José María Sert, nuestro Miguel Ángel olvidado Oct21

José María Sert, nuestro Miguel Ángel olvidado...

Aladar se propone reivindicar con varios artículos la vida y la obra de uno de los artistas españoles más importantes del siglo XX que es, sin embargo, uno de los menos reconocidos. Su legado es extraordinario en todos los sentidos. Distintas razones ocultan tanto su personalidad como los importantes servicios que prestó a la cultura y a la sociedad española, pero sobre todo han dejado caer en el olvido una obra genial. Un tren atraviesa la campiña francesa a toda máquina en la oscuridad de la noche del 5 de septiembre de 1939, viaja con las luces apagadas para evitar los bombardeos alemanes en un momento muy difícil, hace tres días que los aliados han declarado la guerra al Tercer Reich y Francia moviliza a sus reservistas. Pero el pintor José María Sert, afincado en París desde hace años, ha hecho gestiones al máximo nivel para conseguir que se le dé prioridad a este convoy ante los trenes cargados de pertrechos militares que discurren hacia la frontera con Alemania. Todas las barreras de Francia permanecen levantadas. En esos vagones viajan las obras del Museo del Prado de regreso a España. El mundo contiene la respiración. Sert consiguió in extremis poner a resguardo un legado único. Llevaba años trabajando en ello, gracias a sus excelentes oficios consiguió la movilización internacional para poner a salvo la primera pinacoteca del mundo, que el Gobierno de la República había mantenido junto a sí en la desesperación de una huida incierta, primero a Valencia, después al Castillo de Figueras; porque bien lo había dicho Manuel Azaña “El Museo del Prado es más importante que la República y la Monarquía juntas”. Gracias, entre otros, a José María Sert los fondos del Prado se salvaron de los desastres de la guerra....

La palabra y el arte como arma de guerra Oct14

La palabra y el arte como arma de guerra...

Las guerras se ganan utilizando todos los recursos posibles. No sólo se lanzan misiles teledirigidos o toneladas de bombas de racimo para vencer al enemigo. La propaganda es un arma como otra cualquiera. En la guerra civil española, la dimensión de esa propaganda, convertida en cartel, fue extraordinaria. Artistas de todo tipo, de cualquier procedencia imaginable, se afanaron en lograr con su arte que la guerra avanzase en una dirección u otra. Hoy, esos carteles, son la muestra de un proceso bélico que nunca debió producirse y que nunca debería repetirse en ningún lugar del mundo. La guerra es una constante en la historia de la humanidad, un fenómeno social en el que dos bandos enfrentados luchan por su supervivencia envueltos por un número infinito de factores que pueden ser, por ejemplo, de carácter histórico, económico, armamentístico, estratégico o propagandísticos. Inopinadamente, la propaganda puede ser incluso más importante que otras variables más propias de lo militar, llegando a inclinar la balanza a favor de quien haga un mejor uso de ella. Las palabras pueden llegar a tener la misma fuerza que las armas. La propaganda de guerra se dirige, en un primer momento, a los oficiales para levantar la moral de la tropa; a la propia tropa; pero, también, al enemigo, en la llamada guerra psicológica, y a los neutrales, para impedir que se alíen con el bando contrario. La propaganda fue un arma fundamental en la I Guerra Mundial, pero, por su carácter ideológico, en la Guerra Civil española llego a ser aún más relevante. En concreto, el cartel propagandístico tuvo uno de sus momentos más intensos en el arte popular. Hasta la aparición de la televisión, nunca antes se había producido en la historia tal manifestación masiva de arte bélico y político,...

Uniendo miradas Oct07

Uniendo miradas

Desde el 8 de octubre, Arpa (Asociación de Rehabilitación y Prevención de Afasia) expone, en sus instalaciones de Sevilla, las obras cedidas por varios autores con el fin de informar sobre lo que es la afasia, sus consecuencias y las posibles formas de atajar el problema. Otro objetivo de Arpa es recaudar fondos para la asociación y, de este modo, poder atender las necesidades de todas aquellas personas que padecen una secuela que les impide desarrollar una vida dentro de la normalidad. La exposición, lógicamente, tiene un carácter puramente solidario y Aladar se suma a la difusión de las intenciones de Arpa y a la de las obras expuestas. La muestra podrá visitarse hasta el próximo 31 de octubre. El lenguaje es la herramienta fundamental que tiene el ser humano a su alcance para poder convertirse en un elemento social. A pesar de existir diversas formas de comunicación, la palabra sigue siendo fundamental en la vida de las personas. Sin lenguaje cualquiera de nosotros quedaríamos excluidos del grupo sin remedio. Esta es la razón por la que una secuela como es la afasia se convierte en uno de los problemas más crueles que podemos imaginar. En España, unas 75.000 personas al año, generalmente tras sufrir un ictus o un traumatismo severo, pierden la capacidad de comunicación verbal con el resto de personas que forman su entorno. A eso se le llama afasia, un problema mucho más común de lo que se pudiera llegar a sospechar. Desde el día 8 de octubre, la asociación Arpa (Asociación de Rehabilitación y Prevención de Afasia) expone en sus instalaciones de Sevilla la muestra Rompiendo Silencios, una serie de obras donadas por distintos artistas que serán subastadas el próximo 31 de octubre al finalizar la exposición. Los fondos serán...

CÓMO DESCUBRIÓ AMÉRICA LA LUZ DE SOROLLA Oct07

CÓMO DESCUBRIÓ AMÉRICA LA LUZ DE SOROLLA...

