CIENCIA, FICCIÓN, MANGA:  JAPÓN, LA REALIDAD PARALELA Sep26

CIENCIA, FICCIÓN, MANGA: JAPÓN, LA REALIDAD PARALELA...

Aprovechamos este monográfico para prolongar nuestros estudios sobre el cómic ilustrado nipón. La producción manga de Ciencia Ficción es tan extensa que se ha de contemplar en subgéneros. Definimos los más destacados para comprender su evolución. Intentamos un artículo donde ordenar la producción, desde nuestro imaginario occidental, para ofrecer un esbozo, unos ejemplos, el acercamiento a una forma diferente de manejar la fantasía para crear particulares visiones. Decimos Ciencia Ficción para referirnos a un género en el que lo que se cuenta está sometido a realidades que la ciencia permite, anticipa, o consiente que imaginemos, creando un ambiente de verosimilitud. Es perfecta cuando un solo evento, situado en el límite de la ciencia, da paso a una realidad inhabitual que funciona con perturbadora normalidad: un artefacto para navegar bajo el agua, platillos volantes, un ingenio tripulado hacia el futuro. La Ciencia Ficción arranca en Japón con la difusión de las novelas de Julio Verne y H. G. Wells, crece en la postguerra mediante la influencia extranjera. Con el manga se desborda hasta convertirse en un paradigma. Japón es la única sociedad post-apocalíptica. Transformada por dos explosiones nucleares, recorrida por tifones monstruosos, atrapada en su insularidad, azotada por maremotos, amenazada por erupciones volcánicas. El crecimiento de su población, la desmesura de sus ciudades, o su sociedad interconectada la han convertido en un país de Ciencia Ficción. Lo más improbable ha devenido cotidiano, superando a la ficción que se ha convertido en modelo -más que en invención- con sus tribus urbanas, sus megápolis domóticas, el cibersexo y la tecnificación. Descartamos una parte de la producción porque ya hemos dedicado un artículo pleno al mecha –ingenios mecánicos- pero quedan en la recámara androides, robots y exoesqueletos para arrancar la historia del manga de Ciencia Ficción. Comienza –como no-...

MANGA: EN LAS PROFUNDIDADES DE LA MENTE HUMANA Abr29

MANGA: EN LAS PROFUNDIDADES DE LA MENTE HUMANA...

El manga nos muestra en ocasiones su parte más turbia. Aunque pueda asustar a primera vista, nos debemos un esfuerzo para deshacernos de prejuicios, y para analizar su similitud con otros artificios propios de nuestra cultura. Procesiones de flagelantes, corridas de toros, niñas sexualizadas convertidas en iconos de moda; películas llenas de sangre y vísceras; o escarceos lúbricos en la televisión, llenan un espacio en el que nos encontramos cómodos, y sin embargo… A medida que el ser humano se aleja del salvajismo, tiende a proyectar los secretos más negros en la ficción, en un intento de liberarse de las obsesiones, de los tabúes, de las pulsiones más atávicas; los japoneses lo hacen en el manga. Esto es chocante para nosotros, que hemos crecido viendo el cómic y los dibujos animados como un terreno reservado a lo más naïve de la infancia. La ruptura de esta convención nos estremece especialmente, nos agrede. Sin embargo no debemos olvidarnos de que son las mismas cosas, guardadas en diferentes cajones. Crímenes, tortura, masoquismo y relaciones de sumisión, incesto, bestialismo, pederastia, prostitución o esclavitud, se ordenan en la cultura occidental en el cine negro o de Serie B, en la novela marginal y en el subconsciente de la tragedia griega, en las fantasías de la pornografía, los anuncios por palabras, la cosificación de la publicidad o en cierta iconografía religiosa. Algunos individuos o sociedades no lo ficcionan y lo siguen practicando, nos provocan repugnancia y desolación. Pero la atracción por la violencia y el sexo extremo es innegable, e inevitable su expresión como válvula de escape. Es lo prohibido. El manga más oscuro. Antes de enfrentarnos a él, convendría recordar que creaciones como Lolita, Edipo Rey, Los 120 días de Sodoma, Muerte en Venecia, o Belle de Jour, son...

