Pablo Martín Caminero y (de espaldas) Borja Barrueta. / © El vira Megías

El invierno tardío que ha echado el ancla en Madrid nos ha dejado un momento lleno de magia a todos los aficionados al jazz. El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), encuadrado en el programa ‘Jazz en el Auditorio’, tenía programado el concierto del quinteto liderado por el contrabajista Pablo Martín Caminero -‘51’ tiene por nombre-, un encargo del propio CNDM que ha resultado ser un verdadero regalo para el oído.

Apareció Pablo Martín Caminero, líder de la banda, acompañado por el baterista Borja Barrueta que se colocaba junto al txalaparta, un antiguo instrumento de percusión vasco, para encarar los primeros compases de una pieza excelente, ‘O gloriosa domina’ de San Venancio Fortunato, a la que se iban sumando el resto de músicos, esto es, Pablo Martínez (trombón), Álex Conde (piano) y Daniel Juarez (saxo tenor), sobre las tablas de la sala de cámara del Auditorio Nacional de Madrid. Desde la primeras notas, el aroma a buena música se fue posando en cada rincón de la platea. A partir de ese punto, un ‘abandolao’ sin nombre que Pablo Martín Caminero bautizaba sobre la marcha como ‘Perfume de abandolao’ y en el que Alex Conde aflamencaba el sonido de su piano en cuanto podía; un tema dedicado a Moisés Sánchez en el que el reto que proponía el contrabajista era sentir los quince compases de 4x4 en el momento en el que sonaran (este fue el tema de mayor intensidad musical); una sonata dedicada a la hija del compositor (Martín Caminero) que no era una sonata, dividida en dos movimientos, un primero tan precioso como delicado y un segundo en el que se daba paso a la libre improvisación y a una carga expresiva descomunal; otro tema dedicado, esta vez a Paco de Lucía -‘¡Gracias, Paco!-; además, el tema que da título a este nuevo repertorio, ‘51’ y, por último, ,la propina titulada ‘Propina’; una catarata de buena música.

Caminero Quinteto. / © Elvira Megías

Los cinco músicos dejaron claro que su calidad es extraordinaria. Si todo lo que se puede decir de ellos es de bueno en adelante, es importante destacar que el saxofonista, Daniel Juarez, tiene un futuro por delante más que prometedor, ya es un buen solista y la proyección es estupenda; Barrueta se deja el alma en cada tema y no para de buscar, elegir y explotar al máximo, los recursos que tiene a mano; Pablo Martínez es capaz de colocar cada nota de forma casi quirúrgica, en el lugar exacto, aportando un swing imponente al conjunto; el pianista Alex Conde es un excelente compañero de viaje, un cheque en blanco al que se le pueden sumar muchos ceros porque lee la música desde una perspectiva especial y muy personal que encaja con el resto de músicos; y el contrabajista ya es un músico mayor que, por si era poco, despliega una vis cómica en su discurso muy divertida durante sus conciertos.

Esta nuevo repertorio de Caminero Quinteto gusta, es un proyecto que lleva el flamenco enroscado en el pentagrama, que prioriza el diálogo entre los distintos instrumentos y que permite a Vanesa solista expresar desde lo más hondo de su forma de entender la música jazz. Como debe ser.

G. Ramírez

Fotografía de Sebas Muriel

Carolina Durante no es una grandísima banda por la música que hace; Carolina durante es una maravillosa y excepcional banda por lo que consigue con la música que hace. El pasado 28 de febrero, en el Movistar Arena de Madrid (creo que ahora se llama así), se vivió uno de los momentos con más magia de los últimos años alrededor de la música. El público, convertido en parte fundamental del concierto, estuvo fantástico y se movió al son que marcaban desde el escenario: del salto y un baile enloquecido a la emoción apasionada o al grito fanático de miles de personas que abarrotaban un recinto que no todo el mundo puede llenar.

Carolina Durante ha evolucionado de forma drástica. De hecho, la diferencia entre los temas más viejos que sonaron y los del último trabajo son enormes. Ahora, estos jóvenes hacen una música más honda, más compacta, más anclada a una calidad que ya han convertido en marca de la casa los componentes del grupo. Si bien es cierto que el guitarreo es constante y sirve de hilo conductor, que el descontrol se impone en algunos momentos de cada tema y que falta camino por recorrer, el resultado final es robusto, contundente y, lo mejor de todo, emocionante. Y es que las quince mil personas que escuchaban a Carolina Durante estaban celebrando las miserias, que la vida puede ser una auténtica mierda, que el amor es un suplicio y que la sociedad actual no pone nada fácil el futuro a los jóvenes; aunque, sobre todo, que la amistad está por encima de todo eso, que la música es el motor insustituible para una generación que se siente perdida, que las madres están detrás de todo esperando para echar un cable. Sí, Carolina Durante baja a las bodegas llenas de miseria y arrastra a todos sus seguidores que saben percibir el desastre aunque lo bailan, lo cantan y lo lloran.

El concierto comenzó con dudas en el escenario (convertido en una oficina impersonal, cutre y despojada de toda belleza). Nervios a flor de piel. Pero todo fue a mejor, con un líder, el vocalista Diego Ibáñez, que no escatimó esfuerzos. Hasta que la mesa de monitores ‘murió’ y hubo que parar quince minutos. Eso sí, valió la pena esperar. De regreso, los mejores temas y el disparate absoluto en la pista. Los ‘pogos’ se multiplicaron convirtiendo el espacio en un lugar vivo, eléctrico, fascinante. La masa humana se abría en diferentes puntos para formar círculos que, llegado un compás concreto, se cerraban formando una pequeña marea humana que se movía nerviosa. Desde la parte alta de la grada, el espectáculo era brutal.

