La maestría de reinventarse continuamente sin miedos May07

La maestría de reinventarse continuamente sin miedos...

Blur es un cuarteto británico famoso por marcar época. Varias veces. Porque su estilo ha estado en constante cambio, siempre apostando por experimentar con afán de encontrar nuevas vías de expresión. Ahora, estrenan nuevo trabajo. The magic whip (2015) es un álbum con doce nuevos temas, que reafirman el carácter y la esencia de un grupo de músicos que no se mete en el estudio de grabación si no es para explorar nuevos territorios que, a su vez, no dejen de conectar con su obra anterior. Rubricaron con letras doradas una época esplendorosa en el britpop, en la década de los noventa. Pero, antes, habían levantado aplausos y ovaciones con su disco debut, agrandando el género del rock británico. Y, más tarde, sorprendieron adentrándose en otros territorios como el reggae, el punk y la psicodelia. Para entonces, ya habían sido considerados unos de los grandes propulsores del movimiento indie. Así es la biografía de Blur. Un carrusel frenético, plagado de éxito pero sobre todo de sorpresas. Porque no todos sus trabajos son excelsos pero, desde luego, a ninguno se le puede reprochar una falta de originalidad o de carácter propio. Y ahora, trece años después de su último álbum, vuelven a la carga con otra obra de singular temperamento. Sí. Blur ha vuelto. La banda la componen Damon Albarn (alma máter, que se sitúa ante el micrófono, agarra una guitarra o se pasea por los teclados), Graham Coxon (guitarrista), Alex James (bajista) y Dave Rowntree (a las baquetas). Esta es la formación inicial y, para alegría de todos, la que ha dado forma también a The magic whip. Porque durante un período Graham Coxon abandonó la formación, aunque no merece la pena ocuparse con los líos o cotilleos internos del conjunto, con todo lo que...

Historia del jazz: El nacimiento Abr29

Historia del jazz: El nacimiento...

Durante las próximas semanas haremos un repaso a la historia del jazz. No se trata de profundizar en algo que requeriría un espacio distinto y mucho mayor. La intención es señalar asuntos importantes, nombres imprescindibles y algunas obras que pueden ayudar a entender este tipo de música y su entorno. Comenzamos intentando descubrir las claves del nacimiento del jazz. Todavía hoy, el jazz es una música que no presenta problema alguno ante el noviazgo propuesto por otros estilos u otras formas de interpretar; desde el principio, no pierde su arraigo en el blues aunque está en constante movimiento, nada de lo anterior sirve al músico que interpreta jazz para poder mostrar cómo entiende él las cosas, cambia constantemente buscando nuevas formas con las que celebrar la vida. El jazz es la propia vida, su ritmo. Nació con esa vocación y la ha mantenido intacta hasta la fecha. Cuando comenzó a tomar forma, el jazz se fue dibujando como una forma de arte en el que la improvisación es fundamental, en el que un grupo de personas utilizando el lenguaje musical era capaz de dialogar para explicar. A principios del siglo XIX, en Nueva Orleans se concentraban personas de todas las nacionalidades imaginables. La convivencia era excelente entre ellos. Y allí había, también, esclavos negros. Siempre se apunta a esta ciudad como cuna del jazz aunque en cientos de lugares estaba pasando algo similar. Por una parte, el esclavo canta y sigue un ritmo concreto. No solo al hacer música. Estos hombres y mujeres aprender la improvisación cuando se encuentran fuera de su entorno natural obligados con violencia. No saben qué hacer y aprender improvisando. Eso se dejará notar en la música. Por otra, las costumbres norteamericanas, dada la gran cantidad de elementos culturales que...

PREGUNTAS Y MÁS PREGUNTAS Abr29

PREGUNTAS Y MÁS PREGUNTAS...

¿Son los mallorquines The Prussians quizá el aliciente más estimulante para acudir este fin de semana al Teatro Alameda y disfrutar del festival South Pop? ¿De dónde (puñetas) han salido y cómo es posible que hayan facturado un debut de tan epatante brillantez? ¿Estará este debut a la altura del suyo? ¿Cómo señalar una sola virtud cuando se aglutinan tantísimas en el primer disco de una banda? ¿Acaso pueda ser que Mul Mul (Urban/Green Ufos) remite a un elenco de artistas muy distintos entre sí (desde Radiohead a Sophia; desde Black Box Recorder a Arctic Monkeys; desde…), todos ellos de intachable trayectoria, de primerísima fila, y sin embargo no desmerece a ninguno de estos iconos; y sin embargo destila un sonido propio, un marchamo de asombrosa autenticidad? (A modo de prólogo). ¿Se puede montar una banda casi sin proponérselo? ¿Es precisamente esa (aparente) prístina falta de expectativas la razón de un resultado de tan elevadísimo nivel? ¿Cuando Dominic Massó (voz y guitarra, autor de todas las letras) y Tino Lucena (batería y percusiones varias), allá por el año 2009, decidieron montar una banda a partir de la pasión común por el skate eran conscientes de hasta dónde llegarían con un solo disco en el mercado? (A propósito del origen). ¿Tiene que ver el sonido tan particular, fresco, exótico y polimorfo del álbum con el hecho de que a estos dos nativos de la isla balear, el primero de padre polaco-alemán y el segundo de nacionalidad filipina, se les unieran otros sujetos de origen peruano, Jorge Alarcón (guitarra), y argentino, Ferchu Vallejos (teclados); además de Gabriel Abrienes (bajista), el único mallorquín a secas? ¿Este crisol multicultural explica ese torrente de matices, sonoridades e influencias, lo explica todo? (A propósito de los orígenes). ¿No es increíble...

El nacimiento de una manada que aúlla diferente Abr29

El nacimiento de una manada que aúlla diferente...

Siberian Wolves es un dúo valenciano de sonido contundente y composiciones, con un estilo fresco que, al mismo tiempo, no olvida a grupos de los 50 o 60. Su primer trabajo de estudio, Siberian Wolves (2015), consta de ocho canciones dispuestas a pegar fuerte. Suenan como si se fuesen muchos pero, en realidad, tras la fachada de lobos siberianos hay solo dos músicos con gusto por la música de hace unas décadas, algo que se deja entrever en el álbum con que se han decidido a dar un paso al frente. Los lobos siberianos son animales que destacan tanto por su belleza como por su ferocidad. Y, en ese aspecto, el nombre de esta banda oriunda de Valencia es todo un acierto. Su música es atrayente y, al mismo tiempo, se desprende de ella un halo de ferocidad que acrecienta ese efecto hechizante inicial. Siberian Wolves lo forman Borja Put (guitarra) y Alex Barberá (batería y voz). Y nadie más. Puede uno extrañarse de entrada al ver que su formación no consta de bajo, de varias guitarras que permitan juegos de apoyo entre ellas, o de otros instrumentos tan a la orden del día como los teclados o los sintetizadores. Pero si se les presta una escucha, resulta sencillo reconocer que ni falta le hacen. El grupo valenciano nació a mediados de 2014; es decir, no hace ni dos años. Claro que las inquietudes musicales de Borja y Alex venían de lejos y su romance con la música no inicia su andadura a raíz de esta formación. Lo que sí florece bajo la identidad de Siberian Wolves son las ganas de hacer algo distinto, de no sonar a todo lo que suenan muchas bandas de la actualidad. Y, en este caso concreto, la búsqueda de...