Todo el universo femenino. Ser mujer, dentro y fuera del manga Mar17

Todo el universo femenino. Ser mujer, dentro y fuera del manga...

En el Imperio del Sol Naciente, donde el movimiento feminista está retrasado con respecto a su homólogo occidental, la ficción representa una importante válvula de escape, así como un espacio de reconocimiento e identificación. Shôjo es el nombre que recibe el segmento de publicaciones dedicadas al público femenino, que suelen ser periódicas y que acompañan las historias ilustradas con una miscelánea de artículos y reportajes. Cumplen la función de nuestras revistas juveniles. Es una osadía decirlo pero en ninguna forma artística, época o cultura ha tenido tanto protagonismo la mujer –en su triple faceta de creadora, protagonista y receptora- como en el manga. Su enorme éxito, la presencia de interesantes creadoras, y la vitalidad de la producción, marcan la gran diferencia con el cómic femenino de Europa o los Estados Unidos. Shôjo no es un género, sino la categoría bajo la que se identifica un segmento de potenciales consumidores: mujeres jóvenes, y por extensión todo lo editado para ellas. Surge tímidamente en la preguerra con historietas recatadas y lacrimógenas, algunas de ellas compuestas por el gran precursor, Osamu Tezuka. Alza el vuelo durante las décadas de los 40 y los 50, cuando las mujeres creadoras toman el relevo y el target al que iban destinadas originalmente sus ilustraciones se desborda hacia el nicho adolescente, pues veremos que una de las más notables características del manga es que se ha ido consolidando sobre las diferentes generaciones de la postguerra y evolucionando con ellas. Con el boom de los 70 shôjo se lanza con avidez sobre todas las materias y todos los géneros, deportes, humor, ciencia ficción -siendo favoritos los de terror o misterio- y llega a adentrarse, con algunas creadoras como Moto Hagio y Yumiko Oshine, en el mundo interior y el flujo de conciencia, elaborando...

3 segundos

3 segundos es un fantástico cómic firmado por Marc-Antoine Mathieu. Sin una palabra pronunciada por los personajes (el lenguaje tiene, sólo, soporte en documentos que se pueden leer; periódicos, billetes de avión, etc.), se superponen diferentes viñetas que nos llevan de un lugar a otro a la velocidad de la luz. Subidos en un fotón, los lectores tendrán que construir la historia que se convierte en fragmentos de un todo lleno de lógica y coherencia. Este es un cómic atrevido, experimental y muy divertido. Tal y como debió hacer el autor al dibujarlo, el lector debe realizar un ejercicio de medición y análisis. Los dibujos son extraordinarios y el detalle con el que Mathieu trabaja es espléndido. Una primera lectura nos inquieta y nos provoca la necesidad de continuar investigando para saber. El libro contiene una trama completa y compleja. El cómic se puede leer o se puede ver a través de la web de la editorial Sins Entido. Dentro del ejemplar se puede encontrar la clave de acceso. La página está dotada del movimiento preciso para que 3 segundos proporcione una lectura fuera de lo normal por lo original. Tiradores, accidentes, atentados, muerte, vida, pasión, violencia, casualidad. Todo en movimiento. A la velocidad de la luz. Calificación: Muy bueno. Tipo de lectura: Muy entretenida. Fascinante. Tipo de lector: Minucioso. Argumento: Un fotón es capaz de explicar el mundo en tres segundos. Personajes: Construidos en un instante. Pero creíbles, con cierta hondura. ¿Dónde puede leerse?: En un lugar en el que el reflejo se pueda...

