Aladar 42

Hagan juego Feb25

Hagan juego

Espacio California apuesta “Todo al rojo”, una exposición de trabajos recientes de Srger que podrá verse hasta el próximo 26 de febrero en este joven espacio sevillano. Exponer siempre supone un reto para cualquier artista pero resulta aún mayor cuando la trayectoria del mismo se desdobla entre la calle y la galería. La de Srger se configura desde el grafiti, siendo uno de los escritores más originales de la ciudad, y el estudio, donde desarrolla una actividad que abarca diversos campos como la fotografía, la instalación, el diseño o la pintura. Ambos aspectos confluyen en sus obras por lo que quizás, cuando uno ve los resultados surge la duda de cuánto hay de cada ingrediente en lo que vemos. La presentación del trabajo como apuesta se podría leer en varias líneas. En primer lugar un paso hacia delante para exponer sus últimas creaciones en solitario, puesto que lo que había venido exhibiendo hasta el momento había sido formando dupla con Lolo, con quien ha estado desarrollando un interesante mezcla entre las figuración y la geometría. Por otra parte está el guiño a los colores, rojo, azul y amarillo, como elementos del medallero olímpico, su asociación con el concepto de tiempo y la posible representación gráfica del mismo. Lo primero que salta a la vista es la renuncia a desarrollar sus creaciones dentro de los límites  acotados del lienzo o el papel, por lo que muchas de las obras se ven complementadas con trazos que se extienden por las paredes. Las propuestas de Srger tienden puentes, juegan, con el lugar en el que se enmarcan: junto a una columna surge otra y los huecos hacen las veces de marco de las composiciones. Un juego de mímesis y dotar de nuevos usos que sobrevuela el trabajo...

Un nuevo ‘Raemon’ para conectar con el de siempre Feb25

Un nuevo ‘Raemon’ para conectar con el de siempre...

The New Raemon es el proyecto musical de Ramón Rodríguez, que este año ha vuelto con Oh, rompehielos. De este modo, recupera algunas de sus antiguas sensaciones, unidas a indagaciones en un terreno más reposado e íntimo. Ha demostrado nadar con criterio en las aguas del pop, jugando a conciliar este género con otros diferentes, como el folk. Esta vez, ha apostado por mimar la producción de su trabajo al combinar ambientes sonoros sencillos con otros más elaborados. No es nada fácil encontrar la identidad que uno busca cuando hablamos de música. Hay tantas posibilidades, tantos géneros y estilos que nos pueden conmover aun siendo radicalmente diferentes entre sí… Se puede tener muy claro, o nada en absoluto. Ramón Rodríguez es un músico que nos hace pensar que sí, que tiene las ideas bien claras cada vez que decide zambullirse en un nuevo trabajo de estudio. Por eso acumula ya unos cuantos en su carrera musical y, a su vez, por eso hay tantas similitudes como diferencias entre cada uno de ellos. Ahí está la clave: en evitar la caída en reiteraciones y trabajos que suenen a lo mismo. Sin dejar a un lado un signo de identidad, su signo. The New Raemon es un proyecto surgido en Barcelona en el año 2008, liderado por el músico Ramón Rodríguez y cuya carta de presentación puso el listón bastante alto de entrada: A propósito de Garfunkel. Un álbum intimista y sobrio que sorprendió a muchos, con varios temas tan contagiosos como disfrutables. Desde entonces, han sido varios los trabajos que ha habido de por medio hasta llegar al que ha presentado este mismo año; varios cambios y experimentos por el camino, también. Oh, rompehielos (2015) cuenta con diez nuevas composiciones donde su esmerada producción es lo...

LO MEJOR, MÁS ALLÁ DE LA TECNOLOGÍA: TRICICLE, BITS Feb25

LO MEJOR, MÁS ALLÁ DE LA TECNOLOGÍA: TRICICLE, BITS...

Desde el pasado 28 de enero y esperemos que por mucho tiempo, el trío catalán Tricicle vive en Madrid. Ojalá por mucho tiempo. Y es que este grupo de tradición mediterránea tiene, como no podía ser de otro modo, una importante legión de fans en la capital de España. Humor gestual, risas garantizadas. Porque el sutil camino del humor está aquí más que estudiado. En realidad el nombre del nuevo espectáculo teatral cuyo origen o puerto de salida fue el Teatro Principal de Alicante allá por 2012 (y que ahora desembarca en el Compaq Gran Vía madrileño), dirigido, interpretado y escrito por el popular trío catalán formado por Joan Gracia, Paco Mir y Carles Sans, es lo de menos, y no es esto un reproche. Tricicle vuelve con la carga de humor gestual habitual que a todos nos tiene desde hace tiempo conquistados (dicen que cada espectáculo alcanza el millón de espectadores al menos), pero lo hace desde la necesidad no sólo de hablar de Internet, las redes sociales y Whattsapp, cosa que logra en lo que podríamos llamar las escenas o sketches de introducción y transición; siendo lo que da carne al lío, situaciones de la vida cotidiana en forma de parodia visual más que acertada, muchas y variopintas: desde la magnífica descripción de los tipos de hombres que pueblan nuestras discotecas, pasando por los paseíllos acompañados de música de un entrenador de la Champions de fútbol por el banquillo, hasta la recreación de un día de pesca (con viento o sin él, con pesca o sin ella), donde Paco Mir consigue un prodigio de mímica gracias a unas hormigas, realmente logrado. Sería conveniente también hablar del cameo con los genios del humor y la música Les Luthiers, de quienes piden prestada una...