Cuando lo sutil se convierte en mil y una cosas más Abr20

Cuando lo sutil se convierte en mil y una cosas más...

Sutil es un cuarteto madrileño que estrena nuevo epé: The unsettled issues. Seis canciones que saben a poco y, al mismo tiempo, a mucho. Porque la contundencia y viveza que se desprenden de sus composiciones pueden dejar a más de uno sin aliento. Estamos ante una banda a la que resulta complicado colgarle una etiqueta. Su segundo trabajo de estudio poco tiene que ver con el primero, un patrón que se repetirá en relación al tercer proyecto, que ya tienen en mente. Son cuatro, y son jóvenes. Demasiado, si uno echa un vistazo concienzudo a sus carnés de identidad tras haber escuchado con antelación la música que hacen. Cuesta creer que un grupo de tan corta trayectoria (empezaron su andadura en el 2010) tenga un sonido tan maduro, tan compacto. Sutil lo forman José Pozuelo (cantante y saxofonista), David Pozuelo (guitarrista), Alvar García (bajista) y Daniel Castillo (batería). Ha pasado tiempo ya desde su primera actuación y, a la vez, muy poco. Porque con Sutil todo es relativo. La música, los estilos, las influencias, los significados. En relación a esa relatividad un tanto abstracta, merece la pena revelar la manera en que se gestó el nombre de la banda. Tan sencillo como que aquellos adolescentes (todos imberbes, casi seguro, por aquel entonces) no tenían del todo claro el significado de términos como sutil o sublime, por lo que los convirtieron en «palabras comodín». Tan comodín que una de esas palabras se erigió en protagonista en la ceremonia de bautizo del grupo. Una muestra del carácter desenfadado de la formación, que cuando se sube a un escenario deja a un lado todo lo sutil para dar pie a un espectáculo musical de alto voltaje. Les sirve la sala o taberna más pequeña para ofrecer una actuación...

War Requiem: Una Misa pro defunctis a lo Britten Mar17

War Requiem: Una Misa pro defunctis a lo Britten...

Benjamin Britten (1913 – 1976) fue un pacifista absoluto, no mostró una sola fisura a lo largo de su vida en este sentido y no dudó en manifestar su postura frente a la violencia en ningún momento de su vida. Su War Requiem es la mejor muestra de ello y la forma más bella de decir no a la guerra. Y el Teatro Real de Madrid ha ofrecido la posibilidad de disfrutar de la obra los pasados días 12 y 14 de marzo. Benjamin Britten fue uno de los mejores compositores del siglo XX. Eso es algo indiscutible. Podrá gustar más o menos, pero la calidad de sus partituras, la frescura de sus propuestas y lo atrevido de su trabajo, le convirtieron en una figura única e irremplazable. Cuando le encargaron que escribiera la partitura del réquiem que se tendría que escuchar durante la consagración de la catedral de Coventry (eso sucedería el 25 de mayo de 1962) supongo que ya contarían con que cualquier trabajo de Britten resultaría ser lo solicitado aunque filtrado por una forma de entender el mundo fuera de lo normal. De hecho, así fue. El War Requiem, op. 66 es una obra atrevida, moderna, única dentro de lo que conocemos como Misa pro defunctis o Réquiem. La catedral de Coventry existe desde el año 1043. Nació como comunidad benedictina, fue consagrada como catedral, más tarde perdió esa categoría para pasar a ser una iglesia más (St. Michael) y fue recuperada como catedral en 1918. Unos años después, durante la Segunda Guerra Mundial fue bombardeada y destruida casi en su totalidad. El 14 de noviembre de 1940, los aviones de la Lufwaffe se encargaron se reducir la edificación a un montón de piedras desordenadas. Algunos años antes, cuando faltaba una...

Los riesgos de debutar con un sobresaliente Mar13

Los riesgos de debutar con un sobresaliente...

Kodaline, el grupo irlandés que deslumbró al público en 2013, publica nuevo disco. Coming up the air (2015) contiene canciones al nivel de sus trabajos anteriores, pero también otras que buscan una tímida renovación que no termina de despegar. Su indie rock destacó entre las masas de bandas que se enmarcan hoy en día dentro de este género por su naturalidad, por su sonido espontáneo y sencillo. En su último disco han acusado parte de ese éxito repentino que situó las expectativas en lo más alto. Triunfar es un concepto al que todo ser humano se aferra en algún momento de su vida. Hay en quienes se hace un objetivo pasajero, poco obsesivo; para otros puede convertirse en un arma de doble filo, en un ángel con cuernos y olor a azufre. Porque el triunfo, cuando se alcanza, genera unas expectativas. Y en la carrera musical de una banda, triunfar agiganta los pasos que conviene dar para mantenerse en lo alto. Por si fuese poco, otra característica peligrosa que acompaña a este concepto es la adicción, la necesidad de obtener más. Kodaline es un cuarteto irlandés de música indie rock (juega también con ecos folk), que ya había tenido su espacio entre las páginas de este suplemento. Su mérito había sido el de abrirse paso con determinación en un mundo donde no es sencillo destacar si una varita dorada (que a menudo adopta la figura de un productor musical) no se decide a brindar una mágica ayuda. A Kodaline el éxito total le llegó de la mano de uno de sus videoclips. En cierto modo, el sitio web Youtube fue su gran aliado. All I want era uno de los temas de su epé, una bonita e íntima balada que el grupo decidió acompañar de...

