Aladar 34

La literatura femenina no existe Dic09

La literatura femenina no existe...

Imagen: Mujer leyendo libro. Obra de Pedro Gallo. En las sociedades de todo el mundo; y desde hace muchos siglos, desde que nos metimos en las cavernas para poder sobrevivir organizando nuestra existencia; cuando se le otorga a las mujeres la propiedad de algo (sea lo que sea), el tufillo a menosprecio, a caridad estúpida y barata, es patente. En literatura pasa lo mismo. Decir es cosas de mujeres y haberlo escucharlo tantas veces, apesta a cosa de poco, a falta de importancia. Sin embargo, decir que algo es cosa de hombres suena a grandeza, a valor, a relevancia. Este olor rancio e injusto se puede colocar en cualquier ámbito y el resultado que se obtiene es siempre el mismo o muy similar. ¿Recuerdan que hubo bebidas alcohólicas que presumían de ser cosa de hombres en sus campañas publicitarias? Hace unos días alguien me preguntaba si, en mi opinión, existe la literatura femenina. Por su puesto que no, contesté. Otra cosa bien distinta es que existan escritores y escritoras, que algunos asuntos interesen más a las mujeres que a los hombres (cosa dudosa por otra parte), pero decir que exista una literatura femenina y otra masculina es un disparate. Además, cuando se habla de la presunta literatura femenina, parece que ya ponemos la etiqueta de pastelazo cursi a la obra. Es curioso, casi cómico, comprobar cómo los hombres ocultamos algunas apetencias o inclinaciones. No conozco a uno sólo que reconozca haber leído alguna novela de Corín Tellado (hace años) o alguna novela de las denominadas románticas (en la actualidad). Es como preguntar a un hombre si escuchaba el programa radiofónico de la señorita Francis (hace años) o algún programa dedicado al cotilleo o al mundo del corazón (en la actualidad). Eso se calificó como...

Jordi Sevilla: La sorpresa al escribir es un reto para el escritor...

Jordi Sevilla fue ministro del Gobierno, es político, es economista y, sobre todo, es escritor. A él, le sucede lo que a otras muchas personas en España que no pueden dedicar todo su tiempo a la escritura creativa puesto que la vida no lo permite. Pero la vocación de Jordi Sevilla es poderosa y no puede desaparecer. Sus dos novelas (La joven de la foto y El valle de los olvidos), con el detective privado Ricki Trullos como protagonista, avalan el oficio de un escritor que es, además, otras cosas. Muchas veces, se confunde a los escritores con las personas que escriben y son famosas por ello. Sin embargo, un escritor no es el que escribe y solo eso. Algo así lo puede hacer cualquiera. Un escritor es otra cosa. Alguien que ejerce una mirada única sobre el mundo, alguien que entiende la literatura como una forma de vida, alguien capaz de renunciar a buena parte de la realidad a cambio de poder crear un universo de ficción que le permite vivir. Jordi Sevilla, además de otras cosas por las que es conocido, es escritor. Charlamos mientras tomamos un café. Con tranquilidad, sabiendo que, como bien dice Jordi Sevilla, estas conversaciones nos permiten escapar de la «cotidianidad que atrapa y permiten entrar en los sueños de la literatura que mueven el mundo. Porque sólo lo que es narrado se puede transmitir». Hablamos del presente, del pasado y del futuro. De ambos y de lo que ha representado la literatura en nuestras vidas. «En mi casa se leía mucho. Teníamos una vecina que era viuda y fue ella la que me prestó las primeras novelas de detectives y las primeras novelas del género negro. Hammett, Chandler. Me metí dentro de esa literatura y no he...

Muerte en Venecia: El viaje sin retorno Dic09

Muerte en Venecia: El viaje sin retorno...