La Fundación Mapfre de Madrid provoca una mirada notable sobre la carrera de Joaquín Sorolla en los Estados Unidos, una ocasión excepcional para ver reunidas obras que están dispersas por el mundo. La muestra pone en contexto el encargo para la Hispanic Society, en Nueva York, una de las embajadas oficiosas de la cultura española en el mundo, fundada por un enamorado de nuestro país y nuestras costumbres. Entre 1913 y 1919 Sorolla pinta la obra emblemática de su carrera artística, la Visión de España, para la biblioteca de la Hispanic Society of America, una colección de lienzos de grandes dimensiones que ofrecen un panorama de todas las regiones españolas. La serie se pudo ver en nuestro país en 2009 aprovechando los trabajos de restauración de la sede de la sociedad en Nueva York. Ese conjunto no se puede considerar aislado, sino que debe ser considerado en el marco de la intensa relación de viajes y de encargos que el pintor valenciano obtuvo en los Estados Unidos en los inicios del siglo XX; y eso es lo que hace la actual exposición de la Fundación Mapfre en su sala de exposiciones de Madrid. Sorolla había conocido a Archer Milton Huntington en Londres en 1909 y ese encuentro provocó dos exhibiciones sucesivas de sus cuadros en tierras americanas; para la primera, que recorrió Nueva York, Boston y Búfalo llevó trescientas cincuenta y seis obras que tuvieron un gran éxito de ventas que se reprodujo dos años más tarde en una gira por Chicago y San Luis. De ahí surgió el contrato para la Hispanic Society –fundada por Huntington-y la promoción del pintor como el artista español más célebre en los Estados Unidos, donde se consagrará como retratista de la alta sociedad. Antes de esta expansión...

Las batallas de Fortuny Sep23

Las batallas de Fortuny...

(Vista de Tetuán, Marià Fortuny. MNAC) El pintor Mariano Fortuny fue comisionado por la Diputación de Barcelona para dejar testimonio de los hechos heroicos del cuerpo de voluntarios catalanes del ejército español en la guerra de Marruecos. La batalla de Tetuán es la pintura militar más destacada después de Goya. El viaje con las tropas implicó para el artista una catarsis artística y personal que produjo su iniciación en la vía del orientalismo. Cuadros, bocetos y estudios preparatorios de las pinturas marruecas se reparten entre el MNAC de Barcelona, el Museo del Prado y los museos de Reus. El seis de febrero de 1860 las tropas de ejército español, al mando del general Leopoldo O´Donell, Presidente del Consejo de Ministros, entraban en la plaza fuerte de Tetuán. La ocupación fue un movimiento estratégico en la guerra hispano-marroquí, iniciada por el gobierno de Isabel II para frenar los hostigamientos de las guerrillas rifeñas sobre las ciudades de Ceuta y Melilla, y reforzar la posición española en el norte de África. En la marcha sobre la fortaleza marroquí fue decisiva la actuación del cuerpo de voluntarios catalanes al mando del general Juan Prim. Con motivo de las escaramuzas militares, la Diputación de Barcelona, que había tomado a sus expensas el coste de la fuerza expedicionaria catalana, encargó a Mariano Fortuny una pintura conmemorativa de gran formato inspirada en el cuadro de Horace Vernet La batalla de Smala (1844) actualmente en el Palacio de Versalles. Se buscaba de esa manera trazar un paralelismo con la labor colonizadora de Francia en Argelia, así como fijar el espíritu patriótico y nacionalista que había conseguido concitar el gobierno liberal español con su intervención en Marruecos. (La batalla de Tetuán, Marià Fortuny. MNAC) La batalla de Tetuán (1865) se vuelve a...

El cielo replicante Sep23

El cielo replicante

En la película de Ridley Scott, Blade Runner, los replicantes (esos seres artificiales que eran capaces de todo y creían tener un alma como la de su creador) se revelan contra el hombre. ¿Tienen los objetos tecnológicos un cielo o un infierno? ¿Forman parte del cielo o del infierno de los seres humanos que tanto dependen de ellos? Daniel Canogar presenta Small Data, una pequeña muestra que puede lograr grandes reflexiones en los visitantes. «¿Sueñan los androides con ovejas electrónicas?» ¿Hay vida después de la desactualización? ¿Dónde va la tecnología cuando es retirada? Lástima que no pueda vivir, pero ¿quién vive?. La trascendencia existencial tecnológica ya existía a comienzos de los ´80, cuando se profetizaba en la película Blade Runner un mundo en el que los replicantes se volvían en contra de su dios, el hombre; un mundo tecnológico en el cada uno tenía su función y pronto pasaba a ser obsoleto; en definitiva, un mundo gris lleno de basura electrónica. Bienvenidos al reino del cyberpunk. El artista Daniel Canogar parece creer que sí hay vida después de que un aparato tecnológico deje de funcionar o simplemente sea sustituido por otro más moderno. Muchos reciclan -podría ser esta una manera de hacerlo-, pero va un poco más allá, busca reanimar lo inanimado. Incluso, su obra tiene un cierto carácter ético, existencial y, por qué no, espiritual; queriendo ir más allá de la muerte de dichos aparatos, les da vida y muestra sus secretos, recordándonos a todos que, en algún momento, tuvieron una funcionalidad y que nuestras vidas humanas no se podían concebir sin ellos. Pero Canogar no se un artista cyberpunk, sus obras son mucho más dulces, más naif, con el toque humano que tendría un replicante, sin sentimientos en sí mismo, pero capaz...

CARMEN, COLECCIONISTA DE BELLEZA Sep16

CARMEN, COLECCIONISTA DE BELLEZA...

La baronesa Thyssen-Bornemisza expande sus colecciones de pintura por todo el territorio español. El museo de la calle de la Compañía, en Málaga, es una joya de arte y arquitectura. Hasta mediados de octubre el museo presenta además exposición sobre uno de los artistas más destacados de la colección, el asturiano internacional Darío de Regollos. El nombre de Carmen Thyssen está marcado en nuestra historia cultural y ahí se va a quedar. Inevitablemente. Mientras que el de otras muchas personas o personajes que no nos abandonan en las redes y los medios de comunicación pasarán al olvido, fútiles. Afortunadamente será así. Carmen es una coleccionista del siglo XXI, acumula, disfruta y gestiona su patrimonio pictórico a la manera de los mecenas anglosajones. Muy activa en el mercado del arte -y suponemos que excelentemente asesorada- sus colecciones dejan ver, detrás, un espíritu insobornable, su gusto personal, riesgo en las decisiones y la voluntad férrea de articular sus museos sobre firmes ideas rectoras. Actúa también como prestamista, receptora y –en fin- divulgadora. El Museo Carmen Thyssen de Málaga es un buen ejemplo, un compendio de Arte Español, pequeñas obras maestras de artistas españoles activos en su mayor parte a partir del siglo XIX. Se une a sus gestiones para que la colección familiar se quedara en España bajo paraguas de la Fundación Thyssen-Bornemisza, a la muestra complementaria de su compilación personal en el madrileño paseo del Prado, a las obras depositadas en el Museo Nacional de Arte de Cataluña y al futuro museo de pintura catalana en San Feliu de Guixols. Con la colaboración de los organismos públicos –el Ayuntamiento de Málaga- y la cierta polémica que siempre los rodea, los fondos están instalados desde hace ya tres años en el Palacio de Villalón, en torno a...

