Blues en lo profundo de la marisma Sep30

Blues en lo profundo de la marisma...

El próximo sábado cuatro de Abril llega una nueva edición del festival Tomate Blues, encuentro heterogéneo y de sabor genuinamente popular, que convoca en el Parque de los Hermanamientos de la sevillana localidad Los Palacios y Villafranca, a amantes del blues (y también a amantes de la mas sencilla y pura diversión) de muchos lugares. Con la actuación de grandes músicos como La blues band de Granada o Lolo Ortega, que se encargarán de recrear en plena marisma sevillana un pequeño delta al sur de los Estados Unidos. Cada otoño, con la llegada de las primeras tardes agradables, noches de brisa fresca y el rugir de la vida que se reincorpora a la cotidianidad tras las vacaciones, Los Palacios y Villafranca, localidad del bajo Guadalquivir, ofrece una fulgurante despedida al verano y calma su pasión, volcada en la guitarra y el cante flamencos, en favor del sonido de otro sur igual de sudoroso, adoptando como propio el canto de la Norteamérica mas profunda. El Tomate Blues, festival dedicado a la música nacida a orillas del Mississipi (junto a otras afines) y evento cada vez mas  multitudinario, llega a su cuarta edición el próximo sábado 5 de octubre, convocando por igual  a fieles y profanos de esa música del lamento y la emoción, que tan bien conoce la racial marginalidad de la que surge lo jondo, para dejar claro en la práctica algo que ya intuíamos en la teoría, que en el sur, da lo mismo si es el peninsular o el de los Estados Unidos; el gentío, la fiesta y la música se viven de forma única Quizás el sol bajo reflejado en la marisma, la humedad de estas tierras, se parezcan mas de lo que pensamos a los calurosos páramos en los que...

Alberto Cortez, la majestuosidad de un cantautor Sep23

Alberto Cortez, la majestuosidad de un cantautor...

El hotel Alfonso XIII de Sevilla se engrandeció con la voz del cantautor argentino, Alberto Cortez, para quien, como en una de sus composiciones canta, «La vida da mil vueltas, pero por más que gire, siempre, vuelve a empezar». A los 55 años de su internacional carrera, el de la Pampa, sigue cantando con más fuerza, aún, que con la que comenzó a cantar. Seguramente, alguna noche se habrán detenido, mientras caminaban por la calle San Fernando, de Sevilla, a contemplar la altivez austera, arábigo-andaluza, del Alfonso XIII, un hotel que comenzó siéndolo por albergar en sus opulentas estancias a los invitados de la Exposición Iberoamericana de 1929 mas, probablemente, la noche del 18 de septiembre de 2014 cualquiera de esas miradas detenidas no pudo adivinar que en una de sus dependencias, una voz oriunda de la Pampa Argentina haría invisibles el mármol, los dorados estucos, los tapices, las alfombras, azulejos; las once artesanas arañas de bohemia suspendidas en las maderas orladas, de caoba, de la techumbre mudéjar; y los candelabros aplicados a los muros que separaban las arqueadas y majestuosas puertas. A las 21.15 de la noche en aquél Salón de reyes solo existía la voz de Alberto Cortez. Iluminado por dos modestos focos, Cortez permanecía sentado en el centro del íntimo escenario acompañado por un piano de cola. El público, de amasados años, lo abrazaba manteniendo la misma postura que el cantautor. La escena, acompañada por el tintineo de las cuerdas suaves, se permeabilizaba con la letra que estaba entonando «Mi árbol quedó y el tiempo pasó…». Siempre hubo y habrá cantautores, muchos permanecerán sin que se conozcan sus nombres, pero habrá quienes como él tengan la fortuna de cantarlas y no de cualquier manera, porque de cualquier manera no basta para...

Los «síntomas» de una evolución notoria sobre el escenario Sep23

Los «síntomas» de una evolución notoria sobre el escenario...

Después de unos inicios sumergido en el pop folk, Inra es un grupo que con su último trabajo ha abierto las puertas del rock. Síntomas, compuesto por seis canciones, es el nombre de su nueva propuesta, que presentarán en la sala Fun Club de Sevilla este sábado. Una cita en la que estarán acompañados por el grupo gaditano Furia (con quienes ya presentaron su trabajo en Madrid), y en donde pondrán a prueba su evolución musical. Hoy en día, la estabilidad de una banda musical se mide, en muchas ocasiones, por su aparición en los diversos medios de comunicación existentes. No es esto, sin embargo, un medidor fiable de calidad ni un sello de garantía de que el producto anunciado no tenga brechas. Pero sí es cierto que, si un grupo llama la atención de un número elevado de oyentes, los medios posarán sus ojos en él. En el caso de Inra, es cada vez más frecuente verlos envueltos en eventos de promoción, en reseñas de publicaciones especializadas y, no menos importante, en el boca a boca de quienes gozan adentrándose en la oscuridad rota por los focos de una sala de música. Algo estarán haciendo bien. O cuanto menos, algo estarán haciendo que llame la atención. Inra es el fruto de un proyecto iniciado en 2009. Su vocalista y guitarrista (sobre todo, en términos acústicos), Irra Gómez, lo puso en marcha ante la necesidad de dar forma a aquellas composiciones e ideas que rondaban su cabeza. Cinco años después, y con muchas experiencias acumuladas, hoy lo acompañan sobre los escenarios Peter Parellada (guitarra eléctrica), Adrián Llopis (bajo y coros) y Adrián Bilbao (batería). Pero los inicios de la banda no son idénticos a lo que en la actualidad se desborda bajo este nombre....

El videoclip que alteró el devenir de una banda irlandesa Sep16

El videoclip que alteró el devenir de una banda irlandesa...