Una herencia macabra

Una mujer de raza negra publica un libro con sus reflexiones tras conocer que su abuelo fue Amon Goeth, el oficial del campo de concentración nazi que aparece en ‘La lista de Schindler’. Un oficial nazi descamisado se asoma al balcón de su residencia en un campo de concentración con un rifle de caza al hombro. Desde la balaustrada, su visión a través de la mira telescópica domina las calles terrizas que separan los barracones en los que los presos judíos dormían hacinados hasta hacía unos minutos. Apoya sobre el quicio el cigarrillo que fuma en ese instante, para dedicar toda su atención al arma de fuego. Dispara. Una nube de polvo se levanta detrás de una mujer que se desploma sobre su costado, con la cabeza abierta por un balazo certero. Objetivo inmóvil, indefenso. Una ejecución sencilla para un cazador experimentado. El criminal busca otro blanco, esta vez en movimiento, más lejano y parcialmente cubierto por uno de los barracones… Fuego. Otro cadáver sobre la tierra encharcada de sangre limpia, inocente. Pasos apresurados, temerosos, en medio de un silencio de angustia se acercan al cadáver que escupe sangre por sus heridas frescas… Antes de ser una escena recreada por Spielberg en La lista de Schindler, la cruel escena formó parte de la colección de atrocidades que firmaron los oficiales fieles a la locura de Hitler que participaron en el holocausto judío. Amon Goeth existió antes de que Ralph Fiennes le encarnara en una de las películas que ha retratado con mayor precisión la barbarie nazi, a decir de quienes la sufrieron. Pero esta no es la historia de Schindler, ni la de Goeth, sino la de Jennifer Teege, una ciudadana alemana que contaba con 23 años cuando fue al cine en Tel Aviv,...

Violencia del objeto y residuos de una combustión social...

Reciente ganador de la beca Sevilla es talento, que otorga el Ayuntamiento de Sevilla en colaboración con la Fundación Valentín de Madariaga, Manuel Casellas presenta su primera exposición individual en Sevilla en la galería Weber-Lutgen. Una ocasión excepcional para acercarse al trabajo de uno de los creadores andaluces más interesantes y sorprendentes. Manuel Casellas es un tipo muy «sevillano» en la mejor acepción del «adjetivo», desprendido de cualquiera de los tópicos que a menudo nos identifican en esta ciudad (excepto de un beticismo que comparte quien suscribe), pero con la cercanía, desparpajo y accesibilidad que también nos define. No es la primera vez que hablamos de arte en torno a un café, pero aun así resulta extraño tratar de entrevistarlo. Son muchas las cosas en Casellas que se apartan del estereotipo, desde su trabajo, desconcertante en el panorama escultórico sevillano, hasta su primer acercamiento al arte y la educación artística, tardía según cánones, aunque quizás por ello madura desde el comienzo. «Podría acudir al tópico de que mi padre dibujaba mucho, es lo cierto, pero no creo que aquel fuera el origen de nada. Pasé por estudios de todo tipo y siempre me atrajo el dibujo técnico, por el orden, cuidado y limpieza que requiere. Acabé en la facultad de bellas artes de Sevilla, pensando en hacer diseño, pero allí contacte por primera vez con la escultura. Tenía 25 años y las ideas muy claras. Mi acercamiento al arte se produce a través de la materia y mi interés por las formas, siempre he tenido facilidad por el diseño  y quería investigar  desarrollándolo en el espacio, por ello me acerqué muy pronto a la obra de Oteiza y Chillida». Hemos bromeado alguna vez con que su obra no parece provenir de una ciudad en...

TORREMOLINOS: EL ESTILO DEL RELAX Y EL URBANISMO DE LOS 60...

La costa malagueña reserva sorpresas inesperadas entre la confusión de hoteles y edificios de apartamentos. Forman parte de un pasado de glamur al que no debemos renunciar. Iniciamos un primer recorrido por algunos edificios singulares y su historia, porque a la sombra de los grandes monumentos de Andalucía todavía quedan cosas que nos pueden sorprender. Torremolinos se ha convertido en el paradigma del turismo de masas en nuestro país. Un sol y una playa ante cuyo esplendor se consintieron los peores desmanes y se permitió un crecimiento alocado, sin regulación, asimétrico. La construcción de una ciudad de aluvión sin ningún plan rector de calidad abandonada a su suerte, a la ambición de los constructores y los políticos, a cuyo carro se subieron alegremente cuantos pudieron hacerlo. Pero entre la selva de edificios disonantes y de volúmenes contrapuestos en que se ha convertido la franja litoral, se pueden encontrar auténticas joyas arquitectónicas, que pasan desapercibidas a los turistas habituales y que conviene reivindicar; para que los visitantes las conozcan, pero también para que las administraciones públicas sean conscientes de que deben de ser no solo protegidas, sino también promocionadas y puestas en valor. El edificio más excelente que nos queda de la época dorada del turismo internacional en Torremolinos es el Hotel Pez Espada. Fue construido por Manuel Muñoz Monasterio y Juan Jáuregui Briales e inaugurado el 31 de mayo de 1959 como la primera instalación hotelera de cinco estrellas de la Costa del Sol. Por sus salones han pasado las más destacadas personalidades de la aristocracia, la cultura y el cine mundial: los príncipes de Mónaco, Gracia y Rainiero; los duques de Windsor; el rey de la Arabia, Feisal Al-Saud; o la emperatriz Soraya, shabanú de Persia; Rita Hayworth, Ava Gardner, Sofía Loren y su...

