatorio. Afirmó que había representado a los personajes sagrados como osamentas porque estas magnificaban la estructura misma de la vida con todas esas líneas, admirables como jaulas, a través de las cuales pasa una luz vivificante. Quizás no sea uno de los cuadros con los que más identifiquemos a su autor, pero es indudablemente una de las obras más poderosas del arte contemporáneo por su expresividad, por la resolución de sus colores, por el equilibro –efectivamente- entre lo sagrado del tema y lo profano de su tratamiento, así como por la intención cubista de su composición. Delvaux toma el esqueleto ciertamente de la iconografía barroca y medieval, se acerca a él con sus visitas a los museos de Historia Natural y profundiza en la creación de danzas macabras, descendimientos y santos entierros, además de...

Oysia: des-ocultar el cuerpo Mar24

Oysia: des-ocultar el cuerpo...

El Espacio GB (Facultad de Bellas Artes, Sevilla) inauguró el pasado jueves la primera muestra individual de la artista Mar Gascó (Tenerife, 1988), Oysia, un proyecto que nace del interés por explorar el cuerpo propio y los propios sucesos, pero que termina involucrado en la mirada, distante y analítica, que la ciencia arroja sobre el mismo. La exposición podrá visitarse hasta el 17 de Abril. En las dos últimas décadas el arte se ha abierto, definitivamente, a todo el presente que lo rodea, absorbiendo cualquier transformación en las dinámicas sociales y existenciales así como los continuos cambios tecnológicos; persiguiendo, incluso, formas de intuir el futuro de forma similar a como lo hace la ciencia, con la que tiene una cada vez mas estrecha relación. La obra de Mar Gascó, como la de otros artistas coetáneos, se nutre de procesos científicos y plásticos en la misma medida, forjando desde esta hibridación un discurso sobre la propia identidad y el cuerpo como su más palpable manifestación. Un cuerpo cuestionado y repleto de yoes, mutable y nunca definido, aunque indisolublemente unido a la experiencia vital y sumergido en sus propios mecanismos biológicos, a menudo desconocidos y desconcertantes. La obsesión por lo corporal en Gascó nace de su propia biografía, marcada tanto por el trauma físico y psicológico, como por un ciclo vital entre pasillos de hospital y operaciones de cirugía estética. Nace del contacto directo con el bisturí y los laboratorios, de la percepción sobre su cuerpo como algo extraño y modificable. Una forma de observarse que recrea el acontecimiento íntimo y personal, pero bañado por la fría luz que encontramos entre las blancas paredes de una consulta médica. De la misma forma, sus complicados procesos artísticos, que a menudo necesitan de infraestructura científica, parten de una...

Iconografía de la sinrazón Mar10

Iconografía de la sinrazón...

La iconografía nos remite a la representación de las imágenes de diferentes épocas para hacernos una idea acerca de la estética pero ¿qué ocurre cuando esta es destruida o se intenta borrar su rastro para siempre? Hace unas semanas que se difundió un episodio más, escenificado en el Museo de Mosul. Resulta difícil encontrar explicaciones a todas las expresiones de violencia. Cualquier esbozo de razonamiento suele verse entorpecido por toda una serie de sensaciones que nos dificultan intentar desentrañar la información ante la que estamos. Se ha escrito mucho acerca de este triste episodio y los videos que muestran las obras -sean todas originales o no, como se ha deslizado en algunos medios- siendo destruidas han volado por las redes sociales. No puedo evitar preguntarme por qué somos más sensibles ante estos hechos que ante la continua vejación de derechos humanos existentes en los diversos conflictos armados que asolan el planeta. No sé con exactitud si se debe a que estamos insensibilizados por el constante goteo de tragedias humanas que vemos con indolencia día sí día también o si, por el contrario, se debe a que nos resulta más fácil poder digerir un video de este tipo e indignarnos. Desgraciadamente, atentar contra el patrimonio cultural está ligado a la civilización, al igual que la violencia, el odio y el hecho de tener unas creencias, ya sean religiosas, económicas o raciales, que nos empujan a justificar lo sensatamente injustificable. Sucesos como los del museo de Mosul se llevan repitiendo desde los inicios de la sociedad y tampoco hay que remontarse mucho para recordar algunos similares como la voladura de los budas de Bāmiyān, en Afganistán, o la destrucción del puente de Mostar durante la guerra de la antigua Yugoslavia. La demolición de los símbolos ha...