Fotografía de Ainhoa Laucirica

La edad media de los asistentes debía estar en los veinticinco o treinta años. El que escribe era, casi seguro, el único con más de sesenta años cumplidos. Pero no faltaban hombres y mujeres de todas las edades dispuestos a celebrar las losas que nos aplastan. Porque, es verdad, la vida es lo que quieres que sea y si tienes que romantizar la mugre, se hace y punto. Tras el aspecto áspero, ternura y fascinación. Tras la mirada perdida, ganas de vivir y salir adelante.

Voy a confesar algo. Escuchando ‘Hamburguesas’, una de las mejores canciones que se han compuesto en los últimos diez años, me emocioné absolutamente. Y es que hay que luchar por salir de los agujeros para encontrarse con esas hamburguesas que tanto nos gustan, con el fútbol que tanto nos arrastra y con las madres que tanto nos ayudan. Y a Sísifo que le den.

Carolina Durante ha dejado de ser una banda de sala pequeñita, ha dejado de ser una banda a la que solo conocen unos cuantos jóvenes. Carolina Durante se ha convertido en la referencia musical de una generación que necesitaba salidas, respuestas y saber que la belleza puede salvarnos la vida.

Locura de concierto. 

G. Ramírez

‘Patagonia’ es una ópera de cámara en dos actos. La partitura la firma Sebastián Errázuriz y el libreto Rodrigo Ossandón. Y es una de las sorpresas de la temporada para el que escribe. Se trata de una obra robusta, deliciosa al oído, con cierta consistencia narrativa debido a un texto que escapa de lo superficial y el apoyo de esa partitura que envuelve todo casi con mimo. ‘Patagonia’ se estrenó en el Teatro del Lago de Chile el año 2022 y el Nacional Cervantes de Buenos Aires en 2023. Ahora, se ha estrenado en el Teatro de la Zarzuela los días 21, 22 y 23 de febrero y es una pena que la platea no estuviera abarrotada.

El propio Sebastián Errázuriz ha sido el director musical en cada una de las tres funciones. El día del estreno, delicado, siempre acompañando a los cantantes, haciendo presentes todos los matices que encierra la partitura. Los solistas de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (que es la titular del Teatro de la Zarzuela) ponían todo de su parte para que la música fuera la gran triunfadora de la representación. Francamente bien Errázuriz.

Durante los setenta minutos de función, el público viaja hasta la Bahía de San Julián en la Patagonia, hasta el año 1520, para conocer a los habitantes de aquellas tierras que terminaron siendo conocidos como patagones por su gran altura. Magallanes, Juan de Cartagena, Antonio Pigafetta, Xorenken o Golenkon, serán algunos de los personajes que acompañen en la aventura que vive la platea. Dos mundos se encuentran y, por supuesto, colisionan (si el ser humano está involucrado siempre se colisiona), lo ancestral frente a una modernidad despegada de la realidad, el amor frente a la falta de sentimientos. Interesante desde el principio.

Evelyn Ramírez (mezzosoprano) dejó patente que arrastra un importante problema de dicción y eso desmereció su trabajo. Encarnaba a Golenkon y no terminó de convencer. Sin embargo, Marcela González  (soprano) defendió con mayor solvencia su papel como Xorenken. Bien en las zonas más altas, controlando siempre los momentos más exigentes y muy bien en los tránsitos. Nicolás Fontecilla tampoco mostró la mejor de las dicciones aunque, en general, salvó su participación sin grandes problemas (es tenor y encarnó a Antonio Pigafetta); y Sergio Gallardo (bajo barítono) interpretando el papel de Juan de Cartagena está correcto, sin más.

‘Patagonia’ es una buena obra que si contase con voces de primer nivel podría alzarse sobre cualquier escenario del mundo.

La puesta en escena de Marcelo Lombardero es limpia y casi quirúrgica. Aprovecha los telones del escenario con enorme eficacia y los movimientos de personajes o material sobre el escenario siempre está ordenado y ayuda a seguir la trama. Sencilla, atractiva y minimalista. Otro de los grandes aciertos de la producción.

Dicho todo esto, es posible que esta sea una ópera que se quede corta para los aficionados más experimentados o para una crítica que solo comprenda la grandeza como ingrediente único e insalvable en las óperas. Se entiende bien, se escucha bien y aporta un intento reflexivo que no se puede menospreciar. ¿Es esto algo que convierta una obra en mediocre?

A pesar de las pequeñas sombras que las voces dejaron de iluminar, la producción es estupenda y debería programarse más en los teatros españoles. Una apuesta segura del Teatro de la Zarzuela que ha vuelto a acertar.

Música de Sebastián Errázuriz. Libreto de Rodrigo Ossandón. Reparto: Evely Ramírez, Marcela González, Nicolás Fontecilla, Sergio Gallardo, María Paz Grandjean, Francisco Arrázola, Manuel Páez. Orquesta de la Comunidad de Madrid. Dirección de escena y dramaturgia de Marcelo Lombardero. Dirección musical de Sebastián Errázuriz. Lugar Teatro de la Zarzuela Fecha 21 de febrero.