Kodaline es un cuarteto irlandés que, a través de su videoclip All I want, empezó a saborear el éxito. Bajo la premisa de crear canciones que hagan mella en la fibra más sensible, sus temas de pop emocional ya cuentan con un amplio número de seguidores. Su sencillez y naturalidad permiten que público joven y adulto se sientan atraídos por su trabajo. Ahora están centrados en su siguiente álbum, después del lanzamiento en 2013 de su primer disco de larga duración, In A Perfect World. Comenzaron, en 2005, bajo el nombre de 21 Demands, hasta que en 2011 hicieron una parada y replantearon los pasos a dar. En ese momento, nació Kodaline. Y fue lo mejor que le pudo pasar a este cuarteto irlandés, porque desde ese momento sus canciones empezaron a traspasar fronteras, a ser amadas por miles de seguidores. Pronto aparecieron las giras por Europa, por Norteamérica, y sin auparse todavía a la cumbre de grupos musicales de masas, Kodaline encendió su propia luz. Pero todo este éxito tuvo un claro detonante: un vídeo. La banda tenía su propio repertorio de canciones, con un estilo particular donde el pop araña emociones. En los últimos meses, medios y críticos han querido encasillarlos en el indie, en el pop rock; algunos han querido deslizarlos incluso hacia el pop folk. Pero pocos conceptos pueden definir a esta banda mejor que el de pop emocional. Tanto la música como las letras que componen encierran historias y sentimientos emotivos, muy sensibles. Si hay que distinguirlos por algo, es por eso. Son cálidos, y si su presencia en los festivales de mayor envergadura no es todavía una constante, se debe a que, tal vez, son demasiado suaves para la adrenalina que parecen estar obligados a repartir los eventos...

Gracias… totales Sep16

Gracias… totales...

El músico argentino Gustavo Cerati, que con su banda Soda Stereo internacionalizó el rock en español, murió dejando a miles de fans un vacío imposible de llenar. Su famosísimo Gracias totales fue coreado por las calles de Buenos Aires por todo tipo de personas el día que se le enterró. Porque la música de Cerati la escuchaban niños, adultos y ancianos. La intensa vida del artista, le llevo a experimentar con todo tipo de música, con todo tipo de drogas; le llevo a cometer grandes errores y fue capaz de acertar de pleno en muchas ocasiones. Un genio como pocos. El 20 de Septiembre de 1997, Soda Stereo daba su último concierto en el estadio River Plate de Buenos Aires. Ante más de 70.000 mil personas, la banda interpretó el tema De música ligera. Las gradas se venían abajo. Al finalizar, un emocionado Gustavo Cerati se despidió de sus fans diciendo: «No sólo no hubiéramos sido nada sin ustedes, si no con toda la gente que estuvo a nuestro alrededor desde el comienzo. Algunos siguen hasta hoy. Gracias… totales». Hace tan sólo unos días, y después de cuatro años en coma, nos dejó Gustavo Cerati. A pesar de la lluvia, la ciudad de Buenos Aires acudió en masa al Salón de Honor del Palacio Legislativo para despedir al ídolo. El pueblo argentino, de por sí mitómano, se lanzó a recordar, a llorar, a sacar de los placares sus vinilos antiguos, las entradas de los conciertos. Una multitud siguió al cortejo fúnebre hasta el Cementerio de Chacarita, cantaban sus canciones y repetían aquel Gracias totales. Son muy pocos los que llegan a transformar la historia de la música, los que llegan al estado de gurú visionario para sus contemporáneos y para las generaciones futuras. A...

El jazz para todas las edades Sep16

El jazz para todas las edades...

Desde el próximo 21de septiembre y hasta el 28, la música se apoderará del barrio de Sant Andreu de Barcelona. Cada esquina, y cada calle, vibrarán con la música del Jazzing, el primer Festival de Jazz de Sant Andreu. Un Festival único, lleno de magia y de ritmo, en el que los conciertos se sucederán, inundando las calles, y a todos los presentes. Un festival nacido de un sueño que hoy se ha convertido en una realidad conocida en todo el mundo. El futuro del jazz está asegurado. Si esta historia fuera un cuento, podríamos empezarla diciendo aquello de «hace mucho, mucho tiempo, en un reino muy lejano, hubo un músico que enseñaba a unos niños a vivir la pasión de las notas, y acabó formando la big band más joven de Europa». Pero, como esto no es un cuento, vamos a empezar diciendo que hace ocho años hubo un músico que enseñaba a unos niños a vivir la pasión de la música, y acabó formando la big band más joven de Europa. Ese músico es Joan Chamorro, multiinstrumentista con una sólida y dilatada carrera profesional, y el reino, no tan lejano, el barrio de Sant Andreu, en Barcelona, en cuya Escuela Municipal de Música impartía clases. El sueño que tuvo, y en lo que se ha convertido, está recogido en la película «A film about Kids & Music», un precioso documental con numerosos premios nacionales e internacionales, cuyo visionado es más que recomendable. Todo empezó con un pequeño grupo de niños, sus alumnos de saxo, y algunos de combo que no tenían aún contacto con el jazz, al que empezó a dedicar un tiempo extra, dándoles grabaciones de los grandes estándares, para que los escucharan. Los niños lo hacían, disfrutaban, los sacaban de...

Veinte años subiendo el listón desde Granada Sep09

Veinte años subiendo el listón desde Granada...

Niños Mutantes es un grupo granadino que, tras veinte años de carrera, sigue exprimiendo las emociones con las que el pop rock es capaz de salpicar a miles de apasionados de este género musical. El Futuro (2014), es su último trabajo de larga duración. Con once temas, sus melodías y letras cuidadas vuelven a convertirse en protagonistas de una atmósfera que, sin renunciar a su esencia acústica, muestra su garra y sus ganas de cantar sin dejar de bailar. La moda de masas (y un tanto cargante) de definir como indie a todo aquel grupo cuyo sonido entre, en realidad, dentro de un amplio espectro musical, ha tenido sus partes buenas. Se le ha prestado mayor atención a bandas con mucha trayectoria y oficio a sus espaldas que, hasta entonces, no habían logrado hacerse con el espacio merecido en el primer escalón del panorama musical nacional. Eran grupos que se mantenían en una segunda línea, consistentes y en condiciones de ofrecer año tras año trabajos que no bajaban su listón particular, que lograban ganarse la confianza y fidelidad de un grupo de seguidores que, sin embargo, poco tenía que ver con fenómenos muy mediatizados o masivos. Llegó entonces el movimiento indie que, si en un principio contaba con unas características claras y concisas, pronto pasó a denominar a un sinfín de bandas que poco o nada tenían que ver entre ellas. Niños Mutantes, grupo oriundo de Granada, fue salpicado por esta etiqueta. Pero en absoluto estamos hablando de un conjunto novel; han cumplido dos décadas de existencia. Las primeras luces se encendieron cuando Nani Castañeda y Miguel Haro, componentes de la ya desaparecida Mama Baker, se unieron a su compañero Juan Alberto Martínez y dieron origen a un proyecto que hoy se mueve como...