Colección Aladar de arte contemporáneo. Arco 2015 Mar03

Colección Aladar de arte contemporáneo. Arco 2015...

Más de 600.000 € gastados en un solo día (imaginarios o virtuales si lo prefieren), en la visita a una de las ferias de arte contemporáneo más importantes del mundo, marcarían la irrupción de nuestra revista entre los grandes coleccionistas españoles, en una edición sin extravagancias. Nos presentamos en ARCO y tiramos la casa por la ventana Constituimos un museo virtual para nuestros lectores, irá creciendo, e informaremos puntualmente sobre su cotización. ARCO 2015 se desarrolla entre las quejas por el IVA cultural que arroja a los galeristas españoles bajo los pies de los caballos. Rafael Díaz, ANTIRRETROVIRALES 1, 2011. Fotografía montada en metacrilato, 1/5 + 2AP. 148 x 200 cm GALERÍA ÁLVARO ALCÁZAR, Madrid. 15.000 € Una obra de arte global donde se conjugan belleza plástica y técnica impecable. Se anticipó a la realidad en una investigación profundamente social sobre la asequibilidad de los medicamentos y el precio de la salud. El artista es también médico, salvadoreño, afincado en España desde hace catorce años. La honestidad del trabajo y su carisma, sitúan la imagen entre lo mejor de la feria. Son envases de medicaciones contra el VIH bajo campanas de vidrio. Julian Opie, CARP, 2014. Pantalla LED. 168 x 168 x 11,7 cm. GALERIA MARIO SEQUEIRA. Lisboa. 117.000 € En todos los corrillos se habla de él como del mejor stand de la edición. Los vecinos portugueses demuestran que son modernos en el sentido más profundo de la palabra: elegantes, innovadores y refinados. Apuestan con firmeza por un autor, arriesgándose; presentan una muestra espléndida de la que nos lo hubiéramos llevado todo. Hemos tenido que elegir, pero no hemos podido resistirnos a tres piezas. Ésta simula un banco de carpas -luminosas y minimalistas- que producen un efecto excepcional. Julian Opie, PEOPLE 18 (TBC),...

PINTURAS ACADÉMICAS DEL SALÓN DE PARÍS. MUSEO D’ORSAY Mar03

PINTURAS ACADÉMICAS DEL SALÓN DE PARÍS. MUSEO D’ORSAY...

La Sala Recoletos de la Fundación Mapfre en Madrid ofrece hasta el 3 de mayo una exposición que en su conjunto y concepción podría parecer carente de lo esencial y es que, tal vez, falta algo de sal o estilo en este planteamiento, quizás demasiado convencional. No obstante, algunas pinturas las salvaríamos sin duda, de la quema. Aladar se lo desgrana. Canto del cisne: dícese de la última obra o acción de una persona; también, y a pesar de que el cisne no canta ya que tan sólo emite un ronquido sordo, existe una leyenda de la que se hicieron eco Marcial y Virgilio, según la cual el animal emite un bello sonido como premonición de su muerte. Aclaramos estos términos por el hecho, tal vez decepcionante, de la propuesta que realiza la Fundación MAPFRE con respecto al concepto, pues se trata de un conglomerado de cuadros (donde siquiera, de diez a quince, responden menos claramente de lo que pudiéramos creer a la idea que tenemos del museo parisino, conocido por el gran público al albergar grandes obras impresionistas) provenientes de un entorno al que no pertenecieron grandes pintores de la época como Degas o Auguste Renoir, y, por lo tanto, cuyo nexo estilístico es la pertenencia de sus autores a una institución que nos figuramos, resulta parecida en su recorrido a la de los pintores que van por el Prado intentando copiar detalles de lienzos clásicos de Velázquez, Goya o Rubens; labor que, por otro lado, es menos desdeñable de lo que parece. Muchos de estos lienzos están además ejecutados sobre tabla, lo que quizás los haga susceptibles de encontrarse en el salón, sí, pero de la casa de un amigo. En todas las obras encontramos un dominio claro del dibujo sobre el...