Para otras mil generaciones más… Antología poética japonesa, desde el kojiki a nuestros días...

Para otras mil generaciones más… Antología poética japonesa, desde el Kojiki a nuestros días (Amargord, 2013) es un librito delicado, discreto, pero que guarda tesoros de incalculable valor que el lector aficionado a la poesía debería rescatar cuanto antes y llevarlo en el bolsillo de la chaqueta casi a cualquier parte. No es mala idea frecuentar estas raras iluminaciones en los momentos donde la calma se hace necesaria en medio de la vorágine de la vida cotidiana. La poesía japonesa no es desconocida en nuestro país; especialmente el haiku y, algo menos, el tanka son formas apreciadas y practicadas en nuestra lengua. Sin embargo, esta antología preparada por Fernando Cid Lucas ofrece la particularidad de presentarnos un recorrido por la obra de los más destacados representantes de la poesía japonesa, desde los anónimos legendarios del cancionero medieval Koji-ki hasta la poeta Tawara Machi, nacida en Osaka en 1962. No es una recopilación enciclopédica, sino una selección esmerada de unos pocos poemas breves de los más de cuarenta autores representados en el volumen, traducidos y comentados con justeza por diversos estudiosos de la literatura nipona, sin farragosas muestras de erudición que alejarían el poema del lector común. El volumen incluye, además, un prólogo general del editor, Fernando Cid, un breve y brillante ensayito sobre la poética japonesa de uno de sus mejores conocedores, el profesor sevillano Fernando Rodríguez-Izquierdo, y un utilísimo epílogo sobre el haiku de Antonio Ruiz Tinoco. No faltan, junto a las traducciones españolas, tan difíciles de llevar a cabo con buen tino por la enorme distancia entre las concepciones del mundo que reflejan las lenguas japonesa y castellana, los textos originales en japonés. Esto último muy de agradecer, puesto que la caligrafía en Japón, como en China, es un arte en sí...

Mi padre y yo

Mi padre y yo es una extraordinaria autobiografía del escritor inglés J. R Ackerley a quien esto de escribir libros sobre él mismo y sobre miembros de su familia se le ha dado muy bien. Uno siempre se pregunta: ¿qué importancia puede tener lo privado en la literatura?, ¿cómo logra cobrar eso relevancia?, ¿con qué mecanismos se consigue despertar en el lector interés por ámbitos tan privados de gente corriente? Y es que una respuesta podría ser que eso mismo es literatura, siempre y cuando se sepa hacer literatura, y Ackerley sí que sabía. A la literatura se le ha atribuido varios sentidos, y uno muy reiterado arriesga que a través de la literatura se puede comprender algo de las relaciones humanas. Después de todo… ¿por qué sería más viable una historia completamente inventada que una autobiografía, que toma la historia propia? Esto de escribir sobre él mismo y su familia se materializó no solo en esta novela sobre el padre sino en otros dos libros: Mi hermana y yo y Mi perra Tulip. Sobre la existencia de otras obras del autor, el lector se entera, si antes no lo sabía, en la lectura misma de Mi padre y yo donde Ackerley menciona las ya escritas al momento de la redacción de estas memorias en la década del 60 (cuando el autor ya era una persona bastante mayor): The Prisoners of War, una obra de teatro, y Vacación hindú, las memorias de su viaje y experiencia personal en la India, donde trabajó para un maharajá. Mi padre y yo es una autobiografía que intenta todo el tiempo no salirse del tema, es decir, no olvidar que está siendo escrita para hablar de él mismo siempre que sea en relación a su padre y para...

DE DONDE SON LOS CANTANTES...

La brillantez con la que el español se asentó en América –el idioma, el hombre y su religión, el pulso de su sangre- alcanza en Cuba el clímax de una extravagancia magistral. Alejo Carpentier, Lezama Lima y Severo Sarduy son el ejemplo -que no la excepción- de la desmesura, de la inteligencia, de la cultura desbordante y la agilidad verbal. Dejando aparte sus grandes obras, sus experimentos son asombrosos. Este es uno de ellos. Debemos de contemplarlo dentro del contexto de renovación de la literatura latinoamericana de los años sesenta del pasado siglo. Nos interesa hoy. Severo Sarduy comienza con la vista puesta en el barroco hispánico, con un tono valleinclanesco, utiliza expresiones provocadoras y un vocabulario abrumador. Lo suyo es una travesura culterana. Una caricatura tropical donde se esconden los engranajes ocultos del cubanismo. De donde son los cantantes son casi tres autos sacramentales, espacios para lo grotesco y la transgresión, una crítica social y una mirada torcida sobre los aluviones que se incorporan al mestizaje de la isla, enriqueciéndola con sus herencias china y africana. Parecen redactados con afán moralizante, y anclados en la farsa de la religión. El último relato, La entrada de Cristo en La Habana es rítmico y sugerente, definitivamente pre-ocañesco. La narración soberbia del sentido de los pasos procesionales, comprendida y relatada con una audacia y una clarividencia no exentas de maldad. Las tres historias convergen en personajes con nombres comunes y el propio escritor los presenta en un prólogo breve en el que da algunas claves para comprender textos atmosféricos pero oscuros, crípticos en la construcción de una imagen literaria metafórica y brillante. Calificación: Muy interesante. Tipo de lector: Interesados en la literatura latinoamericana y experimental. Tipo de lectura: Intensa. Argumento: Oculto. Personajes: Extravagantes. ¿Dónde puede leerse?:...