Bulerías que trepan por el pop y reconstruyen el flamenco Sep02

Bulerías que trepan por el pop y reconstruyen el flamenco...

A sus veintiocho años, Yona Luna presenta el que será su tercer trabajo de estudio. Quinto menguante, producido por Son Sur Music, es el último intento de este artista gaditano por obtener el reconocimiento de público y crítica, labor nada sencilla cuando se habla de un músico que fusiona flamenco con pop. Ha llegado la hora de consolidarse o naufragar en el intento. De arrancarse por bulerías sin renunciar a la vitalidad de otros estilos. No ha alcanzado todavía la treintena y Yona Luna es ya un artista con un historial dilatado en terreno musical. Nacido en Cádiz hace veintiocho años, lleva más de media vida dando muestras evidentes de su pasión por el cante inimitable de las tierras andaluzas.  Lleva el flamenco metido en el cuerpo, y el duende acariciando sus cuerdas vocales. Pero, además, su juventud y frescura lo han llevado a continuar una ruta que ya otros artistas se han atrevido a trazar desde hace tiempo: combinar sin miedos el pop con el estilo de su corazón. Con solo doce años, este músico recorría sin temor todo tablao que se le pusiese por delante, participando también en diferentes proyectos musicales en los que dejaba constancia de sus ganas por la interpretación y su pasión por la música. A medida que fue creciendo, fue cogiendo altura también su carrera musical. En 2008 participó en un festival de corte internacional, celebrado en Turquía, donde obtuvo un segundo puesto con su tema Malo pa’ ti. Un tema donde el cantante fusionaba el pop con el flamenco, estilo que se convertiría en signo de identidad de su trayectoria. Desde ese momento, los focos mediáticos y el calor del público fueron arropándolo cada vez más, destapando a un joven que prometía alegrías en el ámbito en...

Experimentar con las convenciones sin ningún temor Jul29

Experimentar con las convenciones sin ningún temor...

Capman se compone de siete músicos con ideas variadas, que dan forma a un repertorio musical difícil de encasillar. El pop, el jazz o el rap se funden y separan en cada una de sus composiciones. Es el juego de experimentar con la música, ligada a letras expresivas, parientes cercanas de la poesía. Su último trabajo, Mucho amor, abre las puertas a la intimidad más natural. Hacemos música para que nuestros días sean mejores. Esa es la premisa, y se centran en cumplirla desde el primer acorde. Capman no es más que el nombre bajo el que se agrupan siete artistas que no buscan sonar a esto ni parecerse a aquello. El objetivo primordial es transmitir, tocar el alma, y para ello se valen de las palabras fundidas con la música. Existe una moda reconocible de querer desprenderse de etiquetas, de evitar caer en la casilla de un género musical establecido con sus propias reglas y características. Podría decirse que Capman mantiene parte de esa actitud, la de apartarse de géneros cerrados, pero lo hace de manera indirecta. Lo consigue a través de anteponer sentimientos a sonido, sensaciones a estilo, situaciones a convenciones. Ninguna de sus canciones suena similar a otra, ese no es el objetivo. No hay una pauta cerrada en sus trabajos, porque su visión de la vida no es uniforme. Es más bien tan amorfa como el título de una de sus últimas composiciones. Las raíces de Capman hay que buscarlas en otro apartado del amplio terreno artístico; concretamente, en el del teatro. En el 2007, Nacho Aldeguer (compositor y cantante en esta banda) y Héctor García (guitarrista) se conocieron entre bastidores en una representación teatral. De ahí surgió el proyecto musical en el que han trabajado hasta ahora. Ninguno de...

Los distintos idiomas de un universo Jul22

Los distintos idiomas de un universo...

Antony regresó al Teatro Real de Madrid para ofrecer el espectáculo Swanlights, un concierto en el que  junto algunos miembros de su banda, The Johnsons, y la Orquesta Titular del Teatro Real, interpretó una selección de temas de los cuatro álbumes que ha publicado. Swanlights, espectáculo encargado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA),  vio la luz por primera vez en esta ciudad norteamericana, en un único concierto, ante un auditorio de más de 6.000 personas. En el Teatro Real de Madrid se escuchaba un murmullo característico que sólo se deja oír los días que va a suceder algo importante. Esta vez, resultaba algo extraño la cantidad de idiomas que se podían percibir en las conversaciones que se producían entre las personas que esperaban el comienzo del concierto (muchas veces nerviosas): inglés, francés, alemán y, lógicamente, castellano. Estos son los que el que escribe pudo reconocer. Eran más. Público de todas las edades, de todas las condiciones, de todas las nacionalidades. Comienza el espectáculo con la performer Johanna Constantine sobre el escenario. La cosa queda vistosa. Un juego entre el cuerpo de la mujer y su sombra. Lo más importante de su actuación es que resulta ser la declaración de intenciones del artista principal del concierto. Una ascensión absoluta, hasta el éxtasis, a través de la música y de unas letras extraordinarias por su contenido lírico; una ascensión compartida por un público entregado que llegaba al teatro dispuesto a dejarse llevar sin rechistar hasta donde fuera necesario. Antony Hegarty se planta en el escenario, a oscuras, y comienza un concierto que provoca lágrimas de emoción, ovaciones auténticas, besos entre unos y otros. No estoy exagerando. Otros parecen quedarse algo más fríos. Seguramente, no entender las letras de las canciones impide un éxtasis algo...

Música no apta para depresivos Jul15

Música no apta para depresivos...