Madrid tenía una deuda pendiente con Benjamin Britten. Ya se ha liquidado. Y no de cualquier forma. Porque el estreno de Muerte en Venecia del compositor inglés es el ejemplo extraordinario de esa unión de todas las artes escénicas que es, en realidad, la ópera. Maravillosa la ópera de Britten. La puesta en escena de Willy Decker es inteligente, eficaz, a la vez que atractiva y vistosa; y, con ella, se resuelve uno de los problemas por los que esta obra se ha representado tan pocas veces: su teatralización. Son diecisiete escenas repartidas en dos actos que no permiten dudas. Decker, utilizando distintos telones, es capaz de presentar la obra sin empujones, sin exigir del espectador un esfuerzo adicional y, con ello, consiguiendo que todo fluya para que en el patio de butacas la atención se centre en lo importante y no en lo accesorio. Por cierto, Decker ha realizado un trabajo de limpieza, muy de agradecer, para eliminar todo aquello que representaba una molestia por superficial e irrelevante. Por su parte Alejo Pérez, director musical, acompaña bien. Y digo acompaña porque tampoco intenta nada más allá de lo que esto representa. Bastante trabajo supone seguir el ritmo frenético del escenario. Su dirección es correcta y algo plana. Aunque suficiente. Estamos hablando de la última ópera de Britten. Estamos hablando de la adaptación de una de las mejores novelas de todos los tiempos firmada por Thomas Mann (Der tod in Venedig, 1912). La libretista Myfanwy Piper hizo un trabajo muy meritorio modificando el punto de vista de la novela para que todo se convirtiera en un monólogo interior del personaje central (Gustav von Aschenbach) y para que los encuentros narrados en la novela con distintos personajes, en esta adaptación, se pudiesen interpretar como parte...

EL ALMA CONDENADA DE BERNINI Dic09

EL ALMA CONDENADA DE BERNINI...

Una exposición en el Museo del Prado analiza los proyectos del artista en conexión con los encargos de la aristocracia y la monarquía españolas para la ciudad de los Papas. Nunca se había dedicado una muestra en nuestro país al genio italiano. Se puede ver por primera vez en España la escultura Alma condenada que refleja con toda crudeza el espanto de afrontar el infierno para toda la eternidad. Un retrato psicológico de tremenda intensidad, representativo del barroco. Tuve el privilegio de ver el Anima dannata en el Palazzo Monaldeschi de Roma, nuestra legación ante la Santa Sede y la Orden de Malta. El embajador, Eduardo Gutiérrez Sáenz de Buruaga, nos la señaló inesperadamente sobre una consola dorada. Estaba iluminada por un potente foco. Pudimos ver entonces el gesto de un rostro humano en el instante terrible, cuando prende en él la consciencia de su condenación eterna. Era el retrato mismo del horror, emergiendo de la penumbra barroca de la tercera antecámara. El busto es también un autorretrato de su autor, Gian Lorenzo Bernini. Ahora se da una oportunidad excepcional para que cualquiera pueda contemplarla junto con su compañera el Anima beata, que parece transportada al éxtasis al conocer el anuncio del paraíso. Son, sin duda, dos obras maestras de la escultura por la profundidad con la que el escultor supo captar las tensiones emocionales, capturar la violencia de las emociones y de los sentimientos congelada en un instante preciso. Las ánimas son un encargo del cardenal Pedro de Foix, probablemente para su tumba en San Giacomo degli Spagnoli y fueron talladas en mármol en torno a 1619. Son junto al busto del cardenal Scipione Borghese las obras principales -y lo único memorable- de una muestra menor, sin otras piezas destacadas, que a duras penas...

Un juego de espejos para distorsionar el arte Dic09

Un juego de espejos para distorsionar el arte...