Circo máximo

Segunda parte de la trilogía de Trajano, que sigue a la de Escipión, cuya primera parte fue Los asesinos del emperador. Espera la edición de un tercer ciclo, se trata de una novela de aventuras situada entre el péplum de acción y la intriga, en el territorio aún romano de la Dacia (hoy Rumanía), si bien aparecen no sólo soldados oriundos de estas tierras, sino también roxolanos (del sur) y sármatas (del norte). La novela se vertebra, de inicio, en dos acontecimientos, uno de los cuales encumbró a Trajano y fue la construcción por parte de Apolodoro de Damasco de un monumental puente (del que aún hoy se conservan restos) que uniera los países situados al borde del Danubio. El otro acontecimiento que le llevó a su ruina, personal y estratégica, fueron los juicios por los que se acusó a la sacerdotisa o vestal romana Menenia, que tuvo un romance con Céler (el más rápido de los aurigas que corrían cual hipódromo en el circo máximo romano), de crimen incesti, un pecado que aquí pretende justificarse como horripilante, cuando sabemos que Robert Graves pintó bastantes peores elementos en menos cantidad de papel. A Menenia la defenderá Plinio. Otros personajes secundarios de interés son el comediante Plutarco, a quién se le hace algún guiño especial, o el auriga contrincante de Céler, Acúleo. Las carreras de cuadrigas se nos muestran tanto al principio como al final con descripciones detalladísimas, lo que hace que trascienda el motivo deportivo o lúdico para mostrar en ellas una metáfora de supervivencia, y ahí quizás esté el mayor valor del libro, que para un lector neófito en estas lides (es impresionante observar la legión de fans que tiene Posteguillo) quizás sepa a poco. A su favor, también debemos decir que la...

La conjura de la feminidad Feb25

La conjura de la feminidad...

Rodeada de Sátiros y Diablos se ve la ninfa; en las gratas mentes de los que saben andar entre el bien y el mal, siempre con una sonrisa, la ninfa disfruta del paisaje y el camino, de la charla y el conocimiento de unas mentes tan hermosas… su compañía es adictiva, tanto que no caerá en la cuenta que ella misma se convierte en diablo poco a poco en el transcurso del camino entre Sátiro y Diablo… azules, verdes, marrones o grises… se dibujan los caminos de Dafne… (Lola Montiel) ¿Por qué veintiún siglos después, la mujer “des- ninfa –da” sigue sin desacreditar el mito de Dafne y Apolo? Ariadna Pedemonte, Rosacruz Trigo y Lola Montiel se disponen a hacerlo con pistoletazos de arte desde el Espacio SUBLIMA, Asociación cultural, estudio y galería, que han conseguido fundar sin intercesiones. El malentendido comenzó con Ovidio, cuando en el libro I de su Metamorfosis nos describió el papel de una fémina, hija de Gea (madre tierra) y de su puñetero padre, Peneo (dios de los ríos) como prole de los dioses; sujeta a los designios de la naturaleza; y, simple objeto de deseo de los hombres. Tanto es así, que Dafne es perseguida por Febo (Apolo), porque Eros (Cupido) le había lanzado a él una flecha, que causaba amor, y a ella otra, que lo ahuyentaba del mismo. La ninfa le suplica a su padre que cambie su figura y éste va y le convierte hasta la eternidad, en árbol de laurel, al que Apolo promete adorar y hacer uso de sus brotes verdes, para condecorar las cabezas de los hombres honorables. Desde entonces, la imagen de la mujer perseguida y paralizada por la masculinidad se convirtió en una especie de conjura de necios que, en 2014,...

Aladar Deportivo Mes de Febrero...

Aladar 41

La muerte vista desde el amor Feb17

La muerte vista desde el amor...

Algunas de las obras que Wilder presentó a partir de 1960 se han considerado menores y una muestra de la decadencia del realizador. Una de ellas en Avanti! (título traducido en España como ¿Qué pasó entre mi padre y mi madre? sin que sepamos si el autor de semejante desastre fuera detenido inmediatamente). Sin embargo, Avanti! resulta una comedia deliciosa en la que Wilder descarga toda su sabiduría como cineasta. El amor es eso que puede cambiar la vida de cualquiera; es eso que no puede controlarse por más intentos que uno pueda hacer; eso que nos arrastra y debemos recibir sin hacer grandes ejercicios de resistencia porque es la mayor de las fuerzas con las que se enfrenta un ser humano. Si en lugar de amor escribimos la palabra muerte, estas afirmaciones funcionan del mismo modo. Este es el mensaje que envía Billy Wilder con su película Avanti! (1968). Un trabajo preciosista, lleno de romanticismo, que se calificó como menor en la filmografía de Wilder y fue recibido por la crítica con indiferencia. Sin embargo, encierra buen cine, la acidez en estado puro del director y aspectos narrativos que son magníficos. Wilder enfrenta dos mundos. Europa y Estados Unidos. Enfrenta dos formas de entender el amor y, por tanto, la vida. Y la muerte. Enfrenta dos universos con todas las armas que tiene a su alcance. Contrapone en la partitura las melodías más sensuales con tintes italianos (destaca el tema Senza Fine de Gino Paroli) con la música más rosada utilizada en Hollywood; contrapone a un personaje frío, rígido, puritano, hermético (Wendell Armbruster encarnado por Jack Lemmon) con otro que intenta disfrutar de la vida, que maneja sus sentimientos más profundos y sinceros, que intenta escapar del yugo de lo material (Pamela Piggot...