La luna de Chopin Mar10

La luna de Chopin

Hasta el próximo día 15 de marzo, y dentro de su programa de actividades pedagógicas, el Teatro Real de Madrid ofrece la posibilidad de escuchar algunos de los nocturnos de Chopin en su Sala de Orquesta; posiblemente el lugar más bonito y entrañable de este teatro. Es la primera vez que el público puede acceder a esta sala para disfrutar de un concierto. Las vistas son espléndidas (la calle Arenal, las cubiertas de las buhardillas con más sabor a bohemia, y la luna que aparece poco después de comenzar el espectáculo. Despacio, elegante, queriendo hacer compañía a una serie de privilegiados que están escuchando piezas inolvidables). Al piano una joven que interpreta con sensibilidad y, a la vez, fuerza arrolladora. Noelia Rodiles. Una mujer virtuosa que fundó el Trío Lorca y que, además de ofrecer conciertos exquisitos, es profesora en la Escuela Superior de Música Reina Sofía y en el Centro Superior Katarina Gurska de Madrid. Está fantástica interpretando todas las piezas aunque con el nocturno nº 5 Op. 15 nº 2; el nº 10 Op. 32 nº 2; y con el Carnaval Op. 9: Chopin (el concierto incluye esta pieza de Schumann y otra de Mendelssohn para recordar a los amigos de Chopin y cómo lo admiraban), deja ver toda la fuerza de su interpretación, su virtuosismo. Las explicaciones de Fernando Palacios son acertadísimas y muy divertidas. Nos llevan desde la llegada de Chopin a París hasta su muerte; nos explican ese mundo que el compositor vivió, su fama, cómo las jóvenes parisinas peleaban por recibir clases de Chopin. Y todo lejos de profundidades innecesarias, buscando el entendimiento de los más pequeños y de los adultos. Suelo acudir a los conciertos con alguno de mis hijos o con mi esposa. Era el turno...

El adiós al niño que creció con una pistola Mar03

El adiós al niño que creció con una pistola...

Después de diez años de travesía por un sinfín de escenarios, el grupo gallego Niño y Pistola pone punto y final a su espléndida trayectoria. Lo hace con un último epé de despedida y en edición limitada: Bye Kid. Su sonido era (o es, porque sigue todavía en pie) uno de los más representativos en el género del pop conjugado con el folk rock. Nos deja para el recuerdo, y para el disfrute, cuatro grandes álbumes. Siempre resulta complicado decir adiós. Sobre todo, si tiene visos de ser una despedida definitiva. Podemos tolerar un hasta luego, un hasta pronto, pero, un adiós, es más difícil de sobrellevar. Y tras diez años de carrera, después de varios discos y una cifra casi incalculable de conciertos a su espalda, toca despedirse de un grupo que ha sabido brillar con luz propia, capaz de reinventarse con acierto en cada trabajo publicado. Este será un hueco difícil de rellenar, una ausencia nada sencilla de olvidar. Niño y Pistola es una banda gallega formada por Manuel Portolés (voz y guitarra), Arcadio Nóvoa (guitarra y coros), Ramón Martín (teclados y coros), Álvaro Álvarez (bajo) y Enrique Esmerode (batería). Hay que remontarse al 2006 para redescubrir el disco con que el grupo se dio a conocer, el trabajo con que surgió de manera hechizante para dar una vuelta de tuerca a todo lo que sonaba a pop en España por entonces. Como un maldito guisante fue el título escogido para recoger diez canciones de un estilo que sonaba a fresco, con una gran carga melódica. La sencillez era la bandera de este grupo que empezaba a sonar cada vez más por la geografía española, valiéndose del carácter acústico de sus composiciones. No fueron pocos los que se lanzaron sin miedo a...

Un nuevo ‘Raemon’ para conectar con el de siempre Feb25

Un nuevo ‘Raemon’ para conectar con el de siempre...

The New Raemon es el proyecto musical de Ramón Rodríguez, que este año ha vuelto con Oh, rompehielos. De este modo, recupera algunas de sus antiguas sensaciones, unidas a indagaciones en un terreno más reposado e íntimo. Ha demostrado nadar con criterio en las aguas del pop, jugando a conciliar este género con otros diferentes, como el folk. Esta vez, ha apostado por mimar la producción de su trabajo al combinar ambientes sonoros sencillos con otros más elaborados. No es nada fácil encontrar la identidad que uno busca cuando hablamos de música. Hay tantas posibilidades, tantos géneros y estilos que nos pueden conmover aun siendo radicalmente diferentes entre sí… Se puede tener muy claro, o nada en absoluto. Ramón Rodríguez es un músico que nos hace pensar que sí, que tiene las ideas bien claras cada vez que decide zambullirse en un nuevo trabajo de estudio. Por eso acumula ya unos cuantos en su carrera musical y, a su vez, por eso hay tantas similitudes como diferencias entre cada uno de ellos. Ahí está la clave: en evitar la caída en reiteraciones y trabajos que suenen a lo mismo. Sin dejar a un lado un signo de identidad, su signo. The New Raemon es un proyecto surgido en Barcelona en el año 2008, liderado por el músico Ramón Rodríguez y cuya carta de presentación puso el listón bastante alto de entrada: A propósito de Garfunkel. Un álbum intimista y sobrio que sorprendió a muchos, con varios temas tan contagiosos como disfrutables. Desde entonces, han sido varios los trabajos que ha habido de por medio hasta llegar al que ha presentado este mismo año; varios cambios y experimentos por el camino, también. Oh, rompehielos (2015) cuenta con diez nuevas composiciones donde su esmerada producción es lo...

Donny Hathaway, la gran voz del soul que todos han olvidado Feb17

Donny Hathaway, la gran voz del soul que todos han olvidado...

Hay algo de mágico y especial en las grandes voces del soul. Marvin Gaye u Otis Redding son chamanes de un cielo al que sólo unos pocos pueden llegar y que pronto se olvida de los que no tuvieron tiempo de firmar un pacto con la posteridad. Esta es la crónica de un destierro, la de un músico que abandonó a las puertas del Olimpo. Donny Hathaway creyó que alguien había conectado una máquina a su cerebro para robarle el talento. “Gente blanca”, le dijo al productor y compositor James Mtume, “quieren apropiarse de mi música y mi sonido, hay demasiadas personas intentando matarme”. A sus 34 años y con toda la vida por delante, una esquizofrenia paranoide quiso que la madrugada de un domingo, después de una intensa jornada de grabación con Roberta Flack, se arrojase desde el piso 15 del Essex House Hotel, en Nueva York. Su muerte, sin embargo, continúa siendo una incógnita para muchos, y es que según amigos como Quincy Jones, le faltaba nervio para dejar el mundo. Su adiós se produjo justo cuando resurgía después de una etapa de sombras. Ya en 1971, su mujer, Eululah, empezó a ver comportamientos erráticos en el artista. Hablaba sólo, estaba demasiado irritable y pasaba largas épocas deprimido. Debido a la enfermedad, perdió a su familia y a casi toda su gente, entre ellos, cantantes como Aretha Franklin o la propia Roberta Flack, a la que conocía desde sus años en la Howard University de Washington. El pensar en aquella noche es pensar en el sufrimiento que tuvo que ser para él el sentirse incomprendido y quién sabe si alguna vez tuvo la mala suerte de ser consciente de su delirio. Pensar irremediablemente en su dolor, con la melodía de su maravillosa...

La continuidad de un pop con orden bien visible Feb10

La continuidad de un pop con orden bien visible...

