FOTÓGRAFOS EN COLOR

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De un experimento que tiene más que ver con la Física que con las musas nace lo que hoy conocemos como fotografía en color. Aladar propone en un rapto de modernidad e intento de rigor explorar la mitad del camino entre lo puramente profesional (analógico y digital) sin querer hacer ascos a aquellos que se van iniciando en el mundo más puramente tecnológico de los smartphones. Porque hoy en día y cada vez más, somos también lo que vemos, aunque no tengamos medios para disparar desde un artefacto que nos resulte más o menos extraño.

Lo de que la fotografía es una disciplina híbrida lo hemos dicho más de una vez. Pero hasta tal punto es así que el inventor de la primera imagen a color fue el físico escocés James Clerk Maxwell, alguien que naturalmente trascendió en vida por otras labores, pero que un buen día de 1861, sin siquiera pretenderlo a priori, presentó en Londres un método aditivo por el que a través de luces de los tres colores primarios (rojo, verde y azul) podía conseguirse cualquier tono. Su invento recibió el nombre de tricromía, y todavía tenía una sensibilidad cromática insuficiente para lo que vendría después.

También hay que decir que si repasamos los libros sobre historia de la fotografía, artífices multidisciplinares actuaban con pesados y poderosos equipos, pero sobre todo con altos tiempos de exposición sobre el negativo, consiguiendo si bien no la tricromía sí unos virados a sepia o incluso a tonos verdes, algunos años antes. Es el caso no tanto de las primeras imágenes de Nicephore Niepce o Daguerre, sino más bien de William Henry Fox Talbot o Alfred Stieglitz, dos caballeros anglosajones que sin desmerecer la tarea de aquellos franceses, siempre se consideraron pioneros y buscadores del más allá del simple invento popularizado por los primeros. Fox Talbot inventó de esta manera el calotipo o los dibujos fotogénicos, a lo que siguió el negativo no por contacto para terminar con el procedimiento tradicional de cámara oscura; realizando esta tarea que, en principio requería de más estudio y dedicación sobre los materiales, consiguió mejores resultados en cuanto a nitidez. Alfred Stieglitz por otro lado fue conocido por protagonizar los primeros intentos de emancipación de la fotografía respecto de la pintura, intentos que, por otras razones, y dada la extensión de uso de software de retoque analógico y digital, sigue estando vigente, siempre y cuando hablemos de fotografía tradicional.

Y decimos esto, porque el todavía para muchos mejor instrumento para captar y ofrecer imágenes está viéndose en la actualidad sustituido por algo que todavía no convive con la paz que todos desearíamos a la hora de hablar de fotógrafos profesionales: el smartphone, y en concreto no sólo una cantidad ingente de aplicaciones que permiten el retoque y la inserción de filtros y efectos con mayor facilidad de manejo, sino también la red social Instagram, que está logrando, por ejemplo, que los reporteros bélicos puedan acercarse a zonas insospechadas con imágenes merecedoras de importantes premios.

No obstante y con ánimo de ofrecer una panorámica que trate de hibridizar de nuevo el campo que consideramos más purista y, a la vez, más artístico, la fotografía en color; la siguiente selección puede darnos una idea de lo que sigue siendo este oficio, aunque veces no sea considerado por tantos otros ni como tal.

Andy Warhol

A. W.

Además de ser el artista y fundador del pop por excelencia, este tipo nacido en Pittsburgh en 1928 fue el artífice de lo que hoy consideraríamos las agencias de eventos o productoras audiovisuales multimedia, gracias a la conocida Factory, donde consiguió reunir a la flor y nata de la sociedad neoyorkina y foránea. Declarándose a sí mismo asexual y voyeur, su procedencia es la de una familia eslovaca afincada en Estados Unidos. Fue sobre todo un artista plástico de relevancia, y aunque audiovisualmente su vida ha dado para filmar varios biopics, lo cierto es que sus experimentos en el Séptimo Arte son más de carácter experimental que comercial. Hemos elegido esta polaroid tan típica del espíritu de Lou Reed y la Velvet Underground (recordemos su álbum con Nico llamado igual que el artista que nos ocupa), sin querer obviar obras fundamentales para la fotografía moderna y su posterior trabajo de post-producción como son las referidas a los retratos negativizados a color en cuatro partes de Marilyn Monroe.