El televisor de Picasso Sep09

El televisor de Picasso...

Una exposición en el Museo Picasso de Málaga analiza la relación y las influencias que el artista malagueño recibió con la generalización de las emisiones televisivas. Se muestran obras en conexión con el tema analizado, especialmente grabados pertenecientes a la serie de la Suite 347 además de audiovisuales de la época y algunas pinturas al oleo. En 1937 comenzaron las primeras retransmisiones televisivas en Francia y el Reino Unido. El desarrollo de este nuevo medio de comunicación -capaz de impactar por primera vez en las masas de una manera decisiva y simultánea- será vertiginoso. A pesar de los problemas tecnológicos y de los precios relativamente elevados de los aparatos receptores, la televisión será recibida  como un acontecimiento expansivo y global. Pocos son los estudios encaminados a analizar la colisión del nuevo invento con las artes del siglo XX, aunque queda claro, en orden a la evolución de los mundos plástico y escénico, que nada continuará siendo lo mismo. Aparece un nuevo lenguaje que lo modificará todo. Pablo Ruiz Picasso es uno de los primeros artistas globales a los que la televisión encumbra, promociona, utiliza y digiere, pero también influye. El pintor había recibido las primeras emisiones con el escepticismo de ver a personajes que no le decían nada, más tarde su esposa Jacqueline adquirió un aparato que instaló en la residencia de Nôtre-Dame-de-Vie, en Mouguins,  para entretener el tiempo que su marido dedicaba a trabajar. Poco a poco, el genio español fue encontrando retrasmisiones que le entretenían y le interesaban: primero fue la difusión de una de sus exposiciones parisinas, luego sería la boda de la princesa Margarita de Inglaterra; después vendrían el circo, las producciones que le transportaban a otras épocas –como la de la Francia de los tres mosqueteros de Dumas- y...

EL BANQUETE DE LOS VICTORIANOS. DÍAS DE VINO Y DE ROSAS Sep02

EL BANQUETE DE LOS VICTORIANOS. DÍAS DE VINO Y DE ROSAS...

La madrileña colección Thyssen-Bornemisza prorroga la exhibición de  las obras maestras de la pintura victoriana pertenecientes al millonario mejicano Juan Antonio Pérez Simón. Es una ocasión singular para estudiar una corriente que está ausente de los museos españoles. Algunos de los cuadros son obras maestras jamás vistas en nuestro país y representan en conjunto todas las tendencias artísticas, desde los prerrafaelitas hasta las primeros simbolistas. La primera vez que me enfrenté a Las rosas de Heliogábalo supe que me encontraba ante una imagen poderosa que no me abandonaría nunca. Fue en Ámsterdam en 1997 y fue casual. No conocía ni al pintor ni su obra, ambos se manifestaron súbitamente en la planta superior del museo Van Gogh reservada para las exposiciones temporales cuando ya tenía la mente saturada de pinceladas impresionistas. El gran óleo de Lawrence Alma-Tadema me fascinó por su gran formato, por lo novedoso de su concepción y el atrevimiento de la propuesta, por la calidad de la pintura y lo sugestivo del tema. Cuenta la Historia Augusta que el emperador Heliogábalo «empleó el toldo de una sala de banquete para hacer caer en abundancia violetas y otras flores sobre los cortesanos de tal manera que ellos, incapaces de salir a la superficie, murieron ahogados». En la Era Victoriana la pintura vivió un momento de auge en el Reino Unido. Se debió sobre todo al incremento de los coleccionistas, enriquecidos por la actividad económica, y deseosos de darse una pátina de cultura; también al desarrollo del mercado donde ganaron importancia las figuras de marchantes y galeristas así como a la vitalidad de las instituciones artísticas y de las academias. Durante más de cien años la pintura Victoriana –como sucedió con el estilo pompier en Francia o los historicistas españoles- quedó relegada al...

Un pequeño síndrome de Stendhal Sep02

Un pequeño síndrome de Stendhal...

El arte pop inundo el universo allá por los años 50. Warhol, Lichtenstein, Ritcher o Equipo Crónica, comenzaron a ordenar al arte mundial utilizando medidas nunca antes vistas. Ahora, en el museo madrileño Thyssen-Bornemisza, se puede visitar una exposición que, aunque deja un sabor agridulce y puede no cubrir todas las expectativas del público, merece la pena. Los más pequeños pueden tener un primer contacto con el mundo del arte al encontrarse con personajes que reconocen y con los que empatizan fácilmente. El Pop Art surge, durante la década de los 50, en Inglaterra y Estados Unidos como una reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, usando en contraposión imágenes de la sociedad de consumo y la comunicación de masas, dándoles un sentido diferente hasta lograr una postura estética crítica con el arte. La cultura Pop es el resultado de un estilo de vida, de la democracia, la tecnología, donde cualquier objeto deja de ser único para pasar a producirse en serie. Y surge un movimiento de estilo desnudo, mecanizado e impersonal, que eleva objetos cotidianos a obras de arte apoyándose en la estética. El dadaísmo, la publicidad, el fotomontaje y el collage son las grandes influencias en el  Arte Pop, que más allá de lo visual, esconden una irónica percepción de la realidad, una crítica de la sociedad de consumo de la que se retroalimenta. El artista pionero fue Richard Hamilton y su obra «¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?». Roy Lichtenstein y sus composiciones salidas de viñetas de cómic, Tom Wesselmann y la sensualidad como reclamo publicitario, y Andy Wharhol y sus famosas series, forman el Olimpo de los artistas pop. A nuestro país llegaron estas influencias, aunque, como tantas veces, no se...

Un palacio flotante a la deriva de la memoria Jul29

Un palacio flotante a la deriva de la memoria...