G. Ramírez

Alfredo Rodríguez Trío. / © Rafa Martín

Me gusta pensar que las notas musicales que nos llegan a diario; a veces, casi sin ser conscientes, en casa, en el trabajo, tomando un café en el bar de la esquina; son como los neutrinos, esas partículas elementales subatómicas que tienen una masa muy pequeña, no tienen carga y atraviesan la materia. Ni las notas musicales ni los neutrinos actúan con la materia, pero si con el alma, con nuestra esencia. Y me gusta pensar que los músicos cargan de notas (similares a los neutrinos) sus instrumentos para lanzarlos al espacio para que lleguen hasta el infinito, que sean eternos; para que nos atraviesen el ser. Ya sé que es imposible lo que digo y que mezclo ondas, partículas y, si me apuran, fe; pero la idea me apabulla.

Desde el arranque del concierto, Alfredo Rodríguez quiso dejar claras sus intenciones. Sonaba ‘Coral Way’ (tema que da nombre a su último trabajo) y la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Madrid se inundaba de corcheas, fusas y redondas cargadas hasta los topes de aromas caribeños, del mejor pop, de rock, de matices clásicos y puramente académicos que resultaban deliciosos; desde los primeros compases los tres músicos que forman este combo interpelaban a los aficionados que abarrotaban la platea y ponían en marcha una interacción divertida, conmovedora y entrañable. Neutrinos musicales por todas partes podríamos decir.

Alfredo Rodríguez. / © Rafa Martín

Alfredo Rodríguez es un pianista sensacional, uno de los mejores del mundo sin duda alguna. Compone, canta y demuestra una formación clásica que aporta una robustez difícil de igualar a su interpretación de la música. Recordó, casi al final del concierto, que en 2006 fue seleccionado como uno de los doce pianistas de todo el mundo para actuar en el Festival de Jazz de Montreux, y que allí conoció al que sería su mentor Quincy Jones. Si su carrera era prometedora, aquello aceleró todo y convirtió a Rodríguez en una realidad que no deja de sorprender. El fraseo en cada pieza, las rupturas en el discurso musical que despliega, su virtuosismo con el piano y una capacidad demoledora para fusionar todo tipo de música (el jazz permite maridajes casi imposibles si el músico tiene talento para encontrar soluciones) hacen de Alfredo Rodríguez un auténtico espectáculo cuando pisa las tablas de cualquier lugar del mundo.

Michael Olivera. / © Rafa Martín

Acompañan a Rodríguez, Michael Olivera a la batería y Yarel Hernández con su bajo eléctrico. Si el swing de Rodríguez es impecable, el de estos dos braceros incansables es espectacular. ¡Menuda base rítmica! Creo que no colocaron una nota mal en todo el concierto, ni una. Los tres se entienden, los tres disfrutan y los tres creen en lo que hacen; y esto es algo que el público percibe con las primeras notas.

Seguía a ‘Coral Way’ una preciosa versión del bolero de Consuelito Velázquez ‘Bésame Mucho’. Si la platea ya se había puesto perdida de excelente música, el matiz que aportaba la calidez del bolero generaba un clima excelente. Se fueron sumando momentos inolvidables, uno tras otro. Por ejemplo, cada solo del pianista se convertía en una especie de momento mágico en el que el sonido de la música revestía la vida entera.

Yarel Hernández. / © Rafa Martín

Sonaron temas de producción propia de Rodríguez y otros conocidísimos como, por ejemplo, ‘Quizás, quizás, quizás’  o  ¡Ay Mamá Inés! que hicieron que el público se sintiera feliz al poder cantar y bailar.

Un concierto más que tenía programado el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) dentro del ciclo ‘Jazz en el Auditorio’; otro acierto más y una alegría que se suma a las anteriores.

G. Ramírez

Paquita la del Barrio

Entrevista de Concha Hernández, entonces directora de la revista Trabajadora de CCOO, a Paquita la del Barrio realizada el mes de julio de 1994

Esta entrevista fue realizada en los camerinos del Centro Cultural Conde Duque en el mes de julio de 1994, al finalizar el concierto que ofreció Paquita la del Barrio dentro de la programación de los Veranos de la Villa. Se publicó en la revista Trabajadora en septiembre de ese mismo año.

La conexión que se produjo entre entrevistadora y entrevistada fue tal que continuó la charla en una terraza cercana hasta bien entrada la noche, ya sin grabadora por medio. Al día siguiente recibí una llamada de ella pidiéndome el favor de averiguar el aforo que había tenido su concierto, porque no se fiaba de las cuentas que tenía que hacer con su mánager…Pensaba que al trabajar yo en un sindicato no la engañaría. Me citó en su hotel de la Gran Vía y yo esperé sentada en la escalera mientras ella, con los datos que yo le había dado, resolvía con su representante. Cuando terminaron nos despedimos con un gran abrazo y yo me fui a casa con una botella de tequila empezada que ella no podría subir al avión. Unos años después, mi amiga Carmen que estaba de turismo en México, fue a cenar a 'Casa Paquita' y le dijo que había leído esta entrevista y que era amiga mía. Me contó que se le iluminó la cara al oír mi nombre y recordar el encuentro que tuvimos en Madrid. Brindaron por la amistad y, generosa, les invitó a cenar recordándoles que mis amigos siempre tendrían una mesa reservada en 'Casa Paquita'.