Bert Stern

Sue-Lyon-as-Lolita.-Bert Stern

Recientemente fallecido (26 de junio de 2013), retrató igualmente a Marilyn, esta vez desde la postura de un fotógrafo de moda y del retrato convencional, llegándola a conocer muy bien. Empezó a trabajar a los 18 años primero en un banco de Wall Street, para cambiar al poco de tercio laboral e irse de ayudante de arte del director Herschel Branson y ser fichado posteriormente por Mayfair, Vogue, Esquire, Look, Life o Glamour. Realizó para el cine el documental Jazz on a summer´s day, lo que le sirvió para conocer a Stanley Kubrick , para quién trabajó en el diseño del cartel de su película Lolita, basada en la popular novela de Vladimir Nabokov. Ha fotografiado a otras mujeres famosas como Audrey Hepburn, Elizabeth Taylor, Madonna, Kylie Minogue o Catherine Deneuve. Su fotografía se caracteriza por mostrar una mirada depurada y seductora al estilo de otros tantos fotógrafos como Richard Avedon, Irving Penn o Annie Leibovitz.

Ouka Leele

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Seudónimo de Bárbara Allende Gil de Biedma, nació en Madrid en 1957 y es una de esas mujeres multifacéticas producto de la Movida madrileña de los 80 que ha cultivado la pintura, la poesía y la fotografía en España. En este sentido destacamos su trabajo basado en El Cantar de los Cantares, así como sus fotografías pintadas. Ejemplo de la hibridación expuesta, el director de cine Rafael Gordon realizó un documental sobre su mirada. Su obra ha sido expuesta principalmente en París, Londres, Tokio, Sao Paulo, Tel Aviv o Shangai. Superó un cáncer. Hemos escogido de entre su vasta producción la imagen El beso por su importancia y por representar con cierto aire gamberro todo un espíritu pop que sintetiza un ataque de nervios con colores chillones y estética post-punk. Entre los galardones obtenidos destacan la Medalla de Plata de la Comunidad de Madrid en 2012, el Premio Nacional de Fotografía 2005 o hace ya más tiempo el Ícaro de Artes Plásticas, concedido por el desaparecido Diario 16.

Cristobal Hara

cristobal hara, solo la fantasía puede ser exacta

Gracias al blog El patio del diablo, que recomiendo fervientemente, descubrimos a este fotógrafo documental, madrileño también, que empezó en 1969 queriendo imitar en blanco y negro a Cartier-Bresson y que a partir de 1985 se pasó al color, llegando a desarrollar una forma de mirar que sin querer obviar en ocasiones el costumbrismo de su género debido a la necesidad de encargos, tiene más carga ficcional, moral y onírica sobre los pueblos y la nación española de lo que pudiéramos imaginar, llegando a ver esa trastienda nacional como poca gente antes lo ha hecho. Honrado, goyesco y hasta buñuelesco, tal vez en los rudimentos de esta mirada está su infancia alejada de su país, entre Filipinas y Estados Unidos, lo que hizo que no empezara a hablar el idioma de Miguel de Cervantes hasta los ocho  años. Entre sus libros más conocidos están 4 cosas de España y Vanitas, siendo el primero comparado al trabajo de Cristina García Rodero. Muchos han puesto el grito en el cielo por no habérsele adjudicado aún el Premio Nacional de Fotografía. Además de en éste su país, ha expuesto en Amsterdam, Chicago o Londres.

Rai Robledo

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Ya inmersos en plena era digital, este fotógrafo de moda y profesor del viejo oficio destaca sobre todo por sus trabajos de encargo para RTVE, Mercedes-Benz, Casa de América, CosmoCaixa o Mahou entre otras muchas; interesado especialmente en retratar a grupos musicales, es un fan incondicional igualmente del mundo del motor y batería del grupo Hominidae. De sus sesiones más personales destacamos la de Satánicas Suicidas y algunas de sus fotografías dibujadas como la que presentamos donde el gusto por las chicas o adolescentes elegantes se funden con presencias animales de lo más variopintas, ya saben, il periccollo número uno, la donna… Busca la fluidez en el trabajo, desbancando su producción sobre todo hacia el retrato, si bien en los bodegones también encuentra inspiración. Pero sobre todo seduce su visión sobre la cotidianeidad en que estamos inmersos, creándose una resolutiva unión entre artista y espectador gracias a su exquisito conocimiento de la luz y las atmósferas.