Nietzsche

Extraordinario y apasionante cómic este que firman Michael Onfray y Maximilien Le Roy, siendo el primero el que aporta los guiones y parte del pensamiento del filósofo y el segundo el que ilustra esta biografía gráfica. No sólo se centran los autores en la vida Nietzsche. Las ideas fundamentales de su filosofía, la relación con los editores, con la familia, con los amigos y su más íntimo punto de vista sobre cuestiones que más tarde se convertirían en un estigma, están presentes en la obra. Es más que interesante esa vuelta de tuerca que da Onfray cuando habla de las ideas antisemitas del filósofo. En vida, Nietzsche dijo, por activa y por pasiva, que él hablaba de unos judíos ya muertos dos mil años antes, de un Dios desaparecido con ellos, de la tortura en que consistía arrastrar durante tanto tiempo unas ideas anacrónicas. Sin embargo, sus ideas se convirtieron en un arma arrojadiza que muchos utilizaron contra un pueblo entero, contra las clases más débiles. Parece ser que fue su hermana la que ayudo a que eso pasara, entre otras cosas porque no eliminó todo aquello que el filósofo escribió estando completamente loco. Es destacable cómo los autores del cómic nos muestran al hombre asomándose al abismo, la imposibilidad del retorno. Desde un punto de vista gráfico, el cómic es impecable. Las tonalidades se distribuyen en cada página haciendo que las viñetas tomen fuerza; la composición de las páginas es inteligente y busca, siempre, un ritmo demoledor e, incluso, los cambios en el trazo corresponden a estados de ánimo extraordinarios del personaje. Todo ello hace que la comprensión de la consciencia de un hombre tan difícil de entender sea asequible hasta para los que no conozcan la obra de Nietzsche. La técnica narrativa...

Paul va de pesca

Entrañable. Creo que es lo mejor que se puede decir de este cómic. Y no es poco. Porque despierta una gran afecto y porque la propuesta de Michel Rabagliati tiene una profundidad que va mucho más allá de lo que pudiera parecer. Paul va de pesca es un cómic que encuentra una excusa cotidiana y casi normalucha en un viaje con la familia para pescar. Pero, poco a poco, cada personaje crece a través de las rupturas espacio temporales que van apareciendo con astucia y sin grandes sobresaltos para el lector. De este modo, los personajes que desfilan por las viñetas se convierten en cualquiera de nosotros, viviendo los problemas que podríamos tener a diario, sufriendo con los disgustos habituales y disfrutando de las pequeñas alegrías. Sería raro no verse reflejado en alguno de esos personajes o, lo que es mejor, en todos ellos. Los diálogos están construidos con acierto. Apenas hay nada que pudiéramos eliminar por ser inservible. Y es el lugar del que parten los personajes para construirse. Como debe ser en cualquier texto sea del tipo que sea. El trazo es cuidadoso y tiende, muchas veces, a la caricatura. Aunque se queda a las puertas cuando un paso más sería un destrozo narrativo. Los detalles abundan y el cómic sirve para describir un paisaje exacto. Rabagliati deja mucho de sí en cada viñeta sin sentir el más mínimo pudor. Se explica el mundo desde su obra y lo hace más que bien. Un cómic magnífico para cualquier tipo de lector aunque los jóvenes que se asomen a él quedarán encantados. La editorial Astiberri vuelve a demostrar que sabe elegir lo que publica y sabe editar más que bien. Calificación: Muy bueno. Tipo de lectura: Divertida y emotiva. Tipo de lector: Adultos...

Yo maté a Adolf Hitler...