El hecho de que la nave capitana de la Santa Liga en la Batalla de Lepanto fuera construida en las Atarazanas de Barcelona pero posteriormente trasladada a Sevilla para su ornamentación por los más destacados artistas de la época es poco conocido. La historiadora Emma Camarero lleva más de veinte años tratando de hacer llegar al gran público la investigación que puso de manifiesto todos los detalles relativos a la decoración de la Galera Real en el puerto hispalense y a su pérdida en la legendaria confrontación con la flota del Imperio Otomano en aguas del Golfo de Lepanto. Hace exactamente veinte años, una joven licenciada en Geografía e Historia acariciaba en un estante el lomo de un libro que marcaría en buena medida el rumbo de su vida. En el estudio del profesor Lleó Cañal sobre mitología y humanismo durante el Renacimiento en la Sevilla que se dio en llamar ‘Nueva Roma’ aparecía una referencia a la que probablemente habría sido el más fabuloso navío de guerra construido jamás, y no solamente por su potencial bélico, sino también por su simbología de raíz mitológica y su profusa ornamentación. Aquel buque fastuoso era la nave capitana de la Santa Liga en la Batalla de Lepanto: la Galera Real de Don Juan de Austria. Emma Camarero (Cádiz, 1971), leyó fascinada los párrafos en los que el autor hablaba de aquel barco que se convirtió en leyenda en la lucha en el Golfo de Lepanto, y decidió investigar sobre el programa de ornamentación de la galera, que se llevó a cabo en el Puerto de Sevilla, y que fue concluido justo cuatro siglos antes de que ella misma naciera. La importancia histórica del episodio fue una de las motivaciones que llevaron a la joven historiadora a...

El artista del viento Jul29

El artista del viento...

Cesar Manrique es una de las figuras más destacadas del arte en el siglo XX por su excepcionalidad, por su trabajo de artista global y por el sentido ético y profundamente moral que emana de su obra, cercana a la naturaleza. En pocos lugares, como en Lanzarote, se hace tan presente la identificación de artista y territorio. Una presencia que se mantiene en el tiempo y que forma parte del espíritu y de la idiosincrasia de la isla. Lanzarote inspiró al genial autor por medio de las fuerzas desencadenadas de la naturaleza que la levantaron sobre las aguas: tierra, viento y fuego. Investigó sobre esos elementos primordiales, después viajó y se preparó fuera de España para comprenderlas mejor y para participar de las vanguardias que cambiaban el mundo del arte. Regresó para pagar su tributo. Gracias a Manrique, la isla canaria es conocida en el mundo, su medio ambiente no se ha prostituido del todo y permanecen felizmente las obras que convierten el lugar en experimento excepcional. Cesar Manrique nació en 1919 en un barrio de la capital isleña, Arrecife y pasó su infancia bajo la influencia del mar, la arena y el viento de Lanzarote. Pasó por la universidad de La Laguna, intentando, al menos, el estudio de una arquitectura convencional que desbordaría con su talento. No terminó la carrera y recaló en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid, donde se graduó como profesor de arte y de pintura. Pero el revulsivo para su definición como artista global llegó en Nueva York en los años sesenta, allí entró en contacto con la vanguardia internacional y comenzó a sentir una nostalgia de la isla que no le abandonaría nunca. En la ciudad de los rascacielos presintió a los hombres como...

Teatros Romanos de Andalucía: Los pilares de lo que somos Jul22

Teatros Romanos de Andalucía: Los pilares de lo que somos...

Baelo Claudia (Tarifa, Cádiz), Itálica (Santiponce, Sevilla) y el teatro romano de Malaca (Málaga) son los enclaves en los que se representarán las obras elegidas por la Junta de Andalucía que forman parte de la propuesta que se ha llamado Teatros Romanos de Andalucía. La riqueza arqueológica de cualquiera de los tres es inmensa.  Aunque superficiales y muy breves, estas notas pueden servir de pequeña ayuda al que los visite con motivo de las representaciones teatrales. Las legiones romanas añadían un grupo de actores entre sus filas para que amenizasen el viaje hasta las provincias, el antes y el después de la batalla o la estancia de los militares en tierras lejanas y hostiles. En el peor de los casos, eran los propios legionarios los que se subían a un escenario (seguramente tres o cuatro tablas) para interpretar comedias o tragedias que les hicieran olvidar las calamidades del camino o la espada enemiga al acecho. Así de importante era el teatro en Roma. Incluso la grandeza de las ciudades se medía, entre otras cosas, por la construcción de un teatro o por la carencia del mismo. Los teatros romanos no eran un edificio más. En ellos se representaban comedias y tragedias, pero (lo más importante) se representaba la sociedad entera. Los estamentos sociales se retrataban uno por uno. Era tan importante que en la Lex Ursonensis se pueden encontrar tres capítulos dedicados al control de asientos. Estos se asignaban a decuriones, magistrados y ciudadanos con derecho adquirido. Las vestales se colocaban en la parte alta; la plebe llenaba la media cavea (esta es la estructura semicircular que tan acostumbrados estamos a ver en este tipo de construcciones y que, seguramente, muchos conocen como grada); tenían su lugar libertos, esclavos imperiales y collegia profesionales. El...

JOSÉ TAPIRÓ. PINTOR DE TÁNGER Jul09

JOSÉ TAPIRÓ. PINTOR DE TÁNGER...

Museo Nacional de Arte de Cataluña Barcelona, 17 de abril a 14 de septiembre de 2014 El siglo XIX extendió la moda de lo oriental. El norte de África, el Imperio Otomano y los Balcanes fueron visitados, dibujados, manufacturadas sus imágenes a través de tópicos y de leyendas como las de los bandidos, el harén y sus odaliscas, el desierto con sus ruinas inescrutables, las caravanas. En ese momento, España todavía formaba parte de ese mundo exótico que recorrían los viajeros del norte de Europa. Eran sobre todo Castilla y Andalucía, en ésta los vestigios de la dominación de omeyas y nazaríes, en su presente encontraban la etnicidad del folclore, de las indumentarias y la música. Según el sur de la península se hacía cada vez más accesible, los artistas volvieron el rostro hacia Tánger, la puerta de África, el único lugar del sultanato donde los viajeros eran permitidos sin restricciones. Una ciudad con una luz diáfana que devino parada obligatoria para la navegación tras la apertura del Canal de Suez convirtiéndose en crisol de culturas. El sitio que encerraba todo el imaginario de lo singular y el espíritu de Al-Ándalus. El Museo Nacional de Cataluña profundiza en sus colecciones orientalistas y continúa explorando una conexión que inició con la revisión de Mariano Fortuny, a raíz de la interesante exposición que presentaba hace unos meses en torno a una de las obras maestras de la institución, La batalla de Tetuán. Lo hace uniendo a las acuarelas que posee del pintor reusense José Tapiró otras procedentes de diferentes instituciones, nacionales e internacionales, entre ellas de los fondos del Museo de Arte Orientalista de Doha o el Dahesh de Nueva York, o del madrileño Círculo de Bellas Artes. Se continúan explorando de esta manera las circunstancias...