Hagan juego Feb25

Hagan juego

Espacio California apuesta “Todo al rojo”, una exposición de trabajos recientes de Srger que podrá verse hasta el próximo 26 de febrero en este joven espacio sevillano. Exponer siempre supone un reto para cualquier artista pero resulta aún mayor cuando la trayectoria del mismo se desdobla entre la calle y la galería. La de Srger se configura desde el grafiti, siendo uno de los escritores más originales de la ciudad, y el estudio, donde desarrolla una actividad que abarca diversos campos como la fotografía, la instalación, el diseño o la pintura. Ambos aspectos confluyen en sus obras por lo que quizás, cuando uno ve los resultados surge la duda de cuánto hay de cada ingrediente en lo que vemos. La presentación del trabajo como apuesta se podría leer en varias líneas. En primer lugar un paso hacia delante para exponer sus últimas creaciones en solitario, puesto que lo que había venido exhibiendo hasta el momento había sido formando dupla con Lolo, con quien ha estado desarrollando un interesante mezcla entre las figuración y la geometría. Por otra parte está el guiño a los colores, rojo, azul y amarillo, como elementos del medallero olímpico, su asociación con el concepto de tiempo y la posible representación gráfica del mismo. Lo primero que salta a la vista es la renuncia a desarrollar sus creaciones dentro de los límites  acotados del lienzo o el papel, por lo que muchas de las obras se ven complementadas con trazos que se extienden por las paredes. Las propuestas de Srger tienden puentes, juegan, con el lugar en el que se enmarcan: junto a una columna surge otra y los huecos hacen las veces de marco de las composiciones. Un juego de mímesis y dotar de nuevos usos que sobrevuela el trabajo...

Violencia del objeto y residuos de una combustión social...

Reciente ganador de la beca Sevilla es talento, que otorga el Ayuntamiento de Sevilla en colaboración con la Fundación Valentín de Madariaga, Manuel Casellas presenta su primera exposición individual en Sevilla en la galería Weber-Lutgen. Una ocasión excepcional para acercarse al trabajo de uno de los creadores andaluces más interesantes y sorprendentes. Manuel Casellas es un tipo muy «sevillano» en la mejor acepción del «adjetivo», desprendido de cualquiera de los tópicos que a menudo nos identifican en esta ciudad (excepto de un beticismo que comparte quien suscribe), pero con la cercanía, desparpajo y accesibilidad que también nos define. No es la primera vez que hablamos de arte en torno a un café, pero aun así resulta extraño tratar de entrevistarlo. Son muchas las cosas en Casellas que se apartan del estereotipo, desde su trabajo, desconcertante en el panorama escultórico sevillano, hasta su primer acercamiento al arte y la educación artística, tardía según cánones, aunque quizás por ello madura desde el comienzo. «Podría acudir al tópico de que mi padre dibujaba mucho, es lo cierto, pero no creo que aquel fuera el origen de nada. Pasé por estudios de todo tipo y siempre me atrajo el dibujo técnico, por el orden, cuidado y limpieza que requiere. Acabé en la facultad de bellas artes de Sevilla, pensando en hacer diseño, pero allí contacte por primera vez con la escultura. Tenía 25 años y las ideas muy claras. Mi acercamiento al arte se produce a través de la materia y mi interés por las formas, siempre he tenido facilidad por el diseño  y quería investigar  desarrollándolo en el espacio, por ello me acerqué muy pronto a la obra de Oteiza y Chillida». Hemos bromeado alguna vez con que su obra no parece provenir de una ciudad en...

La conjura de la feminidad Feb25

La conjura de la feminidad...