Diez colecciones de canciones destinadas a hacernos palpar el lado mas triste de la vida. Diez propuestas artísticas que alcanzan el éxito a través de infligir heridas. Desde la queja melancólica al aullido existencial, desde el ocaso romántico al delirio nervioso… ¿Es posible llegar a vender miles, cientos de miles de discos, cantando sobre el trauma, la depresión o  el amor a la muerte? En nuestra sociedad, adicta a sentirlo todo protegidos por el airbag de la experiencia ajena, por supuesto que sí. Elegantes ejercicios de estilo, pop sencillo para multitudes, grunge corrosivo, atmosférico post-punk, producciones exquisitas, grabaciones secas y directas, cartas desesperadas de amor o autistas sentimientos de exclusión. Múltiples formas para recubrir los sinsabores de la vida que llegan a hacernos pensar si fue una buena idea pulsar play. ¿Por qué una lista sobre la tristeza? Quizás la respuesta mas sencilla sea porque existe esa posibilidad, brindada por un extenso grupo de músicos que han cantado al dolor y al sufrimiento. La única premisa inicial, que hace homogenea esta selección, fue intentar siempre que el contenido hiriente se manifestase tanto en el sonido como en el mensaje de las letras, dejando fuera odas a la tristeza tan intensas como Meat is murder de The Smiths, This is hardcore de Pulp, o Pink moon de Nick Drake, entre otras muchas obras cuyos ambientes musicales no resultan tan opresivos. ¿Por qué limitar la lista a grupos de éxito? Por un lado para ayudar a quien suscribe a seleccionar tan solo diez propuestas entre las posibilidades que añadiríamos si también investigáramos en el underground musical, tan proclive al lamento existencial y al retrato de la podredumbre social. Por otro porque resulta especialmente atractivo que determinados artistas consigan alcanzar el éxito enfrentando al público con la...

Los pequeños demonios escondidos tras la voz angelical Jul15

Los pequeños demonios escondidos tras la voz angelical...

Desde que en 2008 Lourdes Hernández (bajo el nombre artístico de Russian Red) irrumpiese en la escena musical española han pasado muchas cosas. Otros dos trabajos de estudio, la inclusión en diferentes bandas sonoras de cine (con nominación al Goya de por medio), y la actuación en innumerables festivales. Russian Red se ha erigido en una figura con nombre propio. Su voz sedosa y cautivadora sigue hechizando a quienes la escuchan. Sigue haciendo estragos de una manera tan sutil como intensa. Los cantos de sirena van más allá de ser simples piezas de puzzles mitológicos o legendarios. Los cantos de sirena existen, al menos en el ámbito de la música. Lourdes Hernández, más conocida como Russian Red, sabe mucho de esto. Su timbre vocal puede parecer tan frágil que a quien la escucha le invade la sensación de que esa voz terminará por quebrarse de un momento a otro. Es un tono dulce, desnudísimo, que logra captar toda la atención de quienes tiene alrededor. Si Homero hubiese conocido a Russian Red se hubiese tirado de los pelos, y hubiese advertido a todo el mundo que no se dejase llevar por sus cantos hechizantes. Pero Homero no está aquí para prevenirnos, por lo que caer bajo el embrujo resulta demasiado tentador como para resistirse. Y cuando uno cae donde no debe, a veces, se encuentra con los demonios. Russian Red no tiene que ver con ideologías ni plazas rojas. Evitemos mezclar a Moscú en esto, porque este nombre artístico proviene sencillamente de un modelo de pintalabios. De hecho, tratemos de sortear cualquier relación entre política y la música de esta joven cantautora madrileña; la última vez que se atrevió a mojar la uña del dedo meñique en estas aguas, a punto estuvo de salir escaldada...

La pluralidad de Richard Villalón...

Richard Villalón es un artista que se declara comprometido ideológicamente y se arrima a un público situado en las periferias sociales. Porque Villalón toma la poesía como arma que se llena de sentido, que arroja belleza a una sociedad que trata de escapar de la vulgaridad que impone un sistema cicatero con las formas de arte. La fusión del teatro y esa poesía desemboca en un trabajo, atractivo por su diversidad, que Villalón presenta en el Palacio de la Buhaira de Sevilla el próximo día 12. Richard Villalón Palacio de la Buhaira 12 de julio de 2014 Sevilla Richard Villalón es un hombre extrovertido, amable y, muy, muy, divertido. Le gusta hablar con desenfado y trata cualquier asunto, sea cual sea, cubriéndolo de la importancia que aporta una normalidad que integra todos los estados vitales. Es cantante desde los once años. Tuvo ocasión de compartir en Perú, su país natal, experiencias con artistas que huyeron de Argentina, Chile o Ecuador; cuando el terror represivo se implantó en esos países. Aunque, allí en Perú, se le encuadraba en lo que se conoce como canción criolla siempre estuvo vinculado a una música cercana a la política y al compromiso social. Charlamos con tranquilidad. Dejo que el torrente en el que se convierte Richard cuando quiere expresar una idea vaya descargando ideas y experiencias. «He trabajado mucho en el teatro. He estudiado música durante años. Por esto, quiero que ambas facetas sean una sola cosa convertida en un método de expresión potente y único. Para ello sumo una capacidad vocal que no es otra que la de contratenor clásico que dejó de ser habitual en trabajos parecidos al que yo desarrollo. El problema es que no existe una radio fórmula que acepte en estos momentos a cantantes...

La ruta de la vida trazada por la música Jul09

La ruta de la vida trazada por la música...

Gillian Grassie es una joven compositora, cuya voz cristalina y su virtuosismo con un arpa entre manos nos hace pensar en toda la música que no conocemos, y que podría constituir la banda sonora de nuestra vida. Porque Grassie no es una artista de masas, ni se obsesiona en hacer llegar su música a lo más alto. Tan solo se preocupa de recorrer el mundo, acompañada de su dulce instrumento, y de hacer lo que mejor sabe: crear e interpretar canciones maravillosas. Dentro de la imposibilidad que supone querer conocer o escuchar toda la música que existe y ha existido a lo largo de la historia, podemos tratar de apreciar las ventajas que esto ofrece. Porque el placer de la música no está solo en escucharla. Se halla también en el momento del descubrimiento, en el instante en que una canción desconocida se abre paso a través del sistema auditivo por primera vez. Una melodía, una transición de acordes nunca escuchada hasta entonces, puede ser acogida de diferentes maneras según el estado de ánimo del oyente, según la situación o la escena de la que forma parte. La música es sinónimo de grandeza, y lo es por las mil y una maneras en que puede actuar e influir sobre todas y cada una de las personas que pueblan el planeta. Incluido en el sinfín de posibilidades de dar con un intérprete que propicia una amalgama de sensaciones y sentimientos casi inabarcable, está también el hecho de haber llegado a descubrirlo. Porque los músicos o las bandas de gran fama (que hoy en día se insiste en acunar bajo el término mainstream) lo tienen fácil para que su música se desplace por miles de ciudades, cientos de comunidades y decenas de países. Pero siempre hay...