LA EMBAJADA KEICHŌ Jun24

LA EMBAJADA KEICHŌ

El año pasado se cumplieron cuatrocientos años de la Embajada Keichô, la primera misión diplomática y comercial japonesa en España. Con ese motivo, diferentes organismos culturales vienen organizando muestras y conferencias dentro de las celebraciones del Año Dual España-Japón. En una microexposición, la Biblioteca Histórica de la Universidad Complutense de Madrid presenta un hermoso mapa del archipiélago de Japón de Abrahan Ortelius, impreso en Amberes en 1602. Forma parte de la destacadísima colección japónica de la institución, compuesta por rollos, libros y archivos fotográficos. Colección Japónica Biblioteca de la Universidad Complutense Madrid. 2 de junio a 30 de septiembre 2014 Es el pretexto para recordar un acontecimiento destacado que convirtió a Sevilla en la capital del mundo –en todo el mundo más conocida ilustre ciudad de Sevilla– sede del encuentro entre dos culturas. En el siglo XVII, ávido de adelantar su poder y su prestigio, uno de los señores feudales de Japón, Date Masamuno, daimyo de Sendai, toma bajo su responsabilidad el libramiento de una legación diplomática ante las cortes de Felipe III y el Papa Paulo V. Es así como el 28 de octubre de 1613 el samurái Hasekura Tsunenaga fue puesto al frente de un séquito de más de ciento cincuenta personas entre soldados, comerciantes, consejeros y sirvientes que salieron del puerto de Tsukinoura hacia Acapulco, siguiendo la ruta del Galeón de Manila. Esta era una de las líneas comerciales más largas que han atravesado el planeta y permaneció en funcionamiento durante cuatro siglos. El Galeón, que podía albergar mil personas y desplazaba dos mil toneladas, era el barco más grande que se había construido hasta el momento, salía dos veces al año de Filipinas cargado de especias, porcelana, seda, lacas y marfil, y arribaba a Acapulco en un viaje de cuatro...

Muerte en Oriente Jun10

Muerte en Oriente

El viaje a Oriente en el que muchos pintores, grabadores y fotógrafos inspiraron sus obras, imponiendo la moda del orientalismo, le sirvió a Agatha Christie como materia para algunos de sus trabajos como, por ejemplo, Asesinato en el Orient Express o Muerte en el Nilo. Allí conocería además a su marido, el arqueólogo Max Mallowan. Una mirada a la obra de Chistie nos hace reflexionar sobre lo efímero del tiempo y la importancia de la elaboración de la ficción. Iyi aksalmar. Buenas noches. Encerrados en sus compartimentos de primera clase, los pasajeros del Taurus Express con destino a Mesopotamia escuchan el saludo de los asistentes de cabina, con la emoción contenida, mientras el convoy abandona la estación de Haidar Pasha y se desliza a toda máquina junto al Cuerno de Oro. Atravesarán la noche envueltos en una nube de vapor en camino hacia Alepo, al hotel Baron. Algunos de ellos van más lejos y  tendrán que cambiarse a un precario autobús para llegar a Damasco primero y después a Bagdad, porque la vía aún no está terminada. Un periplo que la publicidad de la Compagnie International des Wagons-Lits et du Tourisme, que explota la línea, resume muy bien en sus carteles publicitarios: Londres-Bagdad en 8 días. Seguridad. Rapidez. Economía. Agatha Christie, célebre escritora de novelas policiacas, ha descansado unos días en el Hotel Tokletian del viaje extenuante en el Orient Express que le ha llevado primero a París y después, a través del paso suizo de Simplón, hasta Venecia y Estambul. Ahora se dispone a cumplir una etapa más en una incursión que la conducirá a Irak y desde allí a Palestina y Egipto. Durante ese viaje épico realizado en 1928, la escritora visita las excavaciones de la ciudad caldea de Ur, dirigidas por...

ANDREA DOMÍNGUEZ: RETRATISTA DE EXPRESIONES May28

ANDREA DOMÍNGUEZ: RETRATISTA DE EXPRESIONES...

Cuando conocí a Andrea era una de dos. Ágata y Andrea eran dos gemelas que ocupaban dos asientos en mi misma aula de la facultad de Comunicación de Sevilla; pero llega un momento en la vida, en el que una tiene que buscar su propio camino. Esta joven de veintiún añitos tiene claro cuál es desde sus primeros reyes: los lápices de colores. Y he leído por ahí que tener una caja de lápices de colores es lo más parecido a tener un trocito de arcoíris. Quizá sea ésa la razón que alentó a Andrea a crear imaginativos trazos de crayón. La época de Instituto se la pasaba dibujando como si nada y como si todo, porque algunas las sacó gracias a sus originales creaciones, «en la asignatura de “Proyecto Integrado” nos mandaron la lectura de Los Pilares de la Tierra y entregué un dibujo de la Catedral. Así aprobé». Pero ¿cómo es eso de que después de pasar por el Bachillerato de Artes no te metiste de lleno en esta carrera y te fuiste a Comunicación Audiovisual? «Rechacé la plaza en Bellas Artes porque no quiero que algo que me guste se convierta en una obligación y acabe perdiendo la magia que tiene. Prefiero aprender menos, con mi ritmo, con mis métodos. Es como me va bien». La palabra autodidacta puede parecer ambiciosa, pero cuando echas un mero vistazo a sus retratos no transmiten esfuerzo sino facilidad. Todo aprendiz de brujo tiene cierta virtud innata y la de ella, además, está trabajada. Algunas madrugadas, cuando sus compañeras de piso de estudiantes están de regreso, «pero todavía dibujando Andrea». Y no se queda sentada en el asiento. No para de buscar espacios para exponer su obra. Su estreno fue en el café Central de...