Jason es un autor noruego. Y escribe cómics. Excelentes. Por su ironía, por la construcción de tramas llenas de giros inesperados que llevan al lector hasta lugares imposibles dos viñetas atrás, por un dibujo sencillo aunque efectivo. Es un valor literario al que hay que tener muy en cuenta. Yo maté a Adolf Hitler es un cómic que habla del amor. Cuenta cómo un tipo dedicado a eliminar personas (los asesinos a sueldo son trabajadores como cualquier otro en el mundo creado por el autor) debe viajar en el tiempo para acabar con la vida de Hitler. Pero lo que ocurre es que se queda atrapado en el pasado. No hay segunda guerra mundial porque Hitler viaja al futuro, pero el mundo sigue siendo igual de cruel, igual de injusto. Todo sigue igual. Incluso el amor que su compañera sintió por él. La trama está muy bien armada y está salpicada de situaciones muy divertidas. El dibujo busca rellenar los silencios de los personajes hablando en su lugar. También matiza las palabras de los que hablan. Con tonos pastel ayuda al texto para que el universo aparezca con contundencia, pero sin violencia alguna. Durante el año 2007, el libro fue nominado a los premios Esenciales del Festival de Angoulême y elegido como uno de los mejores libros de ese mismo año. Necesario acercarse a la obra de Jason si queremos entender el cómic actual. Calificación: Excelente. Tipo de lectura: Muy amena. Tipo de lector: Jóvenes y adultos. Personajes: Perfectos. Muy divertidos. Argumento: Cambian las cosas superficiales. Sólo. ¿Dónde puede leerse?: Pensando en otros...

Lupus

Todo aficionado al cómic está obligado a leer y a disfrutar de los libros de Frederik Peeters. Con Píldoras azules ya deslumbró narrando la relación con su esposa y su hijo (ambos portadores del virus VIH). Con los cuatro volúmenes de Lupus (reunidos en uno solo por Astiberri) vuelve a dejar un magnífico sabor de boca en el lector. Lupus es una novela gráfica que se presenta como una especie de cómic-road; una narración en la que el personaje se intenta encontrar consigo mismo y con el mundo a través de un viaje convertido en huída, a través de una infancia que carece de figuras esenciales (que estuvieron, pero a las que no puede poner cara) como la del padre. Para ello, Frederik Peeters, utiliza un texto muy bien construido que se ajusta con maestría al dibujo. Los silencios que dejan los trazos expresionistas, el diseño de cada página buscando que el lector conozca el conjunto al mismo tiempo que lo hace el personaje, nos llevan por un universo extraño e inmenso en el que ocurren las mismas cosas siempre. El espacio no cambia nada. Eso es cosa de los personajes. La acción se desarrolla con buen ritmo debido a una dosificación de la información más que acertada. No se pierde tensión narrativa en una sola página. Y; llegado el momento de resolver, de dar fin a la aventura; la resolución encaja perfectamente con el diseño de un personaje hondo y complejo. Lupus ha evolucionado mucho, el lector sabe mucho de él. Cualquier final no cabe. Un excelente trabajo. Calificación: Excelente. Tipo de lectura: Muy agradable. Requiere cierto grado de atención en algunas viñetas que se deben descifrar con cuidado. Tipo de lector: Cualquiera que este dispuesto a hacerse preguntas. Argumento: La búsqueda personal....

Spokon, la superación mediante el deporte Feb17

Spokon, la superación mediante el deporte...

La variedad y la interconexión de los géneros manga solo se puede comparar con las que existen en el cine, pero los dibujos presentan además la excepcionalidad de dirigirse sin complejos a las grandes minorías; eso los enriquece y da mucha libertad a los creadores. El bajo coste de los tebeos, con ediciones sencillas y baratas, así como las tiras intercaladas en revistas de entretenimiento son bazas estratégicas en la promoción y la evolución del manga en su país de origen. Como todas las sociedades evolucionadas, los japoneses son muy aficionados a los deportes. Además de competiciones clásicas como el sumo, el kyudo, el kendo y otras artes marciales, el beisbol goza de gran popularidad -tras ser introducido por los americanos durante la Restauración Meiji- lo mismo que el fútbol o el automovilismo. El país ha organizado destacados juegos de invierno y la capital está planeando su segunda olimpiada. Es el marco ideal para que el manga deportivo -conocido como spokon– florezca, y sea un sector fácilmente exportable a otras culturas con las que comparte intereses similares. Estos comics deben entenderse siempre en una trama de superación personal, están protagonizados por jóvenes e intercalados de romances. Su ambientación en los medios urbanos más humildes, donde los logros se consiguen a través de la voluntad y el sacrificio, los arraigan entre las clases trabajadoras que se sienten cercanas a sus peripecias. Se da la curiosidad de que los avatares de algunos deportistas han aparecido dibujados en la ficción. Es curioso y muy gratificante que los editores españoles estén licenciando gran variedad de disciplinas para intentar llegar a un amplio público, tanto masculino como femenino. Es de ley destacar en primer lugar Real, de Takehiko Inoue, editado por Ivrea, entre cuyos roles están dos jóvenes discapacitados que...