Eladio y los Seres Queridos es un grupo gallego que a finales del año pasado presentó nuevo disco, después de la dilatada gira que los llevó por toda España con su Están Ustedes Unidos (2011). Ahora, los escenarios acogen su Orden invisible (2014) La apuesta por la continuidad en su estilo de pop maduro y amable es lo que se refleja en el último trabajo de estudio de Eladio y los Seres Queridos. Doce canciones con una cuidada presentación y el homenaje a un par de clásicos muy dispares Hay muchas maneras de sujetarse al pop y convertirlo en una vía de expresión musical convincente. Más si nos centramos en la miscelánea de subgéneros existentes en la actualidad, donde al pop le ha brotado una gran rama denominada indie. Lo que Eladio y los Seres Queridos hace es arrullar al género en sus brazos y sacarle una cálida y amplia sonrisa. Al contrario de los grupos que buscan ritmos frenéticos, con melodías resbaladizas y que parecen suspirar por una vida rápida y efímera, esta banda gallega no tiene en mente ganarle ninguna carrera al metrónomo. Lo que hace, lo hace con el pulso y la serenidad propios de una actitud tan amable como sólida. Eladio y los Seres Queridos está compuesto por Eladio Santos (voz, guitarra y compositor), Oscar Durán (bajo), Marcos Vázquez (piano y teclados) y David Outumuro (batería). Aunque su discografía comienza con Esto que tienes delante, en 2007, el auge de este grupo vino de la mano de su siguiente trabajo, Están ustedes unidos, publicado en 2011. La gira que por entonces llevó a cabo la banda no está al alcance de muchos artistas, con más de cincuenta ciudades visitadas y conquistadas con ese pop amable que reaparece en Orden invisible....

Audra McDonald: La voz improbable Feb03

Audra McDonald: La voz improbable...

Fotografías de Javier del Real En el Teatro Real de Madrid arrancan las Sesiones golfas, un programa dedicado a la música de cabaret y de grandes musicales. Y no comienzan con cualquier artista. La actriz y cantante Audra McDonald ha sido la primera invitada. El concierto no ha podido ser más fascinante y los fans de esta mujer lo recordarán durante mucho tiempo. Último día del mes de enero. El frío está instalado en Madrid. En el centro de la ciudad, miles de personas van y vienen. Con sus bufandas, sus gorros de lana, con los abrigos bien abrochados. Caen algunas gotas. Heladas, también. Y sólo unos pocos de los que caminan por las calles de la ciudad van a tener el privilegio de asistir al concierto de Audra McDonald. Primero y único de la artista en España. Al llegar al Teatro Real, en el hall de entrada se escucha ese run run tan característico que anuncia que algo grande va a suceder sobre el escenario. Los seguidores de Audra McDonald van ocupando sus localidades, comentan la gran fortuna que supone asistir al concierto. Los que no conocen a la cantante, pero han acudido a la cita por alguna recomendación recibida, esperan pacientemente para descubrir si eso que les han dicho es cierto o una exageración. Los instrumentos, sobre el escenario, esperan perfectamente colocados, reflejando las luces de los focos. Inexplicablemente, hay localidades que van a quedar vacías. No son muchas aunque alguno de los palcos queda huérfano y el paraíso no termina de llenarse. En cualquier caso, a las ocho de la tarde todo está listo. La señora McDonald aparece en el escenario. Espléndida, radiante, luciendo un vestido precioso. No tengo más remedio que decir que es una mujer terriblemente atractiva. Junto a...

La senda hacia un terreno musical exento de leyes Ene27

La senda hacia un terreno musical exento de leyes...

If es el tercer trabajo discográfico de Neuman, y con él han puesto patas arriba la escena musical española en 2014. Un álbum difícil de describir, repleto de matices y con una producción y ejecución muy cuidadas. Aunque Neuman no ha aparecido de la nada y llevaba años considerada como una «banda de culto», con su último disco se ha atrevido a dar otro paso más en ese camino tan personal y singular que se ha decidido a trazar. Estamos acostumbrados, de manera consciente o inconsciente, a catalogar la música que llega a nuestros oídos; nos ocurre tanto con los estilos que nos hacen vibrar como con los que apenas consiguen transmitirnos algo. Rock, pop, blues, jazz, reggae, metal… Pero, ¿qué pasa cuando aparece un grupo que no conseguimos insertar en ningún casillero? Por lo general, hay dos grandes posibilidades. O no le pillamos el truco, o se lo pillamos y mucho. La segunda de las opciones es la que pega más con Neuman. Hay quien los define como un grupo de pop, quien habla de su música como si fuese un subgénero propio dentro del rock, mientras otros tan solo aciertan a decir «tiene algo de experimental… no sé, está muy bien». Quedémonos con el está muy bien, pues los géneros, en el caso que nos atañe, importan bien poco. Este grupo murciano está formado por Paco Román (voz y guitarra), fundador de la agrupación, Fernando Lillo (piano), Juan Salinas (guitarra), David Manzullo (bajo) y Alex Dumdaca (batería). Llevan años tocando juntos, moviéndose por el terreno musical con buenas maneras, dejando constancia de que no son una banda al uso en cuanto a materia musical. De ahí que muchos encuentren facilidad para colgarles la etiqueta de «banda de culto». Mucho más fácil que detenerse...

Descubriendo a Fredi Leis: verso, pudor y lágrimas Ene27

Descubriendo a Fredi Leis: verso, pudor y lágrimas...

Allí donde lo dejaron Sabina, Aute o Serrat, hay una nueva generación de voces intimistas reinventando la poesía. Sin desmerecer a los grandes, podemos decir que vivimos una segunda época dorada de la canción de autor. Pero en este revival son pocos los que sorprenden de verdad, y sólo con uno he experimentado el amor a primera escucha. Le conocí entre copas y al calor de las buenas amistades. Era 4 de septiembre en el Libertad 8. Madrid todavía olía a verano y a mí me llevaban a un concierto con el corazón a flor de piel. El músico se llamaba Fredi Leis y me habían dicho que en cuanto se subiera al escenario le iba a querer. El salón estaba lleno y mi amiga Julia no paraba de hablar de las noches que había compartido con él en Santiago, y es que después entendí que cuando Fredi canta, te está cantando a ti, sólo a ti, y ya no existe nadie más en el bar. Es difícil ordenar las ideas para hablar de este coruñés. Con 26 años parece que ha vivido todos y cada uno de los sabores y sinsabores del amor. Escucharle es desnudarse y asumir que te va a doler el alma, que probablemente vas a volver a casa tocada y hundida, recordando todas las veces que alguien te obligó a querer sin querer. Fredi Leis es delicado y sutil. Juega con las palabras para poner letra a eso que llamamos estar enamorado. Suena a Ismael Serrano, a Andrés Suárez y a Marwan, pero es él. Él y su piano; y tú; y tu vida frente a ti, con toda su dureza y sin contemplaciones. Fredi te abre y te cierra, te remueve por dentro y se pasea por esos...

La vuelta a escena del cantautor escondido Ene13

La vuelta a escena del cantautor escondido...