Cantar con duende y enamorarse de la propia tierra, de la capital y del flamenco Jul01

Cantar con duende y enamorarse de la propia tierra, de la capital y del flamenco...

Andrés Suárez es un cantautor que, a través de sus letras poéticas y sensibles, puede hacer temblar a quien lo escucha. Nacido en Ferrol, sus composiciones destapan su amor por tierras andaluzas (y por sus gentes), y desgranan sentimientos que bien pueden haber tenido su origen en la Gran Vía madrileña. En todo caso, se trata de un artista con una capacidad envidiable para desnudar tanto el alma como la propia música. Hay personas que tienen la suerte de nacer tocadas por algún embrujo musical. La música se crea y se transforma, al igual que quienes juegan y trabajan con ella. Pero siempre hay alguien que tiene un talento innato, alguien que independientemente de haberse esforzado en mayor o menor medida por aprender a hacer hablar a una guitarra o a un piano, o por lograr dominar y sacar el mejor partido a sus cuerdas vocales, tiene un duende metido en el alma. Andrés Suárez es uno de esos privilegiados. No obstante, ese talento necesita ser trabajado y entrenado. Por eso Andrés, gallego de nacimiento (pero enamorado sin remedio de otras zonas de la geografía española como Madrid y Andalucía), ha tenido que labrarse el camino que al final ha conseguido recorrer. Su pasión por la música empezó a aflorar desde pequeño, y en su adolescencia formó parte de varios grupos musicales. Pero pronto se dio cuenta de la vertiente a la que su esencia pertenecía: la del cantautor. Tiene una voz que sorprende, primero por lo profunda y poderosa que se muestra; segundo, por la capacidad que atesora para hacerla modular, de jugar con ella a la vez que con los sentimientos que es capaz de despertar en quien lo escucha. Ahí reside el talento innato al que antes se hacía referencia. En...

Las dificultades que entrañan un nombre y estilo poco convencionales Jun24

Las dificultades que entrañan un nombre y estilo poco convencionales...

Escoger un nombre de difícil búsqueda en internet, así como dar forma a un estilo musical poco característico de la escena nacional, son obstáculos que tiene mucho mérito salvar. L.A. ha confiado en su música desde el primer momento, y a pesar de las dificultades con las que se ha topado en su particular camino, sigue todavía en pie de guerra. Valiéndose de su capacidad para acometer el pop rock y componer grandes canciones. L.A. es un nombre que difícilmente nos hace pensar en España si no va acompañado de algún otro dato. Pero, L.A., es el nombre de una formación musical oriunda de Mallorca. No obstante, sin necesidad de entrar en valoraciones de lo original o no que pueda resultar esta elección para bautizar a un grupo de música, la decisión tomada se encuentra con su primer obstáculo en los territorios cibernéticos. Porque buscar referencias de esta banda, sea con apetito de información general o para escuchar su discografía, no resulta nada sencillo si el único dato del que uno dispone es, precisamente, de su nombre al desnudo. Es seguro que los componentes de la banda no pensaron en un detalle así, por el mero hecho de que esto no debería repercutir en el carácter mediático de un conjunto de músicos que aspira a hacer llegar su trabajo al mayor número posible de oyentes y amantes de la música. Pero lo cierto es que, en la red, no es asunto sencillo dar con ellos sin querer, o disponiendo de muy pocas referencias. A esta particularidad un tanto perjudicial para la expansión mediática de este grupo de pop rock se le añade otro contratiempo: su esencia totalmente indie, totalmente british. Formado por cuatro músicos, L.A. es una banda cuyas canciones están compuestas en inglés,...

Liverpool no duerme en agosto Jun24

Liverpool no duerme en agosto...

Cada año, Liverpool recibe a todo tipo de personajes que intentan encarnar a los componentes de una de las bandas más importantes de la historia. Es posible que la más grande de todas. No son otros que The Beatles. Y ya son cincuenta ediciones. Punteos exactos, flequillos exactos, casacas exactas; componen una falsificación enorme y, por supuesto, exacta. El grupo norteamericano Instant Karma, los españoles Los Escarabajos o los argentinos Merseybeat, son algunos de los grupos que se dan cita en Inglaterra para rendir homenaje a sus ídolos. Rubber Soul. Track 11. [Play]. There are places I’ll remember all my life though some have changed. Por ejemplo, el prado de Dovedale Road, el lugar de juegos de recreo de la escuela infantil George Harrison y de John Lennon. Más de sesenta años después, una banda noruega de cincuentones rockeros se entrega hasta el éxtasis haciendo una versión enérgica y guitarrera de ‘Kansas City’, flirteando con el heavy nórdico. Tumbados sobre la hierba, cientos de seguidores beben cerveza, cierran los ojos, miran al cielo. Por ejemplo, el American Bar del Hotel Adelphi, en el que una formación japonesa despliega una performance mimética del concierto del Shea Stadium de Nueva York: los mismos instrumentos, los mismos flequillos, las mismas chaquetas de aire militar, las estrellas de rangers, el mismo setlist, las mismas bromas con el público, los mismos movimientos histriónicos de un Ringo de ojos rasgados y piel cetrina. Por ejemplo, la Iglesia de Saint Peter en Woolton, en la que una mujer barre el arroz caído al suelo justo después de una boda. No es Eleanor Rigby, porque está enterrada a menos de cincuenta metros, en el lugar en el que unos adolescentes españoles cantan a capella el tema escrito por McCartney para rendirle un...

El rock más joven con sabor a blues y tacto funky Jun18

El rock más joven con sabor a blues y tacto funky...