Splendide Hotel: Un acuario fuera de tiempo May28

Splendide Hotel: Un acuario fuera de tiempo...

SPLENDIDE HOTEL Dominique Gonzalez-Foerster Palacio de Cristal 13 de marzo a 31 de agosto de 2014 El arte debe mover a la reflexión. Provocar sensaciones. Utilizar, a veces, la llave de lo inesperado. Dominique Gonzalez-Foerster convierte el madrileño Palacio de Cristal en la emoción sorpresiva de uno de los grandes hoteles de la Belle Époque con una instalación sucinta pero provocadora. El espacio en sí mismo aporta muchos de los ingredientes: la luz, que atraviesa los vidrios del recinto creando una caja irregular y luminosa; la vegetación que la envuelve y nos traslada a un ambiente eternamente primaveral y suntuoso. Integrado pero aislado de la naturaleza, un privilegiado mirador. Ese lugar es portentoso para la impresión de lo artístico, sobre todo cuando se recogen estas cualidades con humildad en vez de esconderse de ellas. Añade la artista una sola habitación cerrada, imitando los materiales del edificio, hierro y estuco, con una fantasiosa alfombra inglesa de inspiración oriental y motivos haussmanianos, un espacio aislado al que no se puede acceder, aunque el letrero luminoso que cuelga sobre el atrio del invernadero nos da ha dado su tono y su lectura: Splendide Hotel. Lujoso, encantado, inaccesible y remoto. Exótico por su desmesura e inesperado en el corazón del parque del Retiro. Por aquí y por allá, al público se puede acomodar –y se acomoda- como en una veranda, en las mecedoras Rock Chair de Thonet para acunarse. Cada una de ellas lleva prendido un volumen que es una recopilación de lecturas en diferentes idiomas. Similares sillones se encontraban en el apartamento de Dostoievski. La clave de la exposición gira en torno a una fecha: 1887, en ese año Ricardo Velázquez Bosco diseñó y construyó el Palacio de Cristal para la Exposición General de las Islas Filipinas...

Las Dueñas de machado May20

Las Dueñas de machado...

Nací una noche de julio de 1875 en el célebre palacio de Las Dueñas, sito en San Juan de la Palma, rodeado de templos y de espadañas con campana, cuyos sones musicales recuerda mi corazón. Aquella luz de Sevilla. Aquel rumor de fuentes. Transcurrió mi infancia junto a un patio y un huerto donde madura el limonero. Pocos días después de reconstruir su recuerdo con estas frases, Antonio Machado moría en la soledad del exilio, en Francia, conservando después de sesenta años el fulgor de esos siete patios con palmeras que marcaron su niñez. No hay sevillano que no sepa que el poeta se crió en unas dependencias de Dueñas que en aquella época se arrendaban a diferentes familias. No hay visitante que no se haya detenido ante el edificio, en la verja, para atisbar ese paraíso de verdor y de albero escondido en el barrio de la Encarnación. Encerrada entre sus muros, Cayetana de Alba, epítome de la centenaria grandeza de España, recibe una primavera que se filtra a través del esparto de las persianas. Se murmura que ya no sale, con resabios de augurio, como si en algún momento se hubiera creído en su eterna vitalidad. Permanece encerrada en las cámaras atestadas de tesoros. Contados lienzos han salido de allí para ser mostrados en dos únicas exposiciones -la del Museo de Bellas Artes de la capital hispalense en 2009 y la del Centro Cibeles de Madrid de 2013- pero adquieren mayor significado colgadas en las salas del edificio palaciego. Algunas son de difícil traslado, como el espectacular retablo del siglo XV con una Virgen de Neri Bricci que preside el altar mayor de la capilla privada. Otras no salen nunca porque son el aderezo de una residencia privada, y no están vinculadas...

La trascendencia de Mickey Mouse May20

La trascendencia de Mickey Mouse...

Una de las características más definitorias, criticables y a la vez embaucadoras de nuestro tiempo es el continuo trasvase entre ficción y realidad que se produce prácticamente en cualquier esfera de la sociedad, partiendo desde la misma intimidad de cada uno de nosotros. La cultura popular, a través de los medios de comunicación de masas, se ha instaurado como mitología del pueblo formando parte de nuestro día a día de una forma mucho menos sacralizada, pero a la vez mas cotidiana, intrínsecamente experimentada y masivamente extendida, que la mayor parte del viejo folklore; estableciéndose así una imaginería universal que resulta milagrosamente superficial y trascendente a partes iguales. De ello sabe mucho David Herbert, joven creador que constituye un claro ejemplo del paradigma actual del arte, que abruma por la cantidad ingente de talento. Herbert es hijo de su época y en su obra vemos plasmada la iconografía popular norteamericana bajo un discurso que tiende puentes entre la apropiación conceptual, el surrealismo y el expresionismo de las formas; radicando la importancia del mismo tanto en señalar como esta imaginería, principalmente extraída del cine y con especial énfasis en aquellos géneros más alejados de la realidad como son la ciencia ficción o los dibujos animados. Está indisolublemente asociada a nuestra forma de entendernos, considerando que toda ficción universalizada debe poseer suficientes atributos ligados a nuestro inconsciente colectivo para conformar posibilidades de narración que nos definen. Desde la nave Enterprise de Star Trek hasta el palacio de La Cenicienta, Herbet usa cualquier icono masivo para introducir un discurso cómplice con el espectador con el que dar cuenta de nuestros miedos y ensoñaciones. En sus piezas, las fantasías que otros construyeron para nuestra necesidad voraz de escapismo, son reinventadas como si formasen parte del entorno más cercano al...

Imagen y materia de lo intangible...