Antonio Bartrina: Hacer tango desde lo castizo...

El tango no es el tipo de música que se escucha habitualmente en España. Sin embargo, Antonio Bartrina decidió, siendo un niño, que eso era lo suyo. Fundo el grupo Malevaje hace treinta y un años. A pesar de los recortes, del maltrato al que se está sometiendo al mundo de la cultura, del dichoso IVA y a la falta de programación, Malevaje sigue adelante. Antonio nos recibe en su domicilio. El día es especialmente desapacible. Llueve a ratos, hace frío sin pausa alguna. La casa de Antonio se convierte en un refugio de lujo. Cruasanes en la mesa que ha traído Carlota Montemayor. Café caliente que ha preparado Antonio Bartrina. Yo no puedo presumir de haber aportado nada de nada. Desayuno, una charla exquisita y buena música a ratos. Como la lluvia, pero esta vez para convertir el tiempo en algo entrañable y cómodo. Antonio Bartrina fundó el grupo Malevaje hace 31 años, en ese tiempo que se llamó movida madrileña. Sirve el café con el desparpajo propio de alguien acostumbrado a tratar con otros, como solo lo puede hacer alguien nacido en el barrio madrileño de Carabanchel Alto. La movida. “La idea era convertir España en un país razonable. Conseguimos que fuera más libre, pero no más razonable. Los que siempre se dedican a acabar con las libertades no se enteraban bien de qué iba la cosa y se hicieron cosas muy interesantes. Pero aprendieron entonces y ya no olvidaron cómo contrarrestar cualquier actividad que les desagradase. El poderoso está acostumbrado al palo y a la pistola. Los demás también, pero recibiendo. Entonces, en aquel momento, nadie sabía cómo afrontar una situación como la que se vivía. Aunque la cultura fue muy importante. Pero, claro, los políticos han decidido (desde que lo...

Spokon, la superación mediante el deporte Feb17

Spokon, la superación mediante el deporte...

La variedad y la interconexión de los géneros manga solo se puede comparar con las que existen en el cine, pero los dibujos presentan además la excepcionalidad de dirigirse sin complejos a las grandes minorías; eso los enriquece y da mucha libertad a los creadores. El bajo coste de los tebeos, con ediciones sencillas y baratas, así como las tiras intercaladas en revistas de entretenimiento son bazas estratégicas en la promoción y la evolución del manga en su país de origen. Como todas las sociedades evolucionadas, los japoneses son muy aficionados a los deportes. Además de competiciones clásicas como el sumo, el kyudo, el kendo y otras artes marciales, el beisbol goza de gran popularidad -tras ser introducido por los americanos durante la Restauración Meiji- lo mismo que el fútbol o el automovilismo. El país ha organizado destacados juegos de invierno y la capital está planeando su segunda olimpiada. Es el marco ideal para que el manga deportivo -conocido como spokon– florezca, y sea un sector fácilmente exportable a otras culturas con las que comparte intereses similares. Estos comics deben entenderse siempre en una trama de superación personal, están protagonizados por jóvenes e intercalados de romances. Su ambientación en los medios urbanos más humildes, donde los logros se consiguen a través de la voluntad y el sacrificio, los arraigan entre las clases trabajadoras que se sienten cercanas a sus peripecias. Se da la curiosidad de que los avatares de algunos deportistas han aparecido dibujados en la ficción. Es curioso y muy gratificante que los editores españoles estén licenciando gran variedad de disciplinas para intentar llegar a un amplio público, tanto masculino como femenino. Es de ley destacar en primer lugar Real, de Takehiko Inoue, editado por Ivrea, entre cuyos roles están dos jóvenes discapacitados que...

Aladar 40

La continuidad de un pop con orden bien visible Feb10

La continuidad de un pop con orden bien visible...

Eladio y los Seres Queridos es un grupo gallego que a finales del año pasado presentó nuevo disco, después de la dilatada gira que los llevó por toda España con su Están Ustedes Unidos (2011). Ahora, los escenarios acogen su Orden invisible (2014) La apuesta por la continuidad en su estilo de pop maduro y amable es lo que se refleja en el último trabajo de estudio de Eladio y los Seres Queridos. Doce canciones con una cuidada presentación y el homenaje a un par de clásicos muy dispares Hay muchas maneras de sujetarse al pop y convertirlo en una vía de expresión musical convincente. Más si nos centramos en la miscelánea de subgéneros existentes en la actualidad, donde al pop le ha brotado una gran rama denominada indie. Lo que Eladio y los Seres Queridos hace es arrullar al género en sus brazos y sacarle una cálida y amplia sonrisa. Al contrario de los grupos que buscan ritmos frenéticos, con melodías resbaladizas y que parecen suspirar por una vida rápida y efímera, esta banda gallega no tiene en mente ganarle ninguna carrera al metrónomo. Lo que hace, lo hace con el pulso y la serenidad propios de una actitud tan amable como sólida. Eladio y los Seres Queridos está compuesto por Eladio Santos (voz, guitarra y compositor), Oscar Durán (bajo), Marcos Vázquez (piano y teclados) y David Outumuro (batería). Aunque su discografía comienza con Esto que tienes delante, en 2007, el auge de este grupo vino de la mano de su siguiente trabajo, Están ustedes unidos, publicado en 2011. La gira que por entonces llevó a cabo la banda no está al alcance de muchos artistas, con más de cincuenta ciudades visitadas y conquistadas con ese pop amable que reaparece en Orden invisible....