El primer largometraje de Banksy se convierte en una reflexión sobre la evolución que ha convertido al arte callejero en un reflejo deforme de sí mismo. Pero lo que es indudable es que se trata de una película genial, profunda e inteligente sobre el street art y su creciente comercialización. Que uno de los artistas más influyentes del siglo XXI, el graffitero y street artist británico Banksy decida hacer un documental sobre su vida, es ya de por sí extraordinario, teniendo en cuenta la fobia que tiene a ser reconocido. Pero es aún más extraordinario que a mitad del proyecto, Banksy decidiera que era mucho más interesante plasmar la vida de quien fue su sombra durante el rodaje, atónito por la capacidad de este personaje de inventarse, de la nada, una vida como artista de éxito. El personaje en cuestión es Thierry Guetta, un francés afincado en Los Ángeles desde mediados de los ochenta, y cuyo único mérito hasta convertirse de la noche en la mañana en un cotizado artista, había sido regentar una tienda de ropa de segunda mano y filmar de forma obsesiva todo lo que sucedía a su alrededor. Esa evolución vital es la excusa para hablar sobre el arte callejero, con una mirada ácida y desconcertante que pone en tela de juicio –sólo hasta cierto punto -, el mercado del arte contemporáneo y los mecanismos que convierten el proceso productivo de un individuo en creación artística. Exit through the gift shop (2010), es la primera incursión en el cine de Banksy, y fue uno de los documentales —o mockumentary, según se mire—, más celebrado de los últimos años. Ganador de innumerables premios en festivales de cine de todo tipo, llegó incluso a estar nominado a los Óscar. No es ni...

Sergio Peris-Mencheta: El arte de crear al otro...

“Para poder hacer lo que uno quiere hacer, tiene que hacerlo uno” Ya, sobre el escenario, el actor de Lluvia constante, reconoce que es mejor crear el personaje, “en comunión” con los que lo comparten con él. La afabilidad de Sergio Peris-Mencheta, me animó a comenzar preguntándole, ¿en el mundo del teatro, tal y como están las cosas, qué hay que hacer para que no se olviden de uno, o es cuestión de suerte? «Yo creo que estamos en un momento jodidamente puñetero, en el sentido de que hemos tenido que abandonar la comodidad, pero también estamos en un momento maravilloso para redescubrirnos todos. Cuando uno decide dedicarse a esto, tiene que estar dispuesto a asumir su parte creativa. A un actor, en este país, lo entendemos como el que interpreta la partitura escrita por un autor, a través de la mirada de un director, con lo cual “ni pincha ni corta”. Y el actor es algo más que eso. Desde el momento en que no te llaman para trabajar o los proyectos que hay son más de lo mismo, la historia del chico conoce chica pero hay una tensión, porque una es Julieta y el otro es Romeo; entonces, hacemos Velvet, Isabel, todas las series con el mismo formato. Si tienes la posibilidad de poder elegir, terminas eligiendo lo que uno quiere hacer y, para hacer lo que uno quiere hacer, tiene que hacerlo uno. Me explico, tienes que montar tu propia productora, tienes que convertirte en director, en dramaturgo, en iluminador, en prácticamente todo. Si no tienes una visión global, te vas a terminar comiendo los mocos. Estamos en un ámbito artístico, que se presta mucho a que uno se conozca a sí mismo en varios terrenos y, considero que la manera...

Lluvia constante: Cuando la interpretación es pura interpretación Dic09

Lluvia constante: Cuando la interpretación es pura interpretación...

Si alguien no sabe aún qué significa ser actor, tuvo la oportunidad; y la tendrá porque seguirán pisando los escenarios de nuestro país, de aprender esta lección; acudiendo a una cita con Roberto Álamo y Sergio Peris- Mencheta, quienes desde la adaptación de David Serrano, marcaron el paso de lo que un actor debe ser, de una manera contundente y escalofriante, más que como una lluvia, como si de una tormenta intermitente se tratase. Ésta no va a ser solo una crónica de una representación teatral, va a ser una crónica provocada por las imágenes, de todo lo que tiene que ver con lo que Lluvia Constante encapsuló en la retina de mi memoria. Va a ser una crónica, ante todo, de actores, de personajes, de la forma de narrar una historia; que es lo de menos, porque en esta obra de teatro la forma seduce más que el contenido, aunque el contenido tenga que ver con el existencialismo y con algo de Nietzsche; de imágenes, como esas sombras que aparecen, de repente, en la escena y, que explican más de lo que explica el texto. La primera que les traigo es el escorzo de un hombre vestido de negro desde los zapatos relucientes, pantalón ajustado hasta el tobillo, asomados oscuros calcetines, con abrigo largo, de tez clara y con sombrero de detective, todavía más negro, llevando una maleta gris de ruedas y, bordeando las amplias cristaleras exteriores del teatro Central. Lo supuse Roberto Álamo (un actor que descubriría colosal en la representación y después de ésta), encaminándose a la rueda de prensa, parsimonioso, tanto, que hasta me dio escalofrío. La postura que adoptaron los protagonistas de esta obra de Keith Huff y adaptada por David Serrano, Sergio Peris- Mencheta y Roberto Álamo, nada...