Rodeada de Sátiros y Diablos se ve la ninfa; en las gratas mentes de los que saben andar entre el bien y el mal, siempre con una sonrisa, la ninfa disfruta del paisaje y el camino, de la charla y el conocimiento de unas mentes tan hermosas… su compañía es adictiva, tanto que no caerá en la cuenta que ella misma se convierte en diablo poco a poco en el transcurso del camino entre Sátiro y Diablo… azules, verdes, marrones o grises… se dibujan los caminos de Dafne… (Lola Montiel) ¿Por qué veintiún siglos después, la mujer “des- ninfa –da” sigue sin desacreditar el mito de Dafne y Apolo? Ariadna Pedemonte, Rosacruz Trigo y Lola Montiel se disponen a hacerlo con pistoletazos de arte desde el Espacio SUBLIMA, Asociación cultural, estudio y galería, que han conseguido fundar sin intercesiones. El malentendido comenzó con Ovidio, cuando en el libro I de su Metamorfosis nos describió el papel de una fémina, hija de Gea (madre tierra) y de su puñetero padre, Peneo (dios de los ríos) como prole de los dioses; sujeta a los designios de la naturaleza; y, simple objeto de deseo de los hombres. Tanto es así, que Dafne es perseguida por Febo (Apolo), porque Eros (Cupido) le había lanzado a él una flecha, que causaba amor, y a ella otra, que lo ahuyentaba del mismo. La ninfa le suplica a su padre que cambie su figura y éste va y le convierte hasta la eternidad, en árbol de laurel, al que Apolo promete adorar y hacer uso de sus brotes verdes, para condecorar las cabezas de los hombres honorables. Desde entonces, la imagen de la mujer perseguida y paralizada por la masculinidad se convirtió en una especie de conjura de necios que, en 2014,...

MARÍA JOSÉ CUMBRERAS, ALMA Y ESPÍRITU DE MARRAQUECH Feb10

MARÍA JOSÉ CUMBRERAS, ALMA Y ESPÍRITU DE MARRAQUECH...

Imagen: Panorámica de Djema-el-Fna Es un dédalo de calles donde la trama urbana se esconde en retazos de pasado y atisbos del futuro: vendedores, patios, jardines, sonrisas, carros, celosías, motoristas, montones de basura, teléfonos móviles, gatos y naranjas. Para los bereberes es “La tierra de dios”, allí se encuentra el norte con el sur, el desierto y los vergeles, las montañas con la llanura; la miseria, con una opulencia milyunochesca. Una pintora andaluza es parte y señal en la encrucijada. En su atelier de la medina, María José Cumbreras está terminando una pareja de lienzos encargados para decorar el riad de unos potentados suizos, son dos vistas diferentes del alminar de la Kutubía desde los jardines del Consulado de Francia. Los pinta aislada en su terraza del barrio de Ben Salah. Cuando llegó a la ciudad y se enamoró, hace catorce años, buscó ávidamente la vida de las calles y los pasajes de la kasbah para retratar trozos de vida. Luego, con el devenir del tiempo, sus composiciones se han ido haciendo más distantes, más espirituales, tomadas desde el apartamiento. Efectivamente, en estos años la pintora onubense ha ido penetrando en el alma intangible de Marraquech, profundizando en los motivos por los que esa escenografía, engañosamente inmutable, ha sido capaz de dar a la luz la intensidad de su paisaje urbano. Investigando en los orígenes después de hacerlo en sus consecuencias. De la primera época quedan fragmentos de un realismo social que la acercan a Claudio Bravo como el tríptico Los chicos de Merzuga, unos adolescentes con sus bicicletas entrevistos ante el vacío del desierto; o Las Puertas de la Vida, una composición muy personal, una fantasmagoría de personajes que acompañan una maternidad. Entre sus últimos trabajos, las panorámicas de Marraquech son espectaculares, se apoyan...