PAQUITA LA DEL BARRIO: Reina del arrabal

Vestida de lentejuelas, con unos tacones imposibles, los dedos cargados de anillos y la mirada perdida bajo unas enormes pestañas, el pasado mes de julio actuó en Madrid la cantante mexicana, Paquita la del Barrio. De nuevo desgranó sus canciones cargadas de despecho y provocación ante un público heterogéneo, donde abundaban las mujeres y unos hombres 'en guardia', pero dispuestos a escuchar su famoso '¿me estás oyendo, inútil?' sin rechistar. Esta mujer de atrevidas canciones, que cuando sube al escenario parece dispuesta a comerse al género masculino entero es, en realidad, una mujer tímida, de pocas palabras, lágrimas a flor de piel y un gran corazón.

Septiembre 1994

TRABAJADORA. - Tres veces te engañé la primera por coraje, la segunda por capricho, la tercera por placer… ¿es cierto que en una ocasión un marido enfadado le pegó a su mujer cuando ella le cantó esto mirándole a la cara?

P.B.- Ya lo creo, se puede decir que he visto de todo y aunque esto no pasa mucho, es normal que cuando canto esta canción allá en México las mujeres miren a sus esposos y levanten tres dedos, entonces los maridos van y levantan diez, es un juego, pero que alguno se lo ha tomado en serio y lamentablemente ha llegado a las manos…

T. ¿Cómo es el público que asiste a tus conciertos?

P.B. Desde allá arriba se ve bonito. Asisten pocos hombres, muchas mujeres y gais. Los gais siempre se ponen en las primeras filas y son muy cariñosos conmigo. Noto que la gente me aprecia bastante; algunos hombres me dicen que por qué les digo esas cosas..., sólo me preguntan, ninguno me ha insultado ni se ha puesto violento. Lo bonito de hacer conciertos es sentir a la gente, el cariño que te brindan, que percibes desde el escenario. Para mí eso es fabuloso. Es lo más importante.

T.- Los hombres que han asistido a tu concierto estaban muy calladitos…

P.B.- Yo los he visto muy atentos, porque son letras que nunca se habían escuchado y que por ser tan atrevidas hace años estuvieron prohibidas en México. La gente las sigue bastante y por eso apenas hablan o comentan, creo que es lo que han hecho esta noche, a pesar de que les resulte bastante chocante que les llame inútiles o les diga 'arrástrate como un gusano'. (risas)

T. Quizás por esas frases dicen que te has hecho famosa a base de insultar a los hombres con tus canciones ¿por qué crees que has conectado tanto, sobre todo con el público femenino?

P.B.- Lo que sucede es que estas canciones hablan del engaño, de lo mal que paga el hombre a la mujer, muchas mujeres quisieran decirles a sus esposos lo que dicen las canciones, pero no se atreven… Se podría decir que a través de ellas la mujer se defiende, aunque también hay que decir que ha cambiado mucho la situación de la mujer, la vida está diferente. Yo misma ya no soy la misma que cuando era chamaca. ¡Afortunadamente!

T.- Dicen de ti que eres tremendamente humana y afectuosa.

P.B.- Yo creo que sí. Cuando quiero a alguien es de verdad. Lo que sí rechazo es la mentira; no puedo con eso… Yo te digo una mentira y al rato me estoy riendo, porque ¡no sé engañar!, todo lo contrario de 'Tres veces te engañé…'.

T.- Tus canciones hablan de despecho, traición, venganza, infamia, desprecio y burla en el amor, y se suponen una réplica de las letras de siempre, tan masculinas, de los boleros y rancheras, pero ¿reflejan también vivencias personales?

P.B.- Estas canciones hablan de tristeza, de despecho, se puede decir que es como si le dijeras a tu marido muchas cosas. Yo he trabajado mucho y muy duro, pero mi vida sentimental ha sido muy desafortunada, siento que he fracasado en mi vida matrimonial, es lo que más me duele en el alma, y al cantar lo que canto, pues me identifico. No podría cantar esas canciones si no me identificara con ellas.

T.- En 'Invítame a pecar' aparecen bastantes temas firmados por mujeres.

P.B.- Las canciones que canto, se podría decir que están compuestas al 50 por ciento por hombres y mujeres. Cuando el protagonista de la canción es un hombre, pues la pongo en femenino y ya está.

T.- Empezaste cantando canciones de amor con tu hermana, ¿Cuándo decides cambiar las letras de amor por las actuales, tan duras?

P.B.- Empecé con mi hermana a buscar la oportunidad de trabajar cantando. A los diez años de trabajar juntas, ella se fue a Bolivia y a Perú, porque la compañía solo quería una solista, yo me quedé sola y lo pasé bastante mal. Entonces me dediqué a hacer banquetes con mi marido. Hicimos unos centavos, trabajando muy duro. Después empezamos a meter variedades los domingos y así empezó a llegar la gente. Yo cantaba y a la gente le gustaba. En el 86 un conocido presentador me vio y me dio la oportunidad de ir a un programa de televisión. Empecé a grabar discos y desde entonces a no parar.

T.- ¿Cómo es 'Casa Paquita'?

P.B.- Es un lugar donde llega todo tipo de gente, artistas, políticos, no hay distinción. El ambiente es muy bonito, el grupo está tocando, les piden las canciones, se toman sus copas… Hay artistas que actúan y después canto yo para cerrar. Hay tres sesiones una a las 6 otra a las 9 y otra a las 12, así hasta las dos de la mañana, también hay una pista para bailar. El público se lo pasa muy bien. En 'Casa Paquita' trabajan mis hijos y mis sobrinos, se puede decir que es un negocio familiar.

T.- ¿En qué consiste la ética arrabalera?