LA LOBA: A DENTELLADAS ENTRE BETTE DAVIS Y WILLIAM WYLER Dic09

LA LOBA: A DENTELLADAS ENTRE BETTE DAVIS Y WILLIAM WYLER...

Lillian Hellman realizó el guión de La loba en 1941, adaptando su propio drama teatral sobre la capacidad destructiva de la codicia. La autora sureña se inspiró en sus recuerdos sobre algunos de sus avaros familiares de Nueva Orleans. Wyler dirigió a la gran Bette Davis en una de sus interpretaciones más recordadas, como la implacable Regina, personaje alrededor del cual gira este clásico. El distinto punto de vista de ambos sobre la protagonista, dificultó su colaboración. Uno de los mayores éxitos de Lillian Hellman fue La loba, drama teatral ambientado en el Sur de Estados Unidos en 1.900. Los hermanos Hubbard, Ben, Oscar y Regina (Bette Davis), son propietarios a los que sólo mueve el afán de dinero y que explotan a sus trabajadores de color. El hijo de Oscar, Leo, está hecho de la misma madera, pero carece de la astucia de sus mayores. No todos en la familia son verdugos. Birdie, la mujer de Oscar, es víctima de maltrato y Horace, el enfermo marido de Regina, padece su menosprecio. Alexandra, la hija de ambos, pese a tener el germen del arrogante desdén de su madre, se beneficia del afecto y principios que le transmiten su progenitor, su tía y la maternal empleada que le crio. El título en inglés de la obra, The Little foxes –“Las pequeñas raposas”- es más acertado que La loba. Aquel alude al pasaje de El cantar de los cantares que insta a guardarse de los zorros por ser depredadores y refleja la codicia como mal endémico del astuto clan Hubbard, mientras que el título español se centra sólo en la dureza del personaje principal, Regina. Wyler llevó al cine la historia, a partir del guión elaborado por la propia Hellman. Además de respetar la férrea estructura y...

Sevilla tiene más de un color especial (y musical) Dic09

Sevilla tiene más de un color especial (y musical)...

Full es una banda nacida en Sevilla que, tras sus dos primeros EP, dio un salto notable con su primer larga duración: Mi primer atraco (2013). Canciones de indie-pop enérgico, con melodías y letras que convierten en un trabajo redondo el disco entero.Con letras profundas y con facilidad de atraer al oyente, la banda da forma a un trabajo compuesto por doce composiciones donde logran no repetirse, y con las que demuestran tener mucho que contar a través de su música No dejan de aparecer nuevos nombres en el panorama musical de toda la península, es una realidad tan grande como reconocible. Vamos en un medio de transporte, en el coche, de camino al trabajo, a una cita o de regreso a casa. Y en la radio suenan temas que se quedan resonando en el oído. Pero, además, con el auge y poderoso dominio de internet, ahora todavía más agrupaciones tienen la posibilidad de llegar a un mayor número de oyentes. Hay de todo, claro. Mejor o peor. Pegadizo o demasiado plano. Tradicional o experimental. De todo; en las diferentes plataformas que internet pone a disposición, uno puede encontrarse de todo. Y eso es algo que se agradece cuando, de repente, el nombre de Full aparece por algún recoveco y decides saciar tu curiosidad. Full es un proyecto nacido en Sevilla, cuyo éxito y acogida lo ha ido dibujando como una banda a caballo entre la capital andaluza y Madrid. Sus componentes son Javi Valencia (voz y guitarra), Bubby Sanchís (guitarra y coros), Manu Jurado (teclado y coros), Jesús Gutiérrez (bajo), y Jaime Gutiérrez (batería). La identidad de Full comenzó a labrarse cuando, en 2011, publicaron el que sería su primer EP, 7 meses en la caseta del perro. Una carta de presentación consistente...