22 veces 100% Feb03

22 veces 100%

Imagen: Salomé del Campo.Durmiente y escaparate.2010-11 El Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla acoge, hasta el 5 de marzo, “Múltiplo de 100”, una exposición que cuenta con obras de Salomé del Campo, Victoria Gil y Pepa Rubio bajo el comisariado de Mar Villaespesa. Múltiplo de 100 es una revisión de 100%, un proyecto encargado por la Consejería de Cultura en 1993 con objeto de promocionar el trabajo de las artistas andaluzas en el marco del Día de la Mujer Trabajadora. De aquella iniciativa primigenia han salidos dos revisiones: Múltiplo de 100. Archivo feminismos post-identitarios, basado en la evolución del discurso feminista en las últimas décadas y la muestra que alberga el CICUS, centrada en obras de tres artistas que participaron hace más de veinte años en aquella exposición. La primera planta del antiguo convento contiene una generosa selección de obras, así como material de documentación para las mismas, bocetos y pruebas. Se agradece poder complementar los resultados finales con los procesos de creación, siendo de esta forma posible ver la transformación del modelo original en obra y enlazar con el trabajo en el taller, o de campo, de las artistas. Salomé del Campo parte de un realismo casi atemporal. Mediante el uso de tonos terrosos nos evoca una dignificación del trabajo que recuerda a aquellas esculturas de Meunier. El tríptico Telón alberga una segunda lectura sobre la asunción de roles o el uso del recurso del trampantojo como elemento que construye la realidad dominante. Obras como Jugando a la guerra o Durmiente y escaparate generan un acertado contraste entre la calma representada y lo que supone contemplar el fondo de la cuestión desde su evocación social o histórica. Los elementos preparativos para el mural La Nave, en una clave casi escenográfica,...

Una (de)construcción del paisaje Ene20

Una (de)construcción del paisaje...

Hasta el próximo 29 de marzo podrá visitarse “La construcción social del paisaje” en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, una muestra que aglutina a más de una treintena de artistas. Los fondos del CAAC, la Colección DKV y la Nueva Colección Pilar Citoler aportan las diversas ópticas desde las que se vertebra esta exposición. Recuerdo cuando, en la primavera de 2013, vino al Museo de Bellas Artes de Sevilla la exposición Rubens, Brueghel, Lorena. El paisaje nórdico en el Prado. Esas representaciones envolvían a quien las observaba, que se olvidaba por momentos de buscar el tema de la obra en cuestión, solo dejándose llevar por las atmósferas que sugerían las telas. Ahora el CAAC pone sobre la mesa una suerte de revisión con un título más que sugerente que puede ser analizado a través de diversos prismas: desde la reflexión sobre la acción antrópica a la historia que está imbuida en ciertos lugares, que nos habla de su devenir histórico marcado por la relación ser humano-naturaleza. Sobre la base de Juan Nogué por la que el paisaje vendría a ser “el resultado de una transformación colectiva de la naturaleza y (…) la proyección cultural de una sociedad en un espacio determinado”, se edifica esta muestra. Por un lado tenemos el concepto de Historia, traducido en qué nos transmite un determinado lugar en función de su memoria como telón de fondo de diversos acontecimientos. La fotografía es capaz de captar la calma tensa que pueden evocar los emplazamientos de conflictos bélicos, como vemos en los casos de Eduardo Nave o Bleda y Rosa en Prontuario, un archivo de fotografías actuales sobre textos de época de la Guerra de Independencia Española. Proyecto Catherwood, de Leandro Katz, pone énfasis en la evolución de diversos monumentos prehispánicos...

La epopeya del pueblo vasco Dic16

La epopeya del pueblo vasco...

Hurtados a la vista del público durante los últimos años debido a su restauración, que se llevó a cabo en el marco de la ampliación del Museo de San Telmo, los lienzos de José María Sert vuelven a asombrar al visitante. Los imponentes retablos están acometidos como una obra global en la que se entrelazan lo narrativo y lo plástico, componiendo una obra de arte monumental. Es uno de los tesoros escondidos de la capital donostiarra. En 1930 el Ayuntamiento de San Sebastián encargó a José María Sert, por recomendación del pintor Ignacio Zuloaga, once lienzos para la iglesia del convento de San Telmo, un edificio renacentista que la corporación municipal había adquirido veinte años antes con la voluntad de convertirlo en un museo. Desde el inicio mismo del proyecto, nace la idea de consagrar las pinturas a Guipúzcoa mediante la representación de los avatares del Pueblo Vasco. La idea se definió con las propuestas del secretario del Palacio del Mar, Sebastián Gómez Izaguirre, que pergeñó unos temas que el catalán aceptó e hizo suyos inmediatamente, desarrollándolos en su grandilocuente estilo habitual, en sepia, sobre carnaciones de oro enmarcadas por cortinajes purpúreos. Los grandes retablos son de una expresividad emotiva y heroica y dejan anonadado al visitante que se adentra a descifrar los temas sobre los que bascula el proyecto iconográfico. El maestro potencia los lienzos con unos recursos muy personales entre los que destaca la extravagancia de las composiciones, cada una de ellas adecuada al tema y al espacio en el que se situarán a la manera de una escenografía. Los personajes están habitualmente en escorzo, subidos miradores y en andamios como los equilibristas que tanto le gustaban, sus posturas se fuerzan al límite demostrando sacrificio y vigor. Las ideas compositivas vienen tomadas de...