No me suele gustar el arte religioso. Me aburre que me mata. Y sin posibilidad de una vida futura, en mi caso. Hay pocos artistas en los que encuentre una mirada, esa pulsión de misticismo de Ucello, la transgresión de un Caravaggio, un virtuosismo que se aleje de los estereotipos, como el de Rafael Sanzio; la desmesura de Sert. Casi siempre la chispa se enciende en lo histórico de las escrituras o en lo pagano. Eso no resta mérito a la carga cultural e histórica de este tipo de arte, ni tampoco implica que no existan obras memorables. En esta exposición se pueden ver algunas de ellas. La primera vez que oí hablar de las Obras Maestras de la Colección Masaveu fue con motivo de la exhibición que organizó el Museo del Prado en 1989, en el Palacio de Villahermosa, la actual sede de la Thyssen-Bornemisza. Me quedé estupefacto. ¿Cómo podían estar en manos particulares esos fabulosos retablos góticos y renacentistas, los bodegones? Con el paso del tiempo, diarios e informativos anunciaron el pleito de los gobiernos de la Comunidad de Madrid y el Principado de Asturias por lo que fue el pago de los derechos sucesorios más elevados de la Historia de España, tras la muerte de Pedro Masaveu en 1993, que supuso finalmente el depósito, como dación, en el Museo de Bellas Artes de Oviedo de más de cuatrocientas obras de una calidad extraordinaria. Se fue desgranando el proceso de acumulación de arte en manos de una familia: el establecimiento de unos grandes almacenes en la capital asturiana, aprovechando el auge de la minería y de la industria a finales del ochocientos; el salto a la banca, la diversificación de los negocios en una productiva postguerra y la consolidación final de un...

Lola Montiel a través del espejo...

Lola Montiel es una mujer enigmática a quien le apasionan todas las caras del arte. Desde que contaba con dieciséis años, ya imaginaba cuentos que escribía e ilustraba. Descubrió la fotografía cuando estudiaba diseño gráfico y con estos hábitos artísticos amasados, actualmente, realiza una fusión coherente de pintura, fotografía y tratamiento digital, para configurar obras donde su cambiante alma se deja transparentar. Habíamos quedado en la sala «La Fundición» donde, por primera vez, Sevilla le permitía un espacio destacado para poder mostrar varias de sus colecciones. Cuando llegué, la adiviné atando su bicicleta. A mi pregunta respondió, muy sutilmente, «Sí. Soy yo». Lola, ¿cuántas de tus obras han visto la luz? «Las series «Corazón Flamenco», «Hormigueo», «Crisálida», «Abismal». Esta última refleja la sensación de dolor porque no hay ninguna clase de sensación que sea más viva que el dolor; sus impresiones son seguras, no confunden para nada como las del placer. Pero aún tengo muchas en el tintero». La artista sevillana ha concebido cuarenta retratos, que ofrece en la serie «Corazón Flamenco» y que ha acompañado de un pequeño dossier de investigación. «Con este trabajo he podido alzar las voces de las gentes de etnia gitana dando su clara opinión sobre la influencia de su cultura, sus vidas y su historia. Las fotografías que normalmente se ven sobre el pueblo gitano muestran el aspecto más negativo. Nadie merece un trato injusto por pertenecer a un grupo social diferente al resto, en estos retratos les doy valor humano». La intención artística de Montiel no se agota en la sublimación personal, ni en proporcionar goce estético a  quienes observan sus hibridaciones creativas. «Tengo un trabajo sobre la crisis que me gustaría exponer. Entrevisto a trabajadores del sector del «ladrillo», hago que reflexionen sobre la situación que...

Picasso y el arte moderno (en el taller)...

Para todos es de sobra conocido lo que representa la figura de Pablo Picasso dentro del arte moderno y lo de menos, aquí, es si el pintor y escultor malagueño fue más cubista que naturalista, o viceversa. Eso parece hoy carente de sentido para un espectador común o medio e incluso mínimamente versado en estas lides. En la exposición que se celebra en Madrid se pretende mostrar el trabajo de taller de un gran pintor y dibujante que como saben sólo unos pocos triunfa aún hoy día más fuera que dentro de su propio país. Ha tenido que ser precisamente esta exposición de carácter gratuito, donde de un modo algo obtuso, nos lleguen grandes obras. La financiación es de lo más variopinta: desde el Philadelphia Museum of Art, la Phillips Collection de Washington, pasando por el Centre Pompidou parisino, la Tate londinense, hasta el Museo de Arte Moderno de Kioto, eso sin contar el apoyo museístico de Madrid y Barcelona, por todos conocido, entre otros. Disfrutar a Picasso en su taller desde la mera fruición o goce estético es tarea complicada y esto es porque, como los grandes, Pablo era esencialmente un bromista en su actitud con el arte, de tal forma que tras años de rigurosa disciplina y con tal de no repetirse, acabó convirtiendo en arte todo lo que tocaba, y aún así el monstruo no le devoró. Si ustedes quieren ejercer de voyeurs, no vengan a esta exposición, pues encontrarán más recursos espiando a su vecina o vecino o simplemente observando la realidad que les rodea. Complejas naturalezas muertas (aún así muchas de ellas carentes de un estudio riguroso de la perspectiva afeada adrede), mandolinas sin cuerdas y extrañas figuras así lo atestiguan, de tal forma que de las más de...

Miel de abeja

Kursala. Universidad de Cádiz 4 de marzo-18 de abril. El bodegón como género entendido desde las artes plásticas siempre nos presenta algo que se ofrece para no poder ser disfrutado, sólo deseado (o ignorado, según el caso), y es posiblemente la forma representada que mas invoca la distancia insalvable entre el referente y la imagen. Su disposición, generalmente sobre una mesa, ordenado y preparado para la degustación, nos proporciona casi todas las sensaciones menos aquellas para las que la lógica nos indica que ha sido preparado. Los misteriosos bodegones que forman Miel de abeja, la exposición de María Sánchez (1977, Ávila) comisariada por Jesús Micó, amplifican esta siniestra sensación desde la austeridad formal y la precisión conceptual. Sus habitaciones en penumbra contienen antes que ninguna otra cosa, la mesa, el receptáculo necesario, un lugar cubierto fantasmagóricamente por una sabana en toda ocasión desde el que subyugar nuestra percepción en la distancia. Luego están por supuesto los elementos dispuestos sobre ella, siempre mínimos, siempre un contrapunto del espacio vaciado, queriendo rasgar la tabula rasa de nuestra percepción mas inconsciente, cargar de sentido la imagen, resultando siempre un ofrecimiento sutilmente peligroso en el que se nos incita a cometer algún acto, a sucumbir al deseo que se revela desde el espectador hacia la imagen abierta de par en par. Un ofrecimiento que alcanza la mayor y perturbadora contradicción en su simbólica literalidad cuando es el cuerpo de la artista el que ocupa la imagen. María Sánchez, situada en ese territorio de la creación fotográfica alejada del documento y enraizada en la escenificación, se dirige, quizás sin tenerlo demasiado en cuenta, hacia rincones metalingüísticos, hacia el misterio de la fotografía como acto de voyeur penetración en el otro, su actitud violentamente arrebatadora apunta hacia el origen de...