P.B.- La ética arrabalera es la ética de la gente humilde, con quien yo me siento más cómoda. La otra gente no me gusta. Hace unos meses fui a una comida; todos eran banqueros, yo cantaba y ellos platicaban; no me hacían mucho caso y me sentí muy mal… La gente humilde es más franca, más atenta. Mis canciones les llegan más.

T.- ¿Qué opinas de lo que está pasando en Chiapas?

P.B.- El Gobierno no tiene interés en que sepamos lo que pasa. Casi no nos hemos enterado de nada. Saben ustedes más aquí que nosotros.

T.- Has terminado tu actuación con una preciosa canción que te ha hecho llorar, era algo así como una declaración…

P.B.- Siempre me emociono cuando la canto. Se titula 'Sin fortuna' y todavía no ha llegado a España. Esta canción habla de mí y cuando la canto, toda mi vida pasa delante de mis ojos como una película, mi casa, mis viejos, mis amores…

T.- Ese poso de tristeza que tienen tus ojos, no te lo dan tus canciones…

P.B. No, es real; es mi vida la que me hace aparecer así.

Concha Hernández

Directora de la revista “Trabajadora” de CCOO.

Entrevista realizada en julio de 1994. Centro Cultural Conde Duque

Brad Mehldau. / Fotografía cortesía del artista.

Después de lo que se escuchó ayer en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, es difícil decir algo que pueda describirlo, que pueda ser reflejo fiel de la magia que produce la música en directo, la música interpretada por un artista formidable como es Brad Mehldau. Sea como sea, lo voy a intentar sabiendo que solo los cientos de personas que disfrutaron del concierto (la sala sinfónica no estaba llena del todo aunque había muy pocas localidades libres) podrán decir algún día que fueron testigos de cómo la magia se disfraza de fusa y puede reposar en cualquier rincón del planeta.

Brad Mehldau (Jacksonville, Florida) es el pianista vivo más completo de todos. Ya está dicho. Y aunque parezca una afirmación extravagante, no lo es. En la música de este hombre están los clásicos; están Bill Evans, Thelonious Monk o Chick Corea; están resonando los ritmos pop de The Beatles o de The Beach Boys; están los distintos lenguajes que se han ido acumulando a través del tiempo, fraseos que se adaptan a su particular forma de entender la música. Y, también, resuena el propio Mehldau puesto que es un artista capaz de reinventarse en muy poco tiempo agarrando lo mejor que logra en cada etapa para ir dibujando un universo propio, único y, que es este momento, imposible de superar por cualquier otro pianista.

Mehldau llegaba a Madrid para interpretar piezas de Gabriel Fauré y (en la segunda parte de concierto) temas propios con la libre improvisación como registro principal. Este concierto estaba programado dentro del ciclo ‘Fronteras’ el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) como concierto extraordinario.

El pianista interpretó cuatro nocturnos y parte del Adagio non troppo del Cuarteto para piano en sol menor, Op. 45, temas integrados en el trabajo titulado ‘Après Fauré’. Además del homenajeado Fauré (hace cien que murió el músico francés y este era el motivo de programar el concierto) sobre el escenario aparecieron Bach, Ludwig van Beethoven, el pop en un puñado de compases, todo lo que ha ido sumando Mehldau con los años, lo más moderno del panorama jazzístico. El concierto fue de menos a más en intensidad (la exigencia de la primera parte por concentrar un romanticismo que tal vez ya no se comprenda con facilidad lastraba un poco a los aficionados que, creo yo, estaban allí para escuchar más al jazzman que otra cosa) aunque ya cerca del final del concierto, a Mehldau le bastaba mostrar un pequeño dibujo construido con trazo fino y delicado desde su teclado para que el público pidiese con insistencia una propina más abundante. Cuando acabó de sonar el tema compuesto por Arthur Hamilton, ‘Cry me a river’ (un standard del jazz) los aplausos ya se habían convertido en la ovación del año. Brad Mehldau dejó bien claro quién es el que manda.

La música es magia. Y Mehldau es el mago que nos acerca a esa zona en la que la experiencia de escuchar se convierte en única e irrepetible. No hay nada comparable a la vista.

Ayer, después de las casi dos horas y medio de concierto, Madrid era una ciudad mucho más atractiva, mucho más acogedora a pesar del frío. Magia potagia.

G. Ramírez

En el centro, Jorge Rodríguez-Norton (José). / Fotografía de Elena del Real

El invierno en Madrid es duro, largo y hostil. Si además del frío aparece la lluvia para dar una mano de gris marengo a las calles, la ciudad se convierte en un espacio difícil. Esa lluvia solo es cómoda al pintar las primeras pecas en el asfalto. Llueve aunque siempre nos quedan los teatros convertidos en refugios. Lo digo muy a menudo. Teatros, museos o salas de cine convertidos en esos lugares en los que sobrevivir hasta que aparecen las primeras flores. Ahora, llueve en Madrid. Ahora, hace frío en Madrid.

Celebrar la vida es algo que se nos olvida con frecuencia. Nos tomamos las cosas demasiado en serio, mucho. Sobre todo a nosotros mismos. Se nos está olvidando sonreír, bromear sin tapujos, poner en duda lo grandioso con humor, con fina ironía. Y es por eso por lo que deberíamos acercarnos más al teatro, a la ópera, a la zarzuela o a cualquier manifestación artística; el arte nos permite explicarnos el universo y nos coloca en lugares retirados de nuestro día a día, casi siempre rodeado de buenas vibraciones y diversión. Es una pena que nos hayamos convertido en carne de redes sociales, de bulos, de una filosofía de vida que olvida la alegría como esencial y de, sobre todo, nosotros mismos.