EL ALMA CONDENADA DE BERNINI Dic09

EL ALMA CONDENADA DE BERNINI...

Una exposición en el Museo del Prado analiza los proyectos del artista en conexión con los encargos de la aristocracia y la monarquía españolas para la ciudad de los Papas. Nunca se había dedicado una muestra en nuestro país al genio italiano. Se puede ver por primera vez en España la escultura Alma condenada que refleja con toda crudeza el espanto de afrontar el infierno para toda la eternidad. Un retrato psicológico de tremenda intensidad, representativo del barroco. Tuve el privilegio de ver el Anima dannata en el Palazzo Monaldeschi de Roma, nuestra legación ante la Santa Sede y la Orden de Malta. El embajador, Eduardo Gutiérrez Sáenz de Buruaga, nos la señaló inesperadamente sobre una consola dorada. Estaba iluminada por un potente foco. Pudimos ver entonces el gesto de un rostro humano en el instante terrible, cuando prende en él la consciencia de su condenación eterna. Era el retrato mismo del horror, emergiendo de la penumbra barroca de la tercera antecámara. El busto es también un autorretrato de su autor, Gian Lorenzo Bernini. Ahora se da una oportunidad excepcional para que cualquiera pueda contemplarla junto con su compañera el Anima beata, que parece transportada al éxtasis al conocer el anuncio del paraíso. Son, sin duda, dos obras maestras de la escultura por la profundidad con la que el escultor supo captar las tensiones emocionales, capturar la violencia de las emociones y de los sentimientos congelada en un instante preciso. Las ánimas son un encargo del cardenal Pedro de Foix, probablemente para su tumba en San Giacomo degli Spagnoli y fueron talladas en mármol en torno a 1619. Son junto al busto del cardenal Scipione Borghese las obras principales -y lo único memorable- de una muestra menor, sin otras piezas destacadas, que a duras penas...

Salvar el cuadro de Della Francesca Nov18

Salvar el cuadro de Della Francesca...

La historia de la salvación del fresco de Piero della Francesca, La Resurrección es, al menos, sorprendente. Podría parecer que alguien hubiera querido relatar una historia imposible en la que violencia y arte se funden para conseguir un resultado emotivo, evocador y fascinante. Esta es la historia de la salvación del arte a través del arte, en plena Segunda Guerra Mundial, en medio del conflicto más infamante de la historia de la humanidad. El episodio se recoge en uno de los capítulos de la serie La vida privada de las obras de arte, de la BBC. Cuenta cómo en 1944, una compañía británica, la R.H.A, a cuyo mando se encontraba el teniente Anthony Clarke, se disponía a liberar el pueblo italiano de Sansepolcro, que suponían tomado por los alemanes. La orden que tenían era clara, así que la artillería se despliega, y comienza el bombardeo. Pero, en ese momento, recuerda de qué conoce el nombre de Sansepolcro: es el lugar donde Aldoux Huxley, en su libro A lo largo del camino, menciona que se encuentra nada menos que la pintura más bella del mundo: el fresco La Resurrección,  de Piero della Francesca, allí nacido. Y, con el recuerdo aún reciente de los daños sufridos por el monasterio de Monte Cassino (en cuyo bombardeo no participó, pero que le dejó profundamente desolado), toma una decisión arriesgada, y puede que hasta insensata: la de ordenar la detención inmediata de la ofensiva. De haber habido efectivamente tropas alemanas en la población, el riesgo era enorme. Podían haber caído, él y todos los que se encontraban a sus órdenes, en una emboscada. De haber salido vivo de ella, se hubiese ganado enfrentarse a un consejo de guerra con toda seguridad. Afortunadamente, tal y como les indicó, como pudo, uno...