Más allá de ElDorado, oro y poder en la Colombia antigua...

Museo Británico – Londres 17 de octubre 2013 – 27 de marzo de 2014 Oro. La leyenda del Hombre Dorado de la laguna de Guatavita capturó la imaginación del Renacimiento y atrajo, como moscas a la miel, a los aventureros al Nuevo Mundo: Lope de Aguirre, Francisco de Orellana, Felipe de Utre, Pedro de Quesada… Las expediciones armadas atravesaban selvas y desiertos, violentas cordilleras y mefíticos pantanales, sucediéndose los sufrimientos y las penalidades en busca de la realidad de un sueño. Eran las ciudades de oro que Marco Polo había visto en Cipango, cuyo resplandor prendió con violencia en la imaginación medieval. Enceguecidos por la codicia se atisbaban ya los tesoros, en el medio de las fiebres interminables, detrás de unos árboles, al otro lado de un monte, bajo las ruinas de una ciudad perdida. En los caminos de España, cantores y lazarillos expandían la especie por los pueblos castellanos, sofocados por un sol implacable. Oro, allí, en alguna parte, a disposición de quien fuera tan osado e ingenioso como para llegar y agacharse a recogerlo.  Acudían los muchachos a los muelles de Sevilla y a las casas de contratación para embarcarse como grumetes. Oro: reconocimiento, honores, riquezas, fama, inmortalidad. Como primicia de todo ese esplendor, los indios salían de las espesuras con objetos de una belleza bárbara que intercambiaban por baratijas y la pregunta de aquellos hombres blancos y barbados era siempre la misma, gritada con desesperación, ¿Dónde, dónde está el oro, de dónde viene? El mito de Eldorado ha quedado grabado para siempre en la memoria colectiva de la humanidad a través del cine y de la literatura, hasta llegar a nuestros días. Durante siglos, los europeos intentaron arrancar sus secretos a la laguna, llegando incluso a drenarla para extraer sus tesoros....

Paisajes preferentes

Galería Birimbao. Sevilla. 18 de Marzo-11 de Abril. El arte como proyecto vivencial desarrollado en un lugar y con ese lugar como protagonista, las capacidades del ser humano de influir y ser influido por el entorno, el paisaje en definitiva como género que reivindicar conceptualmente y reinventar plásticamente, son el eje central del trabajo de Miguel Ángel Moreno Carretero (1980, El Carpio), quien regresa a Sevilla con una muestra multidisciplinar que, una vez más, difumina los límites de su discurso mezclando pintura con escultura y objeto readymade, transformando la apropiación, tanto de objetos como de imágenes, en interpretación plástica de lo cotidiano y soslayando nuestra mirada para hacernos pensar sobre lo que nos rodea y, por qué no, divertirnos en el camino. Escultura o maqueta, diseño arquitectónico o pieza conceptual, cuidada reflexión o improvisado divertimento, en Miguel Ángel Moreno todo ello es la misma cosa. La multidisciplina que en él se aleja nunca es propósito de contemporaneidad o estudiada puesta en escena de la multiplicidad de recursos habituales, sino una simple y desenfadada necesidad de hacer arte con cualquier cosa. En la presente exposición somos testigos de cómo el dibujo abandona su función íntima para ser una cartográfica fuerza interventora en el paisaje y que delimita su uso práctico, vemos las imágenes de un catálogo de record güines reducir en escala su obsesión grandilocuente convirtiendo en fetiche portátil una naturaleza manipulada con el propósito de ser mas grande que ella misma, reconocemos humanos espacios seriados sustituyendo y secando paraísos terrenales. Vemos al final una línea de horizonte, bifurcada, manipulada, tapiada… y a un artista explicarnos en qué consiste el juego del...

Typologies

Galería Alarcón Criado. Sevilla. 31 de enero-29 de marzo El objeto es, según la definición lacaniana, el lugar donde se restituye de forma continua nuestro deseo inalcanzable, de forma que cuando, por fin, se posee, el deseo pasa a un objeto diferente, configurando lo que denominamos pulsiones. El coleccionismo como ansia de poseer uno o varios objetos prescindiendo de su valor funcional, esto es, poseer por el hecho de poseer, sitúa la necesidad inconsciente en el ámbito del discurso íntimo, del dialogo con uno mismo a través de objetos e imágenes y, desde esta perspectiva, en un terreno cercano a un discurso artístico en el que productor y receptor son la misma persona. Nicolás Grospyerre (Polonia, 1975) presenta en su segunda exposición en la galería Alarcón Criado un uso sistemático de los dispositivos de colección como recurso creativo para estructurar la realidad, creando parcelas de información que, como siempre en la esfera posmoderna, tiene tanto de verdadero como de falso (falsas colecciones, objetos no originales y manipulados…), tanto de profunda necesidad psíquica como de ridícula obsesión. Los objetos e imágenes de Grospyerre no sólo prescinden de su valor útil, ni siquiera transmiten lógica alguna, y manifiestan sólo una irracional práctica en busca de algún desdibujado tipo de sentido, algo especialmente evidente en colecciones como las de objetos dobles naturales o recipientes de aire, grupos de objetos que nada tienen que ver entre sí salvo el hecho de haber sido agrupados, y, a través de ese acto, entrar en el ámbito del discurso. Su práctica fotográfica posee el mismo carácter, fría y distante, alejada de intención autoral y auspiciada en la idea de que toda fotografía consiste en la apropiación de una parcela del mundo. Sólo después del acto apropiacionista será cuando el discurso aparezca....