El Teatro de la Zarzuela de la capital se ha envuelto en ironía, atrevimiento y buen humor. Desde este 29 de enero hasta el próximo 16 de febrero. Asisto al primer día de representación de una de las obras más rompedora, transgresora y divertida de la historia de la música cañí. ‘La corte de Faraón’, una opereta bíblica y sicalíptica según los autores del libreto (Guillermo Perrín y Miguel Palacios) y el compositor de la partitura, Vicente Lleó.

Enrique Viana (Sul). / Fotografía de Elena del Rosal

‘La corte de Faraón’ se estrenó el año 1910, causó sensación, un gran revuelo y enormes cambios en la idea que hasta entonces se imponía sobre lo que debía ser el teatro musical (tal vez el teatro en general). No es extraño tanto alboroto porque la partitura es una maravilla y el libreto se atreve a indagar en lugares que, todavía hoy, son tabús en buena parte de la sociedad. Se suma en la obra opereta europea, cuplé y música castiza. El terceto de ‘las viudas de Tebas’, el cuplé del babilonio o el garrotín son ejemplos muy arraigados en la memoria popular y absolutamente representativos de lo que es ‘La corte de Faraón’. Ahora, el Teatro de la Zarzuela nos acerca una producción del Teatro Arriaga, del Teatro Campoamor y de Teatros del Canal estrenada en 2012.

La puesta en escena es sencilla, todo discreto oropel (si es que este oxímoron se me permite). El tránsito de los distintos cantantes, de los bailarines y de los miembros del coro, está ordenada con sumo cuidado y no se convierte en una molestia para el espectador. Y así, Emilio Sagi, director de escena, extrae petróleo de muy poca cosa. Todo práctico, todo inteligencia, todo ganas de divertir y agradar.

La dirección musical es sólida. El maestro Carlos Aragón entiende a la perfección la partitura y logra arrancar a la Orquesta de la Comunidad de Madrid el mejor de sus sonidos. La batuta de Aragón logra momentos chispeantes, instantes casi impetuosos y, sobre todo, destaca por el cuidado en el acompañamiento de los cantantes.

‘La corte de Faraón’ fue calificada como sicalíptica desde su estreno. Según la RAE, eso significa malicia sexual y picardía erótica. Y para que una opereta de carácter bíblico (ya en el título se habla de Faraón y no del faraón como se puede leer en el Antiguo Testamento) y sicalíptica no desembarque en el mal gusto o más allá de las fronteras de un tono amable, divertido y festivo, debe ser interpretada por cantantes que, además de la voz más poderosa que sea posible, desplieguen un arco dramático que les permita encarnar personajes gamberros, algo disparatados y picantes (¡Picante! Así decía que era la obra mi compañera de butaca, una mujer mayor que se lo pasó bomba con la representación. Hacía años que no escuchaba ese adjetivo en un contexto teatral). En este sentido, todos los cantantes que aparecen en escena se acoplan de mil amores a su papel.

María Rey-Joly (Lota) y Jorge Rodríguez-Norton (José). / Fotografía de Javier del Real

Gustó María Rey-Joly (Lota) que, sin una voz enorme, defendió su trabajo con gracia, delicadeza y un punto vacío de vergüenza que se agradece. Algo descontrolada en la zona más aguda del registro. Jorge Rodríguez-Norton (José) llena buena parte del escenario cuando aparece. Tan discreto como correcto al cantar. El trabajo de Luis Cansino (el Gran Faraón) es compacto y rotundo; las horas de vuelo de este intérprete le convierten en un valor seguro sea lo que sea que se represente. Y María Rodríguez (Reina) y Annia Pinto (Raquel) están estupendas en todos los aspectos. El resto del reparto cumple bien, sin grandes alharacas, pero bien.

Y gustó mucho Enrique Viana (Sul) con el cuplé más famoso de la obra (Ay, Ba… Ay, Ba… Ay, Babilonio que marea…). Puso la platea en movimiento sin resistencia alguna, consiguió que se escucharan las risas con fuerza y dejó bien claro por lo que esta obra es una de las más representadas de la historia del teatro musical español (si no la que más), dejó bien claro que las intenciones de la obra se arriman a la diversión y a convertir en una fiesta la vida. ¡Qué cosa tan divertida, por favor!

El teatro es vida, la música es vida, ‘La corte de Faraón’ también lo es. Y la lluvia que ya no estaba al acabar la función.

G. Ramírez

The Paramount Quartet. / © Rafa Martín

Madrid. Tarde ventosa; pasada por una lluvia, a veces fina, otras más grosera. Todo invitaba a buscar cobijo en el Auditorio Nacional de Madrid. Y es que dentro del ciclo ‘Jazz en el Auditorio’ el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) tenía programado, para alegría de todos los aficionados al jazz, el concierto de la banda The Paramount Quartet. La expectación no era menor y el run run característico que se escucha antes de un concierto en el hall del Auditorio ya anunciaba que algo grande o mágico podía pasar.