Yves Saint Laurent y la subasta del siglo Nov18

Yves Saint Laurent y la subasta del siglo...

El primero de junio de 2008 moría Yves Saint Laurent, uno de los grandes de la moda. Tras su muerte, el compañero de toda una vida, Pierre Bergé, decidía dispersar una colección de arte que había sido un proyecto común. Quiso hacerlo en el gran estilo, mediante una subasta que se celebró en el Grand Palais de París. Fue la venta del siglo. La convocatoria de todos los records. Más de treinta mil personas hicieron cola durante tres días en los Campos Elíseos para visitar la instalación puesta en escena por Nathalie Crinière; hubo seis mil invitados, y compradores en línea desde los cinco continentes que desembolsaron 342 millones de euros por 733 lotes. Nunca se había pagado tanto en la venta de una colección privada en el mundo. Fue record mundial para una colección privada de arte impresionista y moderno alcanzando los 206 millones de euros; record del mundo para una colección de Artes Decorativas del siglo XX, con 59 millones; y marca única también para los objetos de orfebrería que alcanzaron los 20 millones. La subasta fue una aventura excepcional, para la que se recreó en el gran palacio de cristal de los Campos Eliseos la atmósfera de los apartamentos que tenía la pareja en la rue Babylone y la rue Bonaparte de la capital francesa, donde se acumulaban los objetos como en sendas cámaras de un tesoro. El acontecimiento sacudió el mundo del Arte.  El día previo a la venta el presidente de Francia y la primera dama, acompañados de las altas autoridades del Estado visitaban la exposición, como si de un banquete funerario se tratara, para honrar la memoria de un gran hombre. Porque eso es lo que pretendió Bergé, hacer un póstumo homenaje a un personaje fascinante y torturado...

Cristina de Miguel: El poder de la pintura Nov11

Cristina de Miguel: El poder de la pintura...

© Fotografía de Naroa Lizar Lejos de su tierra natal y bajo el inspirador aliento de la ciudad de New York, la artista Cristina de Miguel viene construyendo desde la lejanía uno de los discursos mas interesantes de la pintura andaluza emergente. Clausurada recientemente su última exposición individual en Freight + Volume y en vísperas de una nueva presentación en New Jersey, la artista nos habla de su pasión por el ejercicio pictórico. Me dijo un amigo hace tiempo que Sevilla era una ciudad perfecta para hacerse pintor pero no para trabajar de ello. Una sentencia bastante cierta a tenor de las generaciones de artistas que vemos nacer en esta soleada ciudad que terminan emigrando a tierras mas fértiles. Luis Gordillo, Miki Leal o Rubén Guerrero son ejemplos de un fenómeno que se hace cada vez mas evidente, sobre todo si fijamos nuestra atención en artistas mas jóvenes que realizan prematuramente el mismo periplo. Este es el caso de Cristina de Miguel (Sevilla, 1987) no muy habitual en los circuitos artísticos sevillanos porque desde 2011 reside y trabaja en New York. Puede haber sido cosa del destino (o de pertinente perspicacia), porque la pintura de Cristina, sencilla y directa, difícilmente hubiese encajado en su ciudad natal, tan proclive al ornamento. Al menos no con la naturalidad que parece hacerlo en aquella gran urbe habituada tanto a las grandes gestas expresionistas como al minimalismo. En todo caso hemos querido saber más de su experiencia fuera de España, asunto muy común hoy en día para todo tipo de profesionales, y conocer de primera mano su amor y respeto por esa espontanea inmediatez de la pintura que todo lo permite. «Pienso que la pintura está más viva que nunca y que hay gente joven haciendo unas cosas...