Salvación del mundo. La era de los grandes robots Feb03

Salvación del mundo. La era de los grandes robots...

Aunque la mayor parte del universo robótico se ha desarrollado y expandido en las series de dibujos animados y el merchandising, el libro -impreso o digital- continúa formando el alma del género. Androides y animales robóticos forman ya parte del paisaje urbano de Japón, los grandes ingenios de la ficción se erigen como estatuas monumentales en las ciudades, transformando la fantasía en realidad. Japón es pionero en el mundo en la fabricación y el consumo de robots. Esta tendencia viene de una antigua tradición de construcción de autómatas –karakuri– pero también de la influencia de las filosofías panteístas en las religiones orientales, para las que dios es un todo que muta y se transforma. El aislamiento, el desarrollo de una sociedad tecnológica, los estrictos códigos de comportamiento y la limitación de la mano de obra en una sociedad envejecida, extienden la empatía de los nipones con las máquinas, cuya repercusión es singular en el manga. Desde nuestra situación en Occidente, algunos aspectos de Astroboy, una de las sagas precursoras, nos resultan durísimos e inconcebibles; es la historia del muchachito Atomu, construido por el doctor Tenma para sustituir a su hijo muerto, y de cómo se enfrenta a los científicos malvados que intentan apoderarse de él; fue creada por el autor Osamu Tezuka -conocido como el dios del manga– en los años 60. La interacción de los hombres con las máquinas, la elaboración de una ética para los seres artificiales y la hipótesis de un aprendizaje según patrones humanos para los androides, se prolongan en una secuela destacada, Pluto, concebido por Takashi Nagasaki con la supervisión del hijo del propio Tezuka. En Pluto los seres artificiales han adquirido derechos y se ciernen como una amenaza sobre los humanos a lo largo de una compleja trama de...

Manga Gourmet: El jardín de las delicias Ene13

Manga Gourmet: El jardín de las delicias...

El 40% de todo lo que se publica en Japón es manga, el tebeo japonés convertido en fenómeno de masas. Un acontecimiento cultural que después de saltar con fuerza a los Estados Unidos y a Francia comienza a penetrar en nuestro país. Sus géneros son infinitos y difíciles de catalogar porque los hay policiacos y de vampiros, para jovencitas o adultos, de acción, emoción o transgresión. Intentamos acercarnos a ellos curioseando en algunos de los más originales. Los cómics sobre gastronomía se conocen en Japón como gurume (gourmet) o ryori (cocina), aparecen como parte de un movimiento gourmet que tuvo lugar en las islas en 1980 y que ha dado lugar, entre otras cosas, a que Tokio sea hoy la ciudad del mundo con más restaurantes con tres estrellas en la Guía Michelin –catorce-, y esté considerada como la capital gastronómica del mundo. Estos manga son auténticas novelas ilustradas, tremendamente populares, cuyas tramas tienen que ver –de alguna manera- con el proceso de búsqueda, preparación y presentación de las diferentes variedades gastronómicas, tanto japonesas como foráneas. Suelen estar serializados, contienen grandes dosis de humor y algunos actúan como elaborados recetarios. Parece que con voluntad de quedarse, algunas de estas series comienzan afortunadamente a publicarse en nuestro país. El gourmet solitario, de Jiro Tamiguchi, editado por Astiberri, está protagonizado por un viajante que recorre el país a través de su gastronomía. En español, la novela se convierte en un excelente acercamiento a la comida y a la cultura urbana de Japón. Aunque pierda la cotidianeidad con la que está concebida originalmente, se transforma para nosotros en otra visión de lo exótico. Su protagonista va descubriendo restaurantes y platos caseros que le recuerdan a su infancia, pero también va implicándose en los instantes íntimos de la vida...