MARÍA JOSÉ CUMBRERAS, ALMA Y ESPÍRITU DE MARRAQUECH Feb10

MARÍA JOSÉ CUMBRERAS, ALMA Y ESPÍRITU DE MARRAQUECH...

Imagen: Panorámica de Djema-el-Fna Es un dédalo de calles donde la trama urbana se esconde en retazos de pasado y atisbos del futuro: vendedores, patios, jardines, sonrisas, carros, celosías, motoristas, montones de basura, teléfonos móviles, gatos y naranjas. Para los bereberes es “La tierra de dios”, allí se encuentra el norte con el sur, el desierto y los vergeles, las montañas con la llanura; la miseria, con una opulencia milyunochesca. Una pintora andaluza es parte y señal en la encrucijada. En su atelier de la medina, María José Cumbreras está terminando una pareja de lienzos encargados para decorar el riad de unos potentados suizos, son dos vistas diferentes del alminar de la Kutubía desde los jardines del Consulado de Francia. Los pinta aislada en su terraza del barrio de Ben Salah. Cuando llegó a la ciudad y se enamoró, hace catorce años, buscó ávidamente la vida de las calles y los pasajes de la kasbah para retratar trozos de vida. Luego, con el devenir del tiempo, sus composiciones se han ido haciendo más distantes, más espirituales, tomadas desde el apartamiento. Efectivamente, en estos años la pintora onubense ha ido penetrando en el alma intangible de Marraquech, profundizando en los motivos por los que esa escenografía, engañosamente inmutable, ha sido capaz de dar a la luz la intensidad de su paisaje urbano. Investigando en los orígenes después de hacerlo en sus consecuencias. De la primera época quedan fragmentos de un realismo social que la acercan a Claudio Bravo como el tríptico Los chicos de Merzuga, unos adolescentes con sus bicicletas entrevistos ante el vacío del desierto; o Las Puertas de la Vida, una composición muy personal, una fantasmagoría de personajes que acompañan una maternidad. Entre sus últimos trabajos, las panorámicas de Marraquech son espectaculares, se apoyan...

El día del Watusi

Desaparecido en 2008, la obra del escritor barcelonés Francisco Casavella es todo un enigma. Él mismo en el capítulo de agradecimientos, nos da fe de la empresa  loca y a la vez peregrina, de lo que supuso llevar al papel sus casi 1200 páginas en torno a la imagen o idea de un asesino que es sólo un divertimento, tan identificable con el protagónico Fernando Atienza, como con tantos y tantos prohombres que recorren su arco temporal (1971-1995). De aquellos polvos, vienen estos lodos. Dividida en tres novelas que llegaron a editarse independientemente, todo empieza con Los juegos feroces por acometer desde una dislocación un informe que le encarga a Atienza una multinacional que actúa en nombre del Bien sobre José Federico Neyra; en el proceso, sólo hay intermediarios que discuten, corruptos que juegan a ser inocentes (en este sentido el talento de Casavella es profético), jugadores de una nada imposible dado el contexto asfixiante de la Transición, vendedores de humo. Es ya en esta pate de la novela donde descubrimos los afanes prostibularios del protagonista. Por otro lado, Viento y joyas, empieza implicando en el centro de las pesquisas al propio detective y es que Atienza ya no quiere ser como ese Watusi que va en moto como el Pijoaparte de Marsé y a la vez se eleva como criatura misteriosa. Fernando aprende a leer críticamente y desde el confort a Sun-Tzu y Maquiavelo, dado que sus rivales citan sus frases (las de El príncipe o El arte de la guerra) como si fuesen pà amb tomaca que llega ligerito y con buen vino al estómago. Al mismo tiempo, aparece Elsa, probablemente la mujer a la que más quiere y gracias a la que conquista a otras féminas. En último lugar, El idioma...

Historias de mujeres

Ante un libro como este, compuesto por la recopilación ampliada de unas biografías de mujeres que la autora escribió para el diario El País, uno no puede más que descubrirse ante Rosa Montero y darle las gracias. Gracias por su prosa precisa e incisiva que nos transmite todos los matices de la atracción que le hizo volverse hacia esas mujeres escondidas. Gracias por rescatar para nosotros historias emocionantes, terribles, por retratar el alma humana en su más profunda dimensión y por presentárnosla como una prueba de sangre. Gracias por su exactitud y su sinceridad en los retratos. Será muy difícil que quien se acerque a estas biografías no descubra algo que no conocía y que no quede profundamente perturbado por una u otra de las historias. Mujeres atrapadas en su mayor parte en un mundo de hombres, congeladas en la historia como ejemplares de entomólogo que se merecen una reivindicación. Monstruos. Infiernos particulares en dieciséis retratos vivos en el tiempo: Camille Claudel, María Lejárraga, Zenobia Camprubí, Alma Mahler, Simone de Beauvoir, Laura Riding… Rosa Montero nos hace el favor de abrirnos la puerta a una bibliografía inagotable, una elevación privilegiada desde la que entender el mundo. Lo oculto. A Esos hombres mezquinos y egoístas que está detrás de cada gran mujer. Gracias. Calificación: Espléndido Tipo de lector: Cualquiera Tipo de lectura: Amena Argumentos: Bien elaborado. Fluido Personajes: Impactantes ¿Dónde puede leerse?: En cualquier...