Una de las características del rock es su maleabilidad, su capacidad para fundirse con otros géneros. Sinestesia es una banda gallega que fusiona con grandes resultados el rock con el funky, el blues o el pop. Un grupo de jóvenes con mucho tacto y gusto, que este año ha presentado su primer trabajo de larga duración, El punto de luz del desván, y que viene a confirmar su madurez musical, permitiendo compartir unas composiciones tan trabajadas como expresivas. Ante el término rock son muchos los adictos a la música (tanto en calidad de melómanos como de sencillos consumistas de diez canciones imprescindibles para sobrellevar el día a día) que agudizan el oído y prestan su total atención. Pero si al rock se le añaden complementos como blues, o funky, algunos vuelven a restringir su interés a la actividad que se haya visto interrumpida. Con Sinestesia, el oyente tiene la oportunidad de descubrir que el rock lleno de matices, y de reminiscencias sesenteras, ofrece un buen menú al oído para que este se deleite. Sobre todo, teniendo en cuenta la frescura y juventud que emana por naturaleza de sus componentes. Sinestesia fue en sus orígenes un trío, nacido en épocas de instituto del 2007, en Santiago de Compostela. Hoy en día, la banda se compone de cuatro músicos que, si bien atesoran una amplia experiencia y formación musical, no se ven cerca de abandonar esa etapa dorada y enérgica que corresponde a la veintena. De la agrupación inicial permanece Tomás Porteiro, alma máter del grupo. A lo largo de estos años su voz, sus aptitudes a la guitarra y sus composiciones han sido la piedra angular de la banda. En la actualidad, lo acompañan en el proyecto Miguel Fernández, a la batería; Jacobo García, al...

Una despedida con vistas a una bienvenida mayúscula Jun10

Una despedida con vistas a una bienvenida mayúscula...

El último trabajo del grupo madrileño Izal, el segundo de larga duración en su breve carrera musical, abre con una canción que lleva por título Despedida. No es frecuente empezar un nuevo disco con un tema bautizado así, pero los componentes del grupo han querido marcar una pauta de distanciamiento entre Magia & Efectos especiales (su primer elepé) y este nuevo, Agujeros de gusano. El listón había quedado alto; la crítica y el público habían tomado nota y puesto su atención en esta banda de pop rock español. Pero en este último álbum, Izal vuelve a hacer gala de la actitud propia que ya había destilado en sus anteriores composiciones. A través de trece canciones, su música vuelve a escena despegándose del pasado, pero no mucho. Ni falta que le hacía. El conjunto, encabezado por Mikel Izal, que pone la voz y se prodiga en funciones de compositor, cuenta con una biografía muy corta. Nacido el proyecto en el 2010, la formación definitiva quedó compuesta por la unión al miembro fundador de Emanuel Pérez «Gato» (bajista), Alberto Pérez (guitarrista), Iván Mella (teclados) y Alejandro Jordá (batería). El primer fruto al que dio origen fue Teletransporte, compuesto por seis temas, que fue completamente autoeditado por sus miembros, y que le abrió las puertas del panorama musical nacional. Con tesón y trabajo, Izal logró paso a paso (rápidos, eso sí) hacerse un hueco con una estrategia que, hoy en día, utilizan muchos grupos de reciente creación: la autoedición, la confianza en sí mismos. Debido a las dificultades que la industria discográfica plantea para dar una oportunidad a grupos noveles, que no inexpertos, poner en movimiento el trabajo que uno mismo elabora (confiando sobre todo en plataformas digitales), es una hábil manera de no darse por vencido....

Historias que retumban en el pecho Jun10

Historias que retumban en el pecho...

© De las imágenes: Javierre Alonso De una forma paradójica y recurrente, quienes crean arte con las palabras como materia prima expresan en ocasiones su preocupación por no encontrarlas. Julio Cortázar, por ejemplo, decía que «las palabras no alcanzan cuando lo que se quiere expresar desborda el alma». Aldous Huxley aseguraba que «después del silencio, lo que más se acerca a expresar lo inexpresable es la música», y esa cita del escritor británico es la que han asumido los integrantes de la banda sevillana Münchausen como leit motiv de su trabajo en el estudio de ensayo, sobre el escenario, y especialmente en la soledad en la que Antonio Navarro y Alex Maroto componen canciones que cuentan más de lo que cabe en tres minutos. Historias. Historias. Inverosímiles historias de giros vertiginosos era lo que contaba el mito literario del Barón del Münchausen, inspirado en un personaje real, y que da nombre e identidad gráfica al grupo en un logo con el cañón a punto de disparar al noble alemán y la bala sobre la que supuestamente viajaba. Historias. Y eso mismo es lo que ocurre con los temas que componen los dos discos de la banda, en los que la realidad y la imaginación crean un universo de letras densas y mensajes profundos que, aunque tardan en calar en las primeras escuchas, terminan por incrustarse en una conciencia que se cincela con los ritmos limpios de la formación. Porque así lo quisieron ellos o más bien las circunstancias, «Hoc Voluerunt», el primer trabajo de Münchausen después de la incorporación al proyecto de Juanma Silva y David Cala nunca fue editado en formato físico, sino difundido exclusivamente a través de plataformas digitales y redes sociales. Supieron aprovechar, en cualquier caso, las ventajas con las que...

Las 10 mejores canciones pop de la historia Jun03

Las 10 mejores canciones pop de la historia...

Puedes escuchar todos los temas pulsando Play en el enlace que encontrarás al final de este artículo. El pop es un género que ha dado mucho a la música. Aparecido a mediados del siglo XX, supuso un boom no solo en la forma de interpretar y componer, sino de escuchar y sentir. Desde ese momento, un número inabarcable de canciones pop han formado parte de la banda sonora vital de millones de personas. Por eso, escoger las diez mejores es una tarea casi que quimérica. Además de los distintos puntos de vista que existen al respecto de considerar qué temas o bandas pertenecen a este género o se deslizan hacia otros, el pop ha sido tan fructífero que, aun al tratar de escoger las mejores, siempre habrá composiciones maravillosas que se queden pugnando por un hueco en el top ten. Todavía es posible vislumbrar las raíces del pop en muchos grupos actuales, en un momento en el que la integración de los avances tecnológicos en la música ha iluminado nuevos estilos, ensombreciendo también a otros. No obstante, lo que importa es reafirmar que el pop, de ayer y de hoy, sigue vivo. Vaya por delante que, quien escribe estas líneas, sabía el reto al que se estaba enfrentando. E intuía también la imposibilidad de alcanzar el objetivo propuesto. Porque la premisa de este artículo es como los reyes magos; creemos con total fe y entrega en ellos, hasta que alcanzamos un punto de lucidez que echa por tierra aquello que teníamos asentado como realidad. A uno pueden decirle que no es posible elegir las diez mejores canciones pop de la historia, y aceptará demostrar que sí se puede (ya sea por orgullo, exceso de cabezonería, o pura inocencia; en el caso presente, todo habrá...

Un solo poeta y miles de voces Jun03

Un solo poeta y miles de voces...