EMPODERAMIENTO DE LA MUJER. YAOI, LA SUBVERSIÓN JAPONESA Dic02

EMPODERAMIENTO DE LA MUJER. YAOI, LA SUBVERSIÓN JAPONESA...

No hay mayor fortuna para un comunicador que la oportunidad de acercar a sus lectores acontecimientos de otras culturas, libros que no han sido traducidos, referencias inéditas. El manga publicado en España es apenas la punta de un iceberg. El género que presentamos es prácticamente desconocido en España, apenas si un editor se ha dedicado a traducir un par de series de estas novelas ilustradas de las que adelantamos las claves. Una minoría de fanáticos las defiende en las redes. Se denomina manga al cómic japonés, que participa de características diferentes a las de sus primos europeos (como Tintín) y americano (superhéroes), viene de la tradición del grabado sobre madera y goza de una gran popularidad. Las versiones españolas de manga son numerosas, aunque no tanto como las destinadas a los mercados anglosajón o francófono. Pero el manga tiene infinitos géneros. El yaoi se caracteriza por desarrollar tramas románticas entre varones y está dirigido exclusivamente a un público femenino que no recibe de él la agresividad que encontraría en una relación heterosexual porque se siente al margen y por lo tanto cómodo en esa convención. El bara podría considerarse un subgénero del hentai -el relato erótico- es sobre chicos y para chicos, explícito e incluso perverso, su público habitual es gay. Pero estos géneros no son estancos, cada vez hay más chicas que leen manga gay a la vez que más homosexuales se inclinan hacia el yaoi. Yaoi es el acrónimo de YamA nashi, Ochi nashi, Imi nashi (sin clímax narrativo, sin decaimiento en la trama, sin sentido en la historia). Nace de los cómics autoeditados o dôjinshi. Los editores se suelen referir a él -en Japón- como boys love “BL” y sus autoras suelen ser chicas jóvenes. Eso es la clave para que resulte...

Batman imprescindible Nov27

Batman imprescindible...

Muchas son las historias memorables de Batman, desde sus cautivadoras andanzas originales que fundían el espectáculo superheroico con historias de gánsteres propias del cine negro, hasta los complejos desarrollos argumentales de El Largo Halloween o Tierra de nadie. Aquí señalamos cinco que resultan imprescindibles para acercarse al hombre murciélago. 5. Asilo Arkham. Grant Morrison y Dave McKean. De acuerdo,  Grant Morrison no estuvo fino del todo en la construcción de esta historia, en la que el cómo gana interés sobre el qué, pero, su mera premisa que encerraba al hombre murciélago entre los muros de Arkham para enfrentarlo a sus más desquiciados enemigos y  exponer una fragilidad que nunca antes habíamos visto, resultaba impactante. Morrison decidió alejarse de la impronta realista que Frank Miller había traído a las aventuras del Batman y recreo Arkham como una surrealista pesadilla plagada de símbolos, en la que la psique de Bruce Wayne era golpeada hasta convertirlo de nuevo en el pobre chiquillo asustado del que surgió el héroe oscuro. Este retroceso, hasta el punto cero de Batman, es encumbrado por la brillantez grafica de McKean, de un terrorífico expresionismo, hasta cotas de obra maestra. 4. Amor loco. Bruce Timm y Paul Dini. Cierto, estamos ante una historia protagonizada por el Joker y su novia, Harley Queen, que relataba el origen de esta particular y peligrosa villana. Pero, aun así, Amor Loco, surgida como adaptación de la serie de animación de los años noventa (posiblemente la mejor traslación a TV de cualquier superhéroe), y realizada por los mismos creadores, era tan divertida y enajenada que no puede faltar en ninguna lista sobre las historias del hombre murciélago, aunque la aparición de este sea secundaria. Bruce Timm y Paul Dini rozaron el cielo al construir el particular carácter de...