El Primer Hombre

El Primer Hombre es una novela de carácter biográfico que Albert Camus dejó sin finalizar aunque lo suficientemente desarrollada y compuesta para que esta fragmentación no incomode la lectura. Es más, aquellas personas con inquietud por la literatura, sus mecanismos, hallarán aquí un valioso testimonio de cómo se trabaja un texto largo. La historia es hermosa y desgarradora, habla de la crueldad de la miseria, la que sufrió de niño en su Argelia natal, pero también de la inocencia de la niñez. Es una búsqueda de un padre muerto que es el origen, el primer hombre, como también lo fueron los precursores que abandonaron Francia para colonizar una tierra hostil e ingrata. La novela es imprescindible para entender el terrible desastre nacional que supuso la presencia francesa en el norte de África. También inmigrantes españoles dejaron allí su sangre huyendo de la pobreza. La incomunicación con la madre que está presente en toda la obra y el pensamiento del escritor se retrata perfectamente. Como es lógico la novela tiene numerosas notas y acotaciones a pié de página y viene editada con dos cartas y notas sueltas sobre la composición y el desarrollo de la novela. Nada se puede decir de Albert Camus más que escribió obras de teatro y tres novelas que marcan profundamente el pensamiento del siglo XX y que por el conjunto de esta obra recibió en 1957 el premio Nobel de Literatura. Moriría prematuramente dos años después. Calificación: Buena Tipo de lector: Cualquiera Tipo de lectura: Sencilla Argumento: Fácil de seguir. Personajes: Bien dibujados. ¿Dónde puede leerse?: En cualquier...

Se está haciendo cada vez más tarde...

Se está haciendo cada vez más tarde es desde el título un libro sobre el tiempo. No es una novela, porque no tiene unidad alguna aunque sí elementos que se repiten y sobre todo un leitmotiv. Tampoco es un libro de relatos. Responde al género epistolar. Son dieciocho cartas y una decimonovena que a diferencia de las anteriores está escrita por un personaje femenino, y que es la carta dentro de una carta (dentro de la última, que además se distingue porque es la que lleva el título que da nombre al libro). Sobre esta pequeña carta dentro de la última carta, o carta número diecinueve, el propio autor comenta al final del libro, en una especie de epílogo o postfacio (que no en vano se titula «Post-Scriptum»), que la sustrajo de una novela que aún no ha escrito. El leitmotiv es ese hombre nostálgico, al que ya le han pasado los años, que le escribe a una mujer que perdió (en cada carta esa pérdida puede darse por razones diferentes, como huida, suicidio, ruptura, muerte…) porque a pesar de los años y de estar en el mundo triste y derrotado, se encuentra acabado pero ágil, viejo pero memorioso, callado pero escribiendo, por esa y a esa mujer ausente. Los elementos que se repiten son los paisajes mediterráneos, las descripciones que refieren a lo gastronómico, las ventanas, el champagne y el vino, la música, la poesía, los versos, la canción popular. Es un libro repleto de alusiones literarias y de un lenguaje extremadamente lírico. Se ha dicho de este libro que es pretencioso y puede que lo sea o lo parezca, tal vez y sobre todo por una cosa: porque permanentemente nos queda la sensación de que el narrador de cada carta quiere decir...

La lección de anatomía...

Fotografía de Miguel Lizana Escrita por primera vez en 2008 y reeditada recientemente bajo el sello de Anagrama, su proverbial modo de entender el lenguaje a través del que nos escribe o habla al oído, esta escritora madrileña deja aquí un poso reconocido por el mismo Rafael Chirbes en su prólogo. No me gustaría hablar de exhibicionismo, si bien pudiera existir; lo que está claro es que al prologuista y a la protagonista les fascina el doctor Nicolaes Tulp, que aparece en un cuadro de Rembrandt, que como el peculiar paseo que, fruto de sus esfuerzos, se da la protagonista por la Gare d’Orsay parisina, pretende obviar el impresionismo en literatura, a pesar de que le fascine en pintura. Relato poco dado a ofrecer soluciones sobre la femineidad, en él encontramos múltiples personajes que, sobre todo, en las dos primeras partes definen entre un Madrid al que la memoria traiciona adrede y un Benidorm producto de la Transición, un fresco entre amargo y poderoso, vengativo con las habituales y sanas obsesiones, pecaminoso, contradictorio (también adrede) y que juega tanto a mostrarse como a esconderse de su propia voz. Dividida en tres partes, la novela es familiar y de rebeldía en Vallar el jardín, elaboradamente torcida en Los gusanos de seda, para soltar predicado y predicamento en Desnudo. De la primera parte, editada como libro aparte para el sello Playa de Ákaba en su colección Nómadas, todavía el personaje amortigua pocos golpes, si bien hay una imagen que ha sugerido al que escribe momentos de pesadilla, y es el del benzetazil; aquel remedio inyectable que hizo adquirir sino fuerza, sí carácter al menos a ciertas generaciones; a mitad de camino y con una madre cuidadora de enfermos y un padre sociólogo; dan a parar con...