Define la RAE musicalizar como «poner música a un texto para que pueda ser cantado». Quizá debiera añadir algo más: la musicalización es un arte. El de poner música a un texto para que pueda ser cantado, y llegar, de una forma honda y precisa, al receptor. Uno de los poetas que más musicalizados ha sido es, sin duda, Antonio Machado. Flamenco, clásica, canción de autor, rock y hasta punk, han visto en él su inspiración. Música para un poeta excepcional. Hay quien dice que Antonio Machado es, después de Lorca, el poeta español más cantado. Y quien afirma, en cambio,  que son sus versos a los que más veces se ha puesto música. En realidad, no importa demasiado. Lo cierto, y lo importante, es que a Machado lo cantan incluso quienes no saben que lo están cantando. Incluso aquellos que creen que la poesía no es para ellos. Que la poesía es un lenguaje alejado de la gente; sólo asequible para una minoría. Que lo intentaron una vez, dicen, pero no entendieron nada. Y, sin embargo, conocen perfectamente Cantares, y, por supuesto, La Saeta. O a Extremoduro. Tiene Machado la grandeza de la sencillez. De la humanidad. La que lo ha convertido, en cierta forma, en poeta de todos. Sentido y expresado de maneras tan diversas como somos cada uno de nosotros. Acompañado de una guitarra, o de una orquesta entera. Musicalizando sus versos, o componiendo a su figura. Homenajeando al poeta, al hombre, al símbolo. Hasta el punto de que no hay apenas estilo musical que no lo haya hecho. Flamenco, canción popular, composiciones clásicas, zarzuela, ópera, canción de autor, poemas musicalizados, rock, punk y rap. Sólo parece haber una excepción: el jazz. Ni un solo tema inspirado en Machado o su...

DESCUBRIENDO TERRITORIOS May28

DESCUBRIENDO TERRITORIOS...

Territorios es una cuestión de elección entre caminos musicales diferentes, entre vías que, aun siendo diversas, llevan a un único punto de encuentro: la pasión por la música. La XVII edición de este Festival Internacional de Música de Sevilla 2014, celebrada los pasados 23 y 24 de mayo en el Monasterio de la Isla de la Cartuja planteó buenas opciones y permitió descubrimientos de grupos emergentes como The Faith Keepers (Zaragoza), Shannon & The Clams (California), o El mató a un policía motorizado (Argentina); pudiendo disfrutar de maestros del punk blues, de la talla de Jon Spencer Blues Explosion (Nueva York) o del rock and roll de la movida de los 80, de Loquillo (Barcelona). Una cosa  tuvieron clara muchos de los territorialistas, que para recordar a Triana, Triana. Después de diecisiete años, Territorios Sevilla, sigue consolidándose como uno de los mejores festivales de música que se celebran en España. © De las fotografías: Antonio Gómez Domínguez. Monasterio de la Isla de La Cartuja, viernes 23, de Mayo, 2014 Aunque los conciertos de Territorios 2014 comenzaban a las 20.00 h, eran casi las nueve y los futuros asistentes aún estaban calentando motores al lado de los coches recién aparcados en los aledaños del recinto o merendando, con gusto, tirados en el césped de dentro. Pocos eran todavía los que seguían en los jardines a Chocolata (escenario principal, Cruzcampo) o a Agorazein (escenario Territorios) y ya teníamos decidido ir directamente al escenario del interior del Monasterio de la Cartuja (cadena Ser) para conocer el grupo de Zaragoza ciudad, The Faith Keepers. En el escenario situado en el patio del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, nos sorprendía un incombustible showman con pantalón ceñido, torso claro-fibroso-desnudo y pelo alborotado, de reminiscente estética  «doorsiana», quien, con los Keepers,...

Modelando “buen rollo” a través de la música May28

Modelando “buen rollo” a través de la música...

Son solo tres músicos, pero parecen multiplicarse cuando se ponen al mando de cada uno de sus instrumentos. Como lo haría un gremlin cuando un chorro de agua le cae encima. Aunque Paty, la frontwoman de Pantones, es más de ese otro clásico del cine de terror, Critters (que compite en horror y enfermizo encanto con la versión rebelde de los mogwai), y de ahí que para su nombre artístico haya adoptado como apellido el nombre de estos otros. Sin embargo, se antoja casi imposible encontrar algún detalle terrorífico en las canciones de Pantones. Esta banda madrileña trata de exprimir al máximo el género conocido como punk pop, y su música es una permanente búsqueda del buen rollo, del estar a gusto. Las letras de sus composiciones transmiten historias del día a día de una persona cualquiera, sin querer esto decir que se trate de historias cualquiera. Lo que no persigue el grupo es elaborar poesías o estructuras melódicas que haya que escuchar varias veces para sustraerles toda la esencia. Es música que entra directa adonde tiene que llegar, y esa meta bien puede ser el estado de ánimo del oyente. El punk pop de Pantones suena a felicidad y, sobre todo, a despreocupación. Su guitarrista, rebautizado en su faceta musical como Hormiga The Ant, llena las canciones con quintas que, lejos de complicarse la vida, equivalen a la primera advertencia de que lo que se va a escuchar entrará en una estrecha relación con la adrenalina. Lo apoyan la fuerza y la gracia de su batería, comandada por Any Pop (nombre artístico también, por si las dudas). Y Paty Critter pone su toque especial combinando las bases del bajo con su voz, dulce y enérgica a partes iguales, y sus ganas de expresar...

Explosión y savia nueva desde la escena musical portuguesa May20

Explosión y savia nueva desde la escena musical portuguesa...