Batman 75 aniversario. La oscuridad que persiste Nov27

Batman 75 aniversario. La oscuridad que persiste...

Una consistente perdurabilidad, anclada en los mimbres que lo sostienen como arquetipo de héroe oscuro, y la labor de guionistas y dibujantes que han sabido recuperar su particular espíritu en más de una ocasión, hacen de Batman un personaje perenne, que con setenta y cinco años recién cumplidos puede presumir de ocupar un importante lugar en la cultura popular. Su vigencia, dentro y fuera del cómic, es hoy más palpable que nunca. Tras setenta y cinco años  de presencia ininterrumpida en cómic, televisión o cine, podríamos decir que Batman se ha ganado un puesto superlativo entre los personajes de ficción surgidos en el siglo XX. Creado en 1939 para DC Comics por Bob Kane y Bill Finger ante la exigencia editorial por repetir el éxito de Superman, el recién llegado supo marcar de inmediato las diferencias y mientras el kryptoniano coreografiaba en el cielo las bondades del ser humano, el hombre murciélago representará la  oscuridad y el miedo como motor subterráneo de nuestros impulsos. Batman será la sombra del superhéroe, un ser normal que se pretende diferente, un sueño derechista de control sobre la sociedad y a su vez agente liberador de un inconsciente calladamente agresivo. La más lógica razón conviviendo con fantasías recubiertas de látex negro en una perfecta armonía. El recorrido de Batman en este devenir como héroe oscuro no estuvo exento de dificultad, sobre todo editorial. El carácter violento y el  ambiente noir de sus primeras historias  sería suavizado a medida que su popularidad ascendía, primero con la creación de Róbin, fiel compañero y punto de identificación para los mas jóvenes, y más tarde con la aparición en pleno Macarthismo del Cómic Code, destinado a regular y censurar los contenidos que publicaban todas las editoriales norteamericanas. Para Batman esto significó la...

Cómic: Escalera hacia la lectura Nov18

Cómic: Escalera hacia la lectura...

Esta es una selección de tebeos (si quieren de cómics y, si es su deseo, de novelas gráficas en alguno de los casos) que no pretende mostrar ni lo mejor, ni lo más novedoso. Aunque algunos de ellos son verdaderas joyas, lo que sí tienen en común todos ellos es una posibilidad oculta entre sus páginas para que el lector la aproveche: quedar prendado para siempre de este género. El tebeo siempre fue una mina de lectores, una forma única de generar el hábito de lectura entre los jóvenes; de acompañar los momentos de reflexión y diversión teniendo un libro entre las manos. Injustamente se ha colocado al tebeo en el territorio de los más jóvenes. Sin embargo, muchas de estas obras son más propias de adultos que otra cosa y, por supuesto, de todo tipo de lector dispuesto a pensar y disfrutar al mismo tiempo. El dibujo es una forma de expresión tan antigua como el propio hombre. El relato también aunque, este, no se verbalizase desde el primer momento. La suma de ambos es una de las formas de construir arte más atractiva, divertida y simpática. ¿Quiere usted adentrarse en un mundo extraordinario? ¿Quiere que sus hijos comiencen a leer y a disfrutar? Quítese los prejuicios de encima. Y pase, por favor. (Si quieres ver las imágenes con detalles pincha en cada una de ellas y no te pierdas ni un detalle). La puerta de entrada (Café Budapest, Alfonso Zapico). Publicado por Astiberri en 2008. Se trata de un buen tebeo aunque el autor –en ese momento- no contaba con la madurez exquisita que exhibe actualmente. Eso se deja notar sobre todo en una forma de narrar que es demasiado evidente, unas veces, y demasiado cercana al mensaje propio de un idealista que...