The Paramount Quartet es un grupo que está formado por cuatro músicos extraordinarios. Joe Lovano con su saxo tenor y sus clarinetes es garantía de buen jazz con arraigo en el territorio más clásico y, al mismo tiempo, más innovador del jazz actual. Resuena en su música la de Parker, Coltrane u Ornette Coleman. La calidad interpretativa de Lovano está fuera de toda duda desde hace ya muchos años. El guitarrista Julian Lage apuntó maneras desde que iniciaba su carrera musical y se ha convertido en uno de los músicos más sorprendente del panorama actual, en un guitarrista con una proyección que no parece tener límites. Lovano se fijó en él hace mucho tiempo y han terminado haciendo el mejor jazz posible unidos por una capacidad de improvisación inusual y un sentido musical despampanante. Santi Debriano, con su contrabajo, es garantía de solidez en la base rítmica de cualquier tema que se enfrente por parte de sus compañeros y junto a otro bracero de indiscutible calidad, el baterista Will Calhoun, dejan claro que la necesidad de una base rítmica solvente es imprescindible para que las cosas funcionen sobre el escenario.

El que escribe tenía muchas ganas de escuchar en directo a estos cuatro músicos, de comprobar si el resultado es tan bueno como cabía esperar y anuncian a voces desde cualquier lugar en el que The Paramount Quartet ha recalado. Y, desde los primeros compases, quedaba claro que, esta vez sí, la suma de cuatro músicos de enorme calidad da como resultado un cuarteto de enorme calidad, algo que no siempre se consigue puesto que las matemáticas no son tan infalibles en el territorio de los egos.

Julian Lage. / © Rafa Martín

El concierto fue de menos a más aunque ya en el ecuador del espectáculo todo pareció saltar por los aires. Los ritmos más ancestrales, más africanos, más negros, se posaban sobre las tablas después de salir despedidos desde la batería de Will Calhoun que, con un sentido del swing sólido y casi abrumador, soportaba cualquier iniciativa improvisadora e inesperada de sus compañeros. Debriano aportaba la forma de entender el jazz más académica, la más cercana a la formación clásica y exquisita (los solos en los que también utiliza el arco son formidables y cuben de terciopelo cada corchea). Por su parte, Lulian Lage sumaba un fraseo incontestable con su guitarra,  una capacidad improvisadora descomunal y los ritmos más cercanos al rock o, sorprendentemente, a la bossa nova que convertían el conjunto en algo especial, original y precioso. Lovano, a los mandos, nos contaba el mundo desde una perspectiva tan personal como hermosa, un prisma desde el que el universo se puede observar con rebeldía, con la posibilidad de convertir todo en una obra de arte. Sonaba buen jazz en el Auditorio de Madrid.

Joe Lovano y el baterista Will Calhoun. / ©Rafa Martín

Por supuesto, la platea se entusiasmaba un poco más con cada tema y terminó recibiendo la ‘propina’ de los músicos con necesidad, sabiendo que el poso que dejan conciertos como este de Lovano y su banda, son resistentes al paso del tiempo, a toda una vida.

Otro acierto más del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) que acumula muescas ganadoras  con cada concierto programado.

Las calles de Madrid, tras hora y tres cuartos de concierto, esperaban tan hostiles como al entrar. Aire helado, humedad que se agarra con fuerza... Pero todo más llevadero que antes de entrar en la sala.

G. Ramírez

Tía Juana la del Pipa y Tomasa Guerrero; a la guitarra Manuel Valencia © Elvira Megías

Con el frío intenso instalado en la ciudad, los aficionados madrileños al flamenco teníamos un refugio asegurado en el Auditorio Nacional. Y es que, dentro del ciclo ‘Andalucía Flamenca’, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) tenía programado un concierto atractivo y muy esperado.  Tía Juana la del Pipa, Tomasa Guerrero ‘La Macanita’ y el guitarrista Manuel Valencia, iban a dar cobijo a un aforo completo que, puntual, se mostraba ansioso por escuchar ‘Barrio de Santiago’ (así han llamado el concierto). Las entradas estaban agotadas desde muchos días antes.

Manuel Valencia es un viejo conocido en Madrid. Recuerdo el concierto de Jesús Méndez -en este mismo escenario- en el que el guitarrista dejó bien claro que su técnica es envidiable y su duende está pegado a cada cuerda del instrumento. Esta vez, estuvo muy bien durante todo el concierto, dando el aire que necesita para cantar a ‘La Macanita', acompañando con su toque envuelto en pura seda a Tía Juana la del Pipa. Hay que señalar que algún asistente al concierto pidió en un par de ocasiones que el ingeniero de sonido elevase el volumen de la guitarra de Manuel Valencia. Es cierto que la guitarra sonaba un poco por debajo incluso de las dos palmeras, pero es que se trataba de buscar un sonido natural y para conseguir ese efecto uno de los peligros es que el instrumento parezca quedar en un lugar de menos empaque que el preciso. En realidad, tampoco fue un problema aunque algo de razón tenía ese aficionado que pedía rectificar el diseño de sonido. Dejó dos piezas en solitario, al comenzar el concierto, tarantos y algo que no alcanzo a fijar en un palo concreto, que sirvieron para dibujar un clima propicio.

Tras esas dos piezas interpretadas por Manuel Valencia de forma primorosa, Tomasa Guerrero subió a las tablas del Auditorio Nacional para dejar patente que si alguien quiere saber qué es una soleá y cómo se canta, está obligado a escuchar a esta jerezana. Hace unos años, tuve el privilegio de charlar con Tomasa y una de las cosas que me dijo fue que 'hay quien cree que esto va de subirse a un escenario y ponerse a cantar. Y es mentira. Hay que saber sentarse, ponerse como es debido. Todo tiene sus secretos'. Qué razón tenía al decirlo y qué bien sabe plantarse sobre las tablas. Comenzó con una discreta malagueña. Dedicó una bulería por soleá a Eduardo Serrano Iglesias 'El Güito', bailaor que murió hace unos días y Tomasa cantó encontrando giros y quiebros en la voz que solo ella es capaz de hacer suyos. Con las segurillas estuvo igual de bien. Espléndida ‘La Macanita’.