En España no hay una costumbre demasiado arraigada de escuchar música de ese país vecino que aparece a nuestro costado en los mapas. Si se hace excepción del fado, y de los varios cantautores que lo elevan a su máxima expresión, no resulta sencillo encontrarse con el nombre de bandas o músicos oriundos de Portugal que sean una referencia en alguno de nuestros festivales o radiofórmulas musicales. The Gift, que de buenas a primeras podría pasar por un conjunto venido de Gran Bretaña (incluso al escucharlos por primera vez), ha querido dar una vuelta de tuerca a la expresión musical portuguesa. La banda se formó con un objetivo que sus cuatro componentes tuvieron claro desde un primer momento: experimentar y detonar. Dos de sus músicos se habían conocido en un proyecto anterior, y The Gift surgió para añadir más sonoridad y artificio a sus composiciones. Por eso a la guitarra, batería y bajo se les añadieron teclados y sintetizadores, sin tener miedo a abusar del uso de ninguno de estos dos últimos. Tras unos primeros trabajos en los que dejó entrever sus ganas de encontrar nuevos caminos de expresión, en 2006 llegó Facil de Entender, álbum con el que encontró buena parte de lo que ahora es su esencia. El título de este trabajo hace mención al único tema cantado en portugués, ya que The Gift basa sus batallas melódicas en idioma anglosajón, si bien no han renunciado a componer algunas letras más en su lengua materna (canciones que funcionan de tan buena manera como las demás del repertorio). A raíz de Facil de Entender, el grupo comenzó a crecer y a llamar la atención del público, no solo en Portugal. Sus canciones, con melodías todavía lentas que no terminaban de explotar (como pasaría...

Cuando la exclamación es mucho más que un signo ortográfico May13

Cuando la exclamación es mucho más que un signo ortográfico...

Formar un grupo de música y escoger Trajano como nombre es casi una declaración de intenciones. Uno no se imagina que a continuación escuchará un vals comedido, o una canción pop que nos haga balancear muy suavemente la cabeza de lado a lado con los ojos entrecerrados y media sonrisa en la cara. Porque, efectivamente, Trajano hace referencia a la antigua figura de aquel emperador ducho en varias guerras, que otorgaron un periodo de esplendor destacado en la historia de la civilización romana. Pero si, aún por encima, le añades un signo de exclamación al nombre (una decisión que ya entraña más misterio para el cantante del grupo, Lois, cuando se le pide recordar cómo fue tomada), poco margen existe para elucubraciones. Es frecuente establecer Madrid como sede de Trajano!, porque esta es la ciudad donde se dio origen a la banda y donde sus cuatro miembros están establecidos en la actualidad. Pero por las venas de este conjunto musical, a menudo introducido en el género del post-punk (algo que, en opinión de los propios aludidos, no responde a una fórmula precisa), corre sangre de varias tierras. Lois, figura donde se reúnen la voz y la guitarra, es de Galicia; al igual que Juan, responsable de las líneas de bajo (que no se limita a este instrumento, sino que también se desenvuelve con una guitarra para grabar las bases melódicas); Carlos, a la batería, es de Valladolid; y Álvaro, quien se ocupa de los teclados, el único miembro de origen madrileño. Esto podría guardar estrecha relación con la dificultad real de enmarcar a Trajano! en un género cerrado. Porque es muy posible que algunas de sus composiciones recuerden a diversos grupos de historia menos reciente, pero lo cierto es que en la banda hay...

La vieja tortuga deriva hacia un compromiso mayor Abr29

La vieja tortuga deriva hacia un compromiso mayor...

Vetusta Morla es un nombre propio que conocen de buena mano tantos los admiradores de Michael Ende como los fanáticos del rock español. Respecto a estos últimos, el nombre está dando mucho de que hablar estos días. Porque el grupo que se ha erigido en bandera de la música indie española (un término este que, probablemente, creará confrontaciones hasta el último de los días en que sea utilizado) ha estrenado nuevo disco recientemente. Su tercer trabajo de estudio, La deriva, era muy esperado. Sobre todo después de que, en el año anterior, el grupo oriundo de Tres Cantos ofreciese un único concierto en esta península, centrando su gira en Latinoamérica. Pero La deriva ya es una realidad. Doce temas que miles de seguidores esperaban con ansia y temor a partes iguales. Porque cuando un grupo ofrece tanto, siempre existe un miedo respecto de la siguiente obra que lleven a cabo. ¿Dará una vuelta de tuerca a su estilo? ¿Tratará de reinventarse para no caer en la inercia de no superar sus trabajos anteriores? ¿Logrará mantener el nivel que hasta entonces ha mostrado? En este disco se ofrece respuesta a todas estas preguntas. Y, lo que es mejor, se ofrecen otras contestaciones con las que el seguidor, tal vez, ni siquiera contaba. El primer single que la banda mostró como adelanto lleva precisamente el mismo título que el que presenta el disco. Una canción en la que Vetusta Morla (nombre de la anciana tortuga tan entrañable de La historia interminable, del ya citado escritor alemán) desvelaba los primeros matices generales de su última creación. A través de La deriva se podía comprobar que el grupo no se había dejado llevar por experimentos, ni por nuevas fórmulas que buscasen una metamorfosis. Pero sí se detectaba algo...

El renacimiento del power pop Abr22

El renacimiento del power pop...

Hace menos de seis años, allá por el 2008, Maryland era un grupo de música formado por cuatro amigos que se encerraban a tocar en un local de ensayo, que formaba parte de una red puesta en marcha en varias ciudades de la comunidad autónoma de Galicia. La sede de estos cuatro músicos era Vigo, ciudad natal de los mismos. Por entonces, la fuerza de sus guitarras y la sencillez y el atractivo de sus melodías llamaban la atención, pero no era lo único que parecía hacerlos sobresalir por encima de otros grupos noveles. En la definición de su estilo musical, etiquetado por los propios componentes, se podía leer a menudo power pop. Un término del que renegaron muchas de las bandas que terminaron siendo adheridas al mismo. Tal vez por su sonoridad demasiado surfera, tal vez por la aspiración de esos conjuntos a ser relacionados con otros géneros alternativos de la música. No obstante, fue Pete Townshend, miembro de The Who, el primero en hacer uso de la expresión para referirse al estilo de su propio grupo. El caso es que Maryland nunca renegó de sus propias raíces, ni camufló las sensaciones que pretendía transmitir, fuese metido en un estudio de grabación, fuese sobre un escenario. Hoy Maryland es un grupo cuyas giras constan de paradas en muchas y diversas ciudades de la geografía española. Desde 2008, su discografía cuenta ya con tres trabajos, algo que llama mucho la atención en su corta pero intensa biografía. Ha formado parte del cartel de festivales de prestigio y reconocimiento (Primavera Sound, VigoTransforma o MusicWay), ha llenado varios locales emblemáticos para el buen aficionado de la música en vivo (sala Capitol, en Santiago de Compostela; sala Caracol, en Madrid; o sala Sidecar, en Barcelona), y ha...