Damien Rice, cantautor irlandés, estrenó a finales del año pasado un nuevo álbum. Ocho años habían pasado desde su último trabajo, sin apenas ofrecer noticias o pistas sobre nuevos proyectos. Pero, al fin, llegó My favourite faded fantasy. Las canciones de Damien Rice tienen una naturalidad, un carácter intimista, difícil de encontrar en otros artistas. En sus nuevas ocho canciones el músico apenas innova, pero satisface la demanda de muchos fans: más composiciones suyas. Hemos entrado en un nuevo año, apreciado ya el sabor de sus primeros días. Pero todavía queda el aroma a novedad, al «¿qué nos deparará este año?». Estamos aun cogiéndole el ritmo al 2015. Y una buena manera de dar comienzo a una nueva etapa, tan buena como cualquier otra, es echar un vistazo a lo mejor de la anterior. Podríamos empezar con alguno de los trabajos musicales que, en España, han tenido lugar a lo largo del 2014. Pero han quedado ya bien retratados en los números anteriores de esta sección y, ante las previsiones de proyectos muy sugerentes y prometedores que se avecinan en el presente año, la opción para llenar estas líneas ha sido otra. Es el momento de hablar sobre My favourite faded fantasy, el último trabajo de Damien Rice. Publicado hacia finales del año pasado, supuso la vuelta al ruedo de este artista irlandés que deslumbró con sus discos anteriores. Estamos ante un buen álbum, de un músico genial. Solo buen álbum, porque este no mejora el nivel de los anteriores. Pero Damien Rice llevaba ocho años sin publicar nada, sin apenas dar pistas sobre si se encerraría de nuevo en un estudio de grabación o no. Y, además, el resultado no ha sido malo en absoluto. Simplemente, el listón estaba bien alto. My favourite faded...

The Folie Diamond, música para las Cruzadas del siglo XXI Ene13

The Folie Diamond, música para las Cruzadas del siglo XXI...

En el Madrid más moderno y underground, allá donde peregrinan hipsters y alternatas de provincias, el Madrid de las caretas y los nuevos comienzos, todavía quedan personas que se salen de la norma para vivir y actuar desde el corazón. Es el caso de los chicos de The Folie Diamond, un quinteto nacido en el kilómetro cero peninsular que llegó en 2014 para recordarnos que todavía se hace algo más que música de garaje en la capital. Madrid es hoy un reino punk, de guitarras crudas y sonidos estudiadamente imperfectos. El todo vale está de moda y la noche suena a rebeldía juvenil. En este ambiente se conocieron Fran, Antonio, Mario, Javi y José, cinco chicos que aparentemente no tenían nada en común más allá de un amplio bagaje musical. 2012 es su punto de partida. En Aranjuez, Fran y Antonio, dos amigos de toda la vida, empezaban a hablar de cambiar las cosas mientras escuchaban a The Doors, Pink Floyd o a The Stranglers. Estos grupos hicieron mella en su subconsciente mientras poco a poco empezaban a componer lo que más tarde sería The Love Yihad, su primer EP. Juntos, escribieron las cinco canciones que componen el álbum. El local de grabación fue un espacio casero propio de músicos amateur. El resultado, sin embargo, fue un trabajo inesperadamente profesional. Lo hicieron solos, todavía no habían pensado en Javier, con quien Antonio había tomado contacto en la Escuela de Música Creativa. Fue en marzo de este año cuando abrieron su bandcamp y empezaron a sonar como alternativa a la música imperante del momento. Para entonces, The Folie Diamond estaba ya al completo y empezaba su periplo por pequeñas salas y algún que otro festival nacional. En su “Guerra Santa” hay mucho teclado, mucha psicodelia...

El nuevo Casanova de la escena musical: pop fresco y bailable Dic16

El nuevo Casanova de la escena musical: pop fresco y bailable...

Alex Casanova irradia juventud y frescura a través de composiciones con un fondo de tintes oscuros. Su música puede convertirse en lo más bailable de una sala, y tiene en su público tanto a mayores como a pequeños. Antagonasia es el primer trabajo de este músico gallego, que se ha decidido a encarar en solitario una carrera que tiene por bandera un pop fresco y enérgico, donde el sintetizador es pieza clave. Cuando la música consigue hacer sentir algo en quien la escucha, el artista se estará anotando un tanto. Da igual que la sensación suscitada sea de tristeza, de alegría, de nostalgia. O de beberse un buen refresco en una tarde calurosa como las que se dan en Madrid, o en Andalucía, o en las Baleares, en un día cualquiera de agosto. Ese es el efecto que desencadena escuchar Antagonasia, el debut de Alex Casanova. Una dosis de frescura pop que reta a todo aquel que tenga por costumbre escuchar música sin menearse. Tras el seudónimo de Alex Casanova se encuentra un joven de veinticuatro años cuya identidad no será desvelada, porque desde hace ya mucho tiempo cultiva ese alter ego que se ha decidido este año a dar un golpe sobre la escena musical española. Antagonasia es el nombre de su primer trabajo, un concepto ideado por él mismo para definir el contenido que ha moldeado en solitario: el contrapunto entre una musicalidad y una armonía luminosas que contrastan con el fondo algo turbio de sus letras. Ocho composiciones, elegidas de entre más de cien proyectos que el joven artista tenía registrados en su activa cabeza. Con esta carta de presentación, se ha dado pistoletazo de salida a una carrera que varios medios musicales no han querido pasar por alto. Porque una cosa...

Rock psicodélico fermentado en experiencia Dic16

Rock psicodélico fermentado en experiencia...

Explosivos, con un aire de rock clásico y atrevido, los ingleses de The Brew se han consolidado en seis discos y como una de las bandas de referencia del sonido de los setenta. Esta es la crónica de una segunda oportunidad. De una segunda oportunidad en el mundo de la música, así que no es una historia común, sino algo absolutamente extraordinario. Tim Smith quería ser estrella del rock, pero la pequeña ciudad portuaria de Grimsby, abierta al Mar del Norte no era desde luego el mejor escenario posible para sus pretensiones de adolescente. No al menos a mediados de los años setenta, cuando además todos los adolescentes ingleses querían ser estrellas del rock. Tim no dejó nunca las cuatro cuerdas de su m bajo. Se hizo un hombre y siguió tocando. Tuvo un trabajo, casa, hipoteca, esposa, y siguió tocando. Tuvo un hijo y siguió tocando hasta convertirlo en su único seguidor. Quiso que tocara, pero al chaval le interesaron más las baquetas de la batería. Tim siguió tocando, con un batería al que le sacaba treinta años de experiencia, y que llevaba su misma sangre. Entonces, Tim Smith quiso que Kurtis Smith fuera una estrella del rock del siglo XXI. Y siguió tocando. Con él. Para él. Y decidió montar una banda. El verbo inglés to brew tiene ocho traducciones posibles al castellano. Alguna tan british como infusionar (el té) o elaborar cerveza. Otras, contrarias en su sentido, como promocionar, reposar, fabricar o amenazar. Pero el que alude al proceso de fermentación es el que mejor define a la banda británica, que en sólo seis años ya ha ingresado en la categoría de leyenda del revival rock. Eso es lo que hizo Tim Smith: hacer fermentar su experiencia sobre una base de talento, veinte años después...