Aladar 39

22 veces 100% Feb03

22 veces 100%

Imagen: Salomé del Campo.Durmiente y escaparate.2010-11 El Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla acoge, hasta el 5 de marzo, “Múltiplo de 100”, una exposición que cuenta con obras de Salomé del Campo, Victoria Gil y Pepa Rubio bajo el comisariado de Mar Villaespesa. Múltiplo de 100 es una revisión de 100%, un proyecto encargado por la Consejería de Cultura en 1993 con objeto de promocionar el trabajo de las artistas andaluzas en el marco del Día de la Mujer Trabajadora. De aquella iniciativa primigenia han salidos dos revisiones: Múltiplo de 100. Archivo feminismos post-identitarios, basado en la evolución del discurso feminista en las últimas décadas y la muestra que alberga el CICUS, centrada en obras de tres artistas que participaron hace más de veinte años en aquella exposición. La primera planta del antiguo convento contiene una generosa selección de obras, así como material de documentación para las mismas, bocetos y pruebas. Se agradece poder complementar los resultados finales con los procesos de creación, siendo de esta forma posible ver la transformación del modelo original en obra y enlazar con el trabajo en el taller, o de campo, de las artistas. Salomé del Campo parte de un realismo casi atemporal. Mediante el uso de tonos terrosos nos evoca una dignificación del trabajo que recuerda a aquellas esculturas de Meunier. El tríptico Telón alberga una segunda lectura sobre la asunción de roles o el uso del recurso del trampantojo como elemento que construye la realidad dominante. Obras como Jugando a la guerra o Durmiente y escaparate generan un acertado contraste entre la calma representada y lo que supone contemplar el fondo de la cuestión desde su evocación social o histórica. Los elementos preparativos para el mural La Nave, en una clave casi escenográfica,...

Audra McDonald: La voz improbable Feb03

Audra McDonald: La voz improbable...

Fotografías de Javier del Real En el Teatro Real de Madrid arrancan las Sesiones golfas, un programa dedicado a la música de cabaret y de grandes musicales. Y no comienzan con cualquier artista. La actriz y cantante Audra McDonald ha sido la primera invitada. El concierto no ha podido ser más fascinante y los fans de esta mujer lo recordarán durante mucho tiempo. Último día del mes de enero. El frío está instalado en Madrid. En el centro de la ciudad, miles de personas van y vienen. Con sus bufandas, sus gorros de lana, con los abrigos bien abrochados. Caen algunas gotas. Heladas, también. Y sólo unos pocos de los que caminan por las calles de la ciudad van a tener el privilegio de asistir al concierto de Audra McDonald. Primero y único de la artista en España. Al llegar al Teatro Real, en el hall de entrada se escucha ese run run tan característico que anuncia que algo grande va a suceder sobre el escenario. Los seguidores de Audra McDonald van ocupando sus localidades, comentan la gran fortuna que supone asistir al concierto. Los que no conocen a la cantante, pero han acudido a la cita por alguna recomendación recibida, esperan pacientemente para descubrir si eso que les han dicho es cierto o una exageración. Los instrumentos, sobre el escenario, esperan perfectamente colocados, reflejando las luces de los focos. Inexplicablemente, hay localidades que van a quedar vacías. No son muchas aunque alguno de los palcos queda huérfano y el paraíso no termina de llenarse. En cualquier caso, a las ocho de la tarde todo está listo. La señora McDonald aparece en el escenario. Espléndida, radiante, luciendo un vestido precioso. No tengo más remedio que decir que es una mujer terriblemente atractiva. Junto a...

Salvación del mundo. La era de los grandes robots Feb03

Salvación del mundo. La era de los grandes robots...

Aunque la mayor parte del universo robótico se ha desarrollado y expandido en las series de dibujos animados y el merchandising, el libro -impreso o digital- continúa formando el alma del género. Androides y animales robóticos forman ya parte del paisaje urbano de Japón, los grandes ingenios de la ficción se erigen como estatuas monumentales en las ciudades, transformando la fantasía en realidad. Japón es pionero en el mundo en la fabricación y el consumo de robots. Esta tendencia viene de una antigua tradición de construcción de autómatas –karakuri– pero también de la influencia de las filosofías panteístas en las religiones orientales, para las que dios es un todo que muta y se transforma. El aislamiento, el desarrollo de una sociedad tecnológica, los estrictos códigos de comportamiento y la limitación de la mano de obra en una sociedad envejecida, extienden la empatía de los nipones con las máquinas, cuya repercusión es singular en el manga. Desde nuestra situación en Occidente, algunos aspectos de Astroboy, una de las sagas precursoras, nos resultan durísimos e inconcebibles; es la historia del muchachito Atomu, construido por el doctor Tenma para sustituir a su hijo muerto, y de cómo se enfrenta a los científicos malvados que intentan apoderarse de él; fue creada por el autor Osamu Tezuka -conocido como el dios del manga– en los años 60. La interacción de los hombres con las máquinas, la elaboración de una ética para los seres artificiales y la hipótesis de un aprendizaje según patrones humanos para los androides, se prolongan en una secuela destacada, Pluto, concebido por Takashi Nagasaki con la supervisión del hijo del propio Tezuka. En Pluto los seres artificiales han adquirido derechos y se ciernen como una amenaza sobre los humanos a lo largo de una compleja trama de...