Tía Juana la del Pipa © Elvira Megías

Era el turno de Juana Fernández, una mujer que a sus setenta y siete años parece incombustible. Siempre que la escucho cantar y la veo moverse por el escenario pienso que es la reina de este negocio que llamamos cante flamenco. Con la esencia jerezana a cuestas, Tía Juana la del Pipa cantó con un quejío y una jondura que tiraba de espaldas, con mucha verdad. Esta mujer, además, llena el escenario según aparece. Vestida de blanco (solo unos lunares negros en el pañuelo) parecía levitar sobre las notas que Manuel Valencia arrancaba de su guitarra. Bularía por soleá, fandangos... todo espléndido.

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) vuelve a acertar en su programación y consolida otro de sus ciclos que suma éxito tras éxito.

Al salir, el frío seguía anclado a la ciudad aunque el rescoldo del buen flamenco ayudaba a resistir una temperatura que invitaba a refugiarse en casa.

G. Ramírez

José Luis Balbín

Produce un inmenso bochorno echar un vistazo a los programas de televisión en los que se producen debates sobre asuntos diversos. Salvo honrosas excepciones, la talla intelectual de los que participan es muy bajo, los gritos abundan, los aspavientos son frecuentes e, incluso, se llega al insulto o a la falta de respeto. Hay algún caso en el que el nivel de los participantes en el debate es, a priori, estupendo. Por ejemplo, el debate lo protagonizan periodistas. Y, también, todo termina como el Rosario de la Aurora. Ofensas, gritos, interrupciones, acusaciones. Un auténtico desastre.

Hemos aprendido (en general; ya sé que algunos siguen manteniendo intactas sus formas y su nivel de cortesía sigue siendo exquisito) que lo que funciona es gritar, quitar la palabra al otro y decir alguna barbaridad de vez en cuando. Al menos, eso es lo que nos dicen repetidamente. Por ejemplo, programa de éxito es igual a programa en el que se dicen cosas horribles de otros, en el que los grandes protagonistas son unos incultos de cuidado que gustan más a la masa cuanto más daño son capaces de hacer. Hemos aprendido que tener razón equivale a decir nuestra verdad muy, muy, alto. Hemos aprendido que eso de respetar a otros está muy por debajo de lo que creemos que es la verdad.

Creo que hay que decirlo alto y claro. Las pantallas de televisión se han llenado de periodistas gritando e interrumpiendo a otros periodistas; se han llenado de paletos que abren la boca para destrozar el lenguaje, de personajes patéticos que son invitados dado el bochorno que provocan y el ridículo que pueden llegar a hacer puesto que eso se prima. En las pantallas de televisión se está normalizando la chabacanería, se está señalando el camino de la ignorancia como uno más.

Recuerdo que siendo un jovencito, los viernes por la noche (tal vez los sábados, en realidad no lo recuerdo) se emitía en la televisión pública un programa que dirigía José Luis Balbín. La clave. Te sentabas delante del televisor y escuchabas. La opinión de uno, del otro, otra más... Cada turno de palabra se respetaba con pulcritud, los asuntos se trataban por aquellos que sabían de lo que iba la cosa y no por el primero que pasaba por la puerta... En fin, era un programa serio, un programa que merecía la pena. Acababa el programa y tu criterio era un poco más sólido. Hoy, por más que busco, no encuentro nada parecido.

En cualquier caso, alzar la voz y hacer el ridículo es eso y no otra cosa. Aunque aparezcas en la televisión y te paguen un dineral. Un paleto con dinero no deja de ser un paleto. Creer que un sujeto que grita más que otro tiene un criterio sólido y poderoso, es un error. Admirar a hombres y mujeres que ganan dinero a base de decir idioteces y hacer daño con sus palabras, es lamentable. Y esto está pasando.

G. Ramírez

La compañía Trajano Teatro se fundó en 2015 y lo hizo el que es ahora director del grupo, Manuel Jiménez Jiménez. El grupo se encuentra en Santiponce (Sevilla) y está compuesto por diez personas desde que hicieran los sainetes del Álvarez Quitero, piezas que siguen representando de forma puntual en distintos escenarios.

Además, de esos sainetes y de la obra ‘Hazme de la noche un cuento’, Trajano Teatro representa, ahora, su nuevo libreto ‘Promesas de libertad’ que es con el que llega a Madrid. Será el próximo 18 de enero en la Sala La Encina Teatro del popular barrio de Lavapiés. La obra ya ha pasado por Santiponce, por el XVIII Festival Nacional de Teatro Aficionado Fernán Caballero (Dos Hermanas, Sevilla), VII Certamen de Teatro Aficionado Algabeño (La Algaba, Sevilla) y por el X Certamen Nacional de Teatro Aficionado Villa de Aznalcóllar (Aznalcóllar, Sevilla) en el que recibieron diversos premios.

‘Promesas de libertad’ es un texto dramático adaptado por el propio autor de ‘La Revuelta’, Santiago Serrano. Habla de la historia de una familia en tiempo de guerra, una familia que trata de sobrevivir a la losa que representa un conflicto armado. Todos los personajes procuran liberarse aunque tienen que transitar lugares hostiles de la realidad que marcarán para siempre su existencia. Se mezclan traición, venganza y muerte; metas que quedan lejos aunque se pueden alcanzar por medios de dudosa moral