Sevilla tiene más de un color especial (y musical) Dic09

Sevilla tiene más de un color especial (y musical)...

Full es una banda nacida en Sevilla que, tras sus dos primeros EP, dio un salto notable con su primer larga duración: Mi primer atraco (2013). Canciones de indie-pop enérgico, con melodías y letras que convierten en un trabajo redondo el disco entero.Con letras profundas y con facilidad de atraer al oyente, la banda da forma a un trabajo compuesto por doce composiciones donde logran no repetirse, y con las que demuestran tener mucho que contar a través de su música No dejan de aparecer nuevos nombres en el panorama musical de toda la península, es una realidad tan grande como reconocible. Vamos en un medio de transporte, en el coche, de camino al trabajo, a una cita o de regreso a casa. Y en la radio suenan temas que se quedan resonando en el oído. Pero, además, con el auge y poderoso dominio de internet, ahora todavía más agrupaciones tienen la posibilidad de llegar a un mayor número de oyentes. Hay de todo, claro. Mejor o peor. Pegadizo o demasiado plano. Tradicional o experimental. De todo; en las diferentes plataformas que internet pone a disposición, uno puede encontrarse de todo. Y eso es algo que se agradece cuando, de repente, el nombre de Full aparece por algún recoveco y decides saciar tu curiosidad. Full es un proyecto nacido en Sevilla, cuyo éxito y acogida lo ha ido dibujando como una banda a caballo entre la capital andaluza y Madrid. Sus componentes son Javi Valencia (voz y guitarra), Bubby Sanchís (guitarra y coros), Manu Jurado (teclado y coros), Jesús Gutiérrez (bajo), y Jaime Gutiérrez (batería). La identidad de Full comenzó a labrarse cuando, en 2011, publicaron el que sería su primer EP, 7 meses en la caseta del perro. Una carta de presentación consistente...

La explosión de hard rock que no vino de Los Ángeles, sino de Madrid Dic02

La explosión de hard rock que no vino de Los Ángeles, sino de Madrid...

El género del hard rock (acompañado de un sleaze, para quien controla bien la escena) celebra el estreno de un nuevo trabajo. Swallow and shut up?? es lo nuevo de Sexplosion, una banda madrileña que ha dado lugar a un álbum compacto y contundente. Sexplosion es un cuarteto madrileño dedicado, en cuerpo y alma, al más puro estilo hard rock sleaze. Sus estructuras contundentes y sus mensajes de filo cortante hacen recordar a la época gloriosa que surgió en Los Ángeles, en la década de los 80. El género anteriormente mencionado está bastante extendido por la geografía española, si bien no goza del mismo reconocimiento que otros como el pop o el rock más ligero. Sin embargo, las bandas que ponen una distorsión afilada a sus guitarras y cuyas baquetas redoblan furiosas jugando con los ritmos, cuentan con un público fiel y enérgico. Rara vez son nombre protagonista en festivales de corte mainstream, ni falta que hace. A quien le interese la música más salvaje, aquella con la que agitar melena o coronilla al descubierto, sabe a dónde acudir. Y qué grupos seguir. Sexplosion es una banda surgida en el vientre de Madrid, aunque si a uno le ocultan el dato hasta después de haberlos escuchado, puede quedarse bastante sorprendido con la revelación. Su sonido recuerda a la explosividad más pura del hard rock que tuvo su punto álgido en la época de los 80, allá por Los Ángeles. Por dar una referencia, con la que se puede estar de acuerdo en mayor o menor medida, en el repertorio de este cuarteto madrileño hay composiciones que hubiesen firmado los mismos Guns N’ Roses. Las influencias, pero también el descaro y la potencia que vierten en sus letras y estructuras musicales, hacen casi inevitable acordarse de...

Músicas, femenino plural Nov27

Músicas, femenino plural...

La orquesta de cuerda Almaclara, integrada únicamente por intérpretes femeninas menores de treinta años, rinde homenaje con sus propuestas a todas las mujeres que han escrito su nombre con mayúsculas en la historia de la música clásica. Conciertos basados en piezas clásicas que sirvieron de banda sonora al cine, fusión con el baile y el cante flamenco, o proyectos pedagógicos para la aproximación integral a la música clásica son algunas de las propuestas de la original formación. Decidieron buscar una inspiración más allá del pentagrama, y la encontraron en esas otras líneas en las que los músicos escriben su propia vida: la de sus biografías. Eran mujeres y hacían música, y decidieron buscar en las vidas de otras mujeres que encontraron su esencia en el mismo arte de hacer vibrar el aire convirtiéndolo en melodía. Así nació Almaclara, una formación integrada por una veintena de intérpretes de cuerda, todas ellas menores de treinta años, que apostaron por una visión femenina de la composición; de la interpretación, de la música. Y así es como llegaron hasta otras dos mujeres a las que obviamente conocían, Alma Mahler y Clara Schumann, y a cuyos nombres de pila deben el nombre de la formación. También llegaron hasta el descubrimiento de que habían supuesto mucho más de lo que los anales han querido contar, precisamente por su condición femenina. La vienesa, esposa de Gustav Mahler, fue conocida por sus affaires con los pintores Klimt y Kokoshcka, y sus posteriores matrimonios con el arquitecto Walter Gropius, fundador de la corriente conocida como bauhaus, o el escritor Franz Werfel. Pero además de sus relaciones sentimentales con algunos de los puntales de la cultura centroeuropea de principios del siglo XX, que decían mucho del estímulo intelectual que el espíritu creativo de Alma Mahler...

El artesano de las  melodías y texturas musicales que encontró su libertad Nov18

El artesano de las melodías y texturas musicales que encontró su libertad...

La grieta (2014) es el segundo trabajo de Jero Romero, ex componente de la desaparecida The Sunday Drivers, en «solitario». Hay que señalarlo así porque, esta vez, el artista hace uso de un ambiente instrumental mayor, sin dejar de lado su carácter intimista. En estas nuevas diez canciones, hace lo que mejor se le da: construir melodías y gozar de una libertad estructural y armoniosa difícil de encontrar en otros terrenos. El nombre de Jero Romero, antes de descubrir ese espacio donde orbitar a su propio ritmo y bajo sus propios movimientos, se dio a conocer cuando la banda española The Sunday Drivers contagió a todo el país con su pegadizo y exitoso Do it. Por aquel entonces, Jero era el vocalista y guitarrista de esta formación, que tuvo una trayectoria de unos diez años y gozó de cierto éxito en varios países europeos. En España la banda tuvo también su séquito de seguidores, aunque ya sabemos cómo nos portamos a veces con los artistas de la casa que se ponen a cantar en idioma anglosajón. Pero, en 2010, la banda anunció que había escrito su punto y final. Por supuesto, se trataba de músicos inquietos y con mucho que contar todavía a través de la música, así que algunos formaron la banda Mucho (de la que probablemente no tardaremos demasiado en hablar en estas páginas) y Jero Romero se decidió a iniciar una carrera en solitario. En 2011, por tanto, el ex miembro de The Sunday Drivers sacó a la luz su primer proyecto, titulado Cabeza de león. Lo hizo tras recibir una destacable acogida a través de la red, en la que apostó por el (tan conocido hoy en día) método del crowfunding: proponer a los posibles interesados que invirtiesen en la...