Christian Tagliavini

christian tagliavini

Esteta influenciado por el refinado Renacimiento italiano, trabaja entre Italia y Suiza como fotógrafo y diseñador gráfico. Combina lo más artesanal de ambos oficios con el procesado y retoque digital. En su serie o proyecto 1503 pretende recuperar la vida de las galerías de arte renacentistas del siglo XV, todo ello además de lo ya dicho, le ha supuesto un completo trabajo de investigación; sin embargo nada de esto tendría sentido sin que los modelos miren de una forma tan esclarecedora a cámara, con la limpieza por un lado de las originales, pero buscando siempre un grado de complicidad que propicia la empatía. Es también ilustrador, lo que le permite a la vez un mayor control en la toma, aún a sabiendas de que en todo trabajo de este tipo siempre quedan aspectos que matizar o mejorar. Destacan además sus trabajos: Dame de Cartone, donde las mujeres están vestidas con trajes de cartón; o Aspettando Freud, en el que, sin abandonar su peculiar estilo, retrata pacientes especiales jugando con que el escenario es como el despacho del conocido psicoanalista.

Kevin Schafer

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Destaca sobre todo por sus imágenes submarinas realizadas para National Geographic; nacido en Berkeley es el fotógrafo paisajista por antonomasia y un todoterreno en este género. Su mérito principal ha sido y sigue siendo retratar la naturaleza en su estado más salvaje, algo que no todo el mundo está dispuesto a hacer, de hecho sigue siendo el prototipo de fotógrafo viajero que lo hace al menos durante seis meses al año. Publica además en otras revistas y publicaciones también más científicas y se conoce África como pocas (ya no digo fotógrafos) personas lo hacen. En su palmarés cuenta con el reconocimiento de la revista mencionada en 2009, el Fritz Polking Award del mismo año, llegándole también a mencionar la BBC con el Premio Gerald Durrell. Instalado en la actualidad en Seattle, es autor del libro Living Light.

Musin Yohan

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¿Recuerdan ustedes el cuadro Las espigadoras del pintor decimonónico francés Jean François Millet? Pues este fotógrafo indonesio, tan aficionado al filtro HDR, parece querer a su modo homenajearlo. Nacido en Bandarlampung en 1966, su interés le nace hace relativamente poco tiempo, el año 2006, cuando se compró una cámara réflex con la que capturaba las cosas pequeñas con las que el ser humano se topa a diario, pero que es incapaz de ver en su conjunto; cosas bellas, o al menos retratadas de un modo optimista, ya haga sol o llueva en sus paisajes. Siendo la fotografía el arte de pintar el mundo con luz, lo consigue, a menudo,  con fuentes naturales. Utiliza la categoría infrarroja en color, algo que sugiere premeditadamente mundos irreales pero fácilmente imaginables.

Oliverio Toscani

oliverio toscani

Más conocido por ser el fotógrafo de la marca Benetton, cuyas imágenes fueron enormemente controvertidas allá por los 80 y 90 debido a que empezaban a tratar desde la moda temas como el SIDA o la anorexia; en la foto escogida (una de las más antiguas) hay ya un guiño a la interracialidad que le hace ser un artista y publicista especialmente moderno para su tiempo, que consagró la marca a través del claim United Colours of…; además ha trabajado para Esprit, Valentino, Chanel y Fiorucci. Entre los premios cosechados, ha sido el ganador del León de Oro publicitario en Cannes cuatro veces y dos veces del Grand Prix d’Affichage también francés, siendo su obra expuesta entre otras ciudades en Helsinky, Sao Paulo o su oriunda Milán. Estudió fotografía en Zurich, y en los últimos años, con Benetton, ha estado detrás de campañas no menos polémicas entre las que destaca la imagen de Barack Obama y Hugo Chavez dándose un beso en los morros. Toda una declaración de intenciones.

Terry Richardson

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Por último, a este señor le viene de los genes el tema de la fotografía, ya que decidió continuar la estela de su padre Bobby, otro artista malogrado que desapareció víctima del abuso de las drogas. Se crió en Hollywood y Ojai. Tocó en un grupo de punk-rock en su juventud, siendo posteriormente adalid de marcas como Mango, Tommy Hillfiger o Levi´s Strauss. Como fotógrafo de moda predomina su mirada sombría (de hecho sacar al Presidente con dos flashes en un backstage blanco casi le pone más aún en el punto de mira, frente a lo que podría ser un resultado más discreto) aportada para revistas como Vogue, Harper’s Bazaar o Penthouse.