La esencia del punk peruano se reinventa en las entrañas de Madrid Nov11

La esencia del punk peruano se reinventa en las entrañas de Madrid...

Landia es una formación reciente que tiene su base en Madrid. Sus miembros, Renzo y Emilio, son viejos conocidos de la escena musical del punk peruano, cuya esencia modelan ahora en territorio español. Su carácter enérgico, junto con sus melodías pegadizas y cadenciosas, se mezcla con el alto voltaje de sus conciertos. Hace apenas un mes han estrenado su primer trabajo de estudio, autoeditado: Grandes éxitos vol. 1. España puede presumir, en la actualidad, de acoger en su seno a una notable cantidad de géneros y subgéneros musicales. Bandas con las que se podría conformar un diccionario bien completo, y que seguramente tendría recorrido pleno desde la A hasta la Z. Pero, además, en nuestra tierra tienen cabida artistas oriundos de otros países, de otros continentes. Es así como podemos llegar hasta Landia, una formación fresca y potente que comienza a reclamar, mediante alto voltaje, la atención que merece. Y la esencia de Landia, con su base ubicada en Madrid, hay que buscarla en Perú. Esta reciente formación está compuesta Renzo Lancho (voz y guitarras) y Emilio Quezada (batería), dos músicos peruanos que en la actualidad se encuentran afincados en la capital española. Si este artículo se publicase en su país natal, los nombres de estos dos componentes resultarían más que familiares. Porque tanto uno como otro tienen su propia historia musical allá. De hecho, Renzo es el fundador de la desaparecida Dalevuelta, banda puntera en la escena del punk en Perú. Una formación que, durante sus once años de existencia, llenó estadios, revolucionó (junto con otras cuatro o cinco bandas) un género que en ese país estaba apenas explotado, y se jactó de conseguir que sus seguidores hiciesen unos pogos dignos de quitar el hipo. Renzo y Emilio, viejos conocidos, se han reencontrado...

Concierto para los rincones del silencio Nov04

Concierto para los rincones del silencio...

Una joven orquesta asturiana lleva nueve años llevando música a distintos lugares del mundo, deprimidos por distintas circunstancias. Conciertos, formación musical, luthería y donación de instrumentos son las líneas de un programa solidario que ha conseguido arrancar miles de sonrisas y hacer nacer y resugir algunas vocaciones musicales. Hay rincones del mundo en los que no suena la música. Son lugares en los que la tristeza ha silenciado todas las melodías. El ritmo al que pasan los días es el que marca la subsistencia. Las canciones que no llegan a la garganta hablan quizás de hambre, quizás de soledad, quizás de pérdidas, de odio, de miedo. Suenan en la memoria, en el recuerdo de otros tiempos que se fueron. De tiempos en los que si había ritmo, y melodía. Pero hay quienes se han empeñado en llevar música a esos rincones sin música. Han decidido hacerlo porque saben que la música es capaz de transportar todo aquello que les falta a la gente que vive en esos lugares, ya sea libertad, esperanza o progreso. Hace ya nueve años que Manuel Paz, el director de la Orquesta de Cámara de Siero, decidió poner en marcha el proyecto Vínculos, señalando con su batuta dos puntos del mapa de América Latina: Bolivia y Brasil. Con un programa de doce conciertos, actuaciones en lugares como la favela Cantagalo de Rio de Janeiro, y decenas de horas de formación de instrumento a niños que jamás podrían haber soñado siquiera con abrazar un violonchelo, se iniciaba la andadura solidaria de la orquesta. Desde entonces, los maestros de la OCAS han decidido consagrar sus vacaciones a la solidaridad. Volvieron a Bolivia dos años después, y volaron a Honduras y Guatemala en 2008. Nicaragua, Ecuador, Grecia, Marruecos en dos ocasiones, y también...

Cuando la muerte viaja en el silencio Oct28

Cuando la muerte viaja en el silencio...

Desde ‘Lili Marleen’, basada en el poema de un soldado de la Primera Guerra Mundial hasta el ‘Devils & dust’ de Springsteen, en la que también se mete en la piel de un combatiente en Iraq, la música del último siglo ha rendido homenajes a aquellos que recurrían precisamente a la música para evadirse del sonido de las balas, y del silencio de la muerte. El rock de los ’70 y la Guerra de Vietnam supusieron una simbiosis absoluta entre la crueldad de los combates y las composiciones desgarradoras, impregnadas de rabia. Las balas silbaban a su alrededor, impregnando el aire de un fétido aliento de muerte. La niebla no dejaba ver los destellos de los Kalashnikov del Vietcong. Unos y otros disparaban a ciegas, guiados solo por el estruendo. La compañía avanzaba, poderosa, aplastando toda la vida que encontraba a su paso. Era un niño al que la madurez le había llegado de golpe, en forma de uniforme mimetizado. Estaba aterrado. Era su bautismo de combate. En la espesura de la jungla, temblaba encogiendo las piernas sobre su pecho, mientras los disparos sonaban desde el otro lado del río. Un cabo del pelotón había tratado de tranquilizarlo, pero sólo consiguió proporcionarle una noche de vigilia. —No tienes que preocuparte. Si escuchas el disparo, es que esa bala ha pasado de largo. No te quería, amigo. No llevaba tu nombre. El joven soldado le miró con una mezcla de agradecimiento e incredulidad, antes de reflexionar que su compañero de armas llevaba razón. A veces, cuando se producía una detonación aislada, se oía el silbido del proyectil antes que el quejido del fusil en la distancia. —En la escuela de Físicas se aprende que las balas viajan más rápido que el sonido. No puedes escuchar...

Las máscaras que el tiempo arranca Oct28

Las máscaras que el tiempo arranca...

La Sala Malandar de Sevilla acoge el próximo 23 de noviembre la presentación de En busca del tiempo perdido, el nuevo disco de Carlos Abad. Los diez temas que conforman el trabajo hablan recurrentemente el paso del tiempo, y de cómo modifica las relaciones humanas y la propia esencia de las personas. Una lección musical de filosofía, con aires que recuerdan a Jeff Lynne o a The Beatles en muchos de los arreglos y en la propia atmósfera de las canciones. Camina titubeando en cada paso. Cierra los hombros sobre su pecho, y tiende a unir los dedos, que parecen desprovistos de sentido sin una guitarra en las manos. También tiende a bajar la mirada, como si buscara encontrar la visión de seis cuerdas vibrando entre sus caderas. Paradójicamente, su espalda se curva levemente al bajar del escenario, y se yergue cuando la cinta del instrumento ejerce la presión del peso y de la responsabilidad. Tiene arrestos de coraje escénico, pero enseguida son frenados por las riendas de su retraimiento. Así es Carlos Abad (Sevilla, 1982): un músico desnudo de arrogancias, que compone y toca para encontrar los caminos por los que llevar al mundo su visión del mundo. «Nunca pienso en hacer nada comercial. Y no es por no prostituirme, sino porque el único motivo por el que hago esto es por amor al arte, por plasmar en un disco lo que he querido contar», asegura él mismo con una determinación nacida —se percibe en la gestualidad— de principios férreos; inquebrantables. En busca del tiempo perdido es el título que llevan esas diez reflexiones del artista sevillano, agrupadas en un disco que originalmente pretendió que tuviera el vinilo como soporte. «Quería jugar con el tópico de las dos caras de la moneda, y...

El estilo confundible que responderá siempre al nombre de Cornelius Oct21

El estilo confundible que responderá siempre al nombre de Cornelius...

The Cornelius es una banda que, a pesar de su completo historial, todavía no ha soplado ni diez velas. Con un estilo que se mueve entre corrientes de funk y pop rock, ha conseguido que productores como Mick Glossop se enamorasen de su trabajo. Tras diferentes experiencias en escenarios y estudios de grabación, en 2013 publicaron Walking in Circles, donde algunos de sus temas recuerdan al álbum que supuso su primer y asombroso trabajo: Greatest Hits. Son actualmente The Cornelius, antes han sido Cornelius 1960 y, en sus orígenes, decidieron acompañar el agua bendita de un simple Cornelius. Y ese, guste más o guste menos, será el nombre que perdurará: Cornelius. Al igual que el estilo con el que abrieron tantas bocas y se ganaron tanto respeto. Una banda compuesta por auténticos profesionales de la música, tanto en materias de composición como de ejecución. Su carácter funky, sus composiciones trabajadas y pulidas hasta el detalle más sutil, y la genialidad de sus directos los convierte en un grupo que todavía no goza de todo el prestigio que merece. The Cornelius se compone en la actualidad de David Caneda «Chiquillo» (voz), Antonio Casado «el Abuelo» (guitarra), Toni B. Willisch (guitarra), Andoni Arcos (bajo), José A. Vilas (teclado) y Alberto Dopico (batería). A pesar de que a las baquetas la banda ha registrado varios cambios a lo largo de su trayectoria, el bloque se ha mantenido sólido desde sus inicios. Este conjunto, de origen gallego, se dio a conocer a lo grande en 2007, con su álbum Greatest Hits. Quienes conocían a los músicos sabían lo que podía dar de sí cada uno de ellos, pero el lanzamiento de este trabajo demostró la contundencia y calidad que atesoraban formando equipo. Fue un impacto, y una alegría,...

Los diez mejores clásicos contemporáneos Oct07

Los diez mejores clásicos contemporáneos...

La música nos ha obsequiado con infinidad de géneros, artistas y canciones. De estas últimas, siempre habrá una pequeña lista predilecta que cada persona concretará, tal vez, según su gusto, o su relación con las mismas. En este caso, se trata de diez canciones que, por desgracia, el autor del artículo no ha podido vivir en el momento en que fueron editadas, en el que supusieron un gran éxito, o en el que sus autores las interpretaban en cada una de sus giras. Nacer en los 90 tiene sus cosas bonitas, por mucho que nos cuelguen erróneamente la etiqueta de generación 2.0 (esa es más bien la siglo XXI; nuestra infancia se compone de trompos, tazos y cromos). Pero significa también haberse perdido grandes momentos de la música aunque, por suerte, nada impide que distintas generaciones podamos compartir esas composiciones de corta duración y enorme valor. Parece que escarmentar no es una opción a tener en cuenta en esta sección. Si ya había dejado constancia de lo duro que resulta dar forma a un top diez de mejores canciones de la historia del pop, otra vez vuelvo a meterme en terrenos pantanosos. Me toca pedir disculpas a artistas como Pink Floyd, Led Zeppelin, The Who y un largo etcétera por haber brindado al mundo grandes temas que finalmente se han quedado fuera de esta humilde y atrevida clasificación. Pero para qué engañarnos: hacer una criba resulta también placentero. Y, esta vez, el criterio está basado en otros aspectos. Porque se trata de una lista de composiciones que, desde el punto de vista de quien escribe, deben ser considerados como «clásicos contemporáneos»; teniendo en cuenta, principalmente, que cuando el último de ellos (por orden cronológico) fue lanzado, el autor del artículo estaba muy lejos todavía...

Más allá de melodías, acordes y transiciones convencionales Sep30

Más allá de melodías, acordes y transiciones convencionales...

Tuya es un proyecto nacido a raíz de la propuesta musical de David T. Ginzo. Con un epé, Own, interpretado exclusivamente por él, armó una agrupación que lo acompañase en los directos. Fue así como, convenciendo desde el escenario, Tuya editó en 2012 Waterspot, su primer larga duración. Su carácter experimental lo aparta de los circuitos convencionales, aunque la naturalidad y la plenitud de su música lo convierten en un grupo a seguir. Cuesta creer que en la música no esté ya todo hecho. Pero sabemos que no es así. Que a pesar de existir un número incontable y desconocido (y, por si fuese poco, creciente) de canciones, cada día tenemos la oportunidad de escuchar y disfrutar de algo nuevo. Y eso que la escala musical se compone de siete notas. Siete. Pero luego aparecen las alteraciones para rendir buen tributo a su nombre, y de ahí surgen ilimitadas combinaciones que hacen que la música sea, en realidad, un prodigio. Es lo que pasa con prácticamente todo aquello que está relacionado con el arte. Por temas esenciales tenemos la vida, el amor y la muerte. Que nadie nos mueva de ahí. Pero luego surgen los conflictos, los acuerdos, las experiencias que en resumidas cuentas dan pie a millones de novelas, de películas, de cuadros, de fotografías, de canciones. Cada una con su propia mota de particularidad, que la diferencia del resto. Y es así como llegamos hasta Tuya. Tuya no es un conjunto musical al uso, entendiendo por el mismo una agrupación con su número invariable de miembros y su estilo definido. Hay bandas con historias que podrán resultar más curiosas, más insólitas. Pero esta no está nada mal y, desde luego, se aparta de unos cuantos cánones. Tuya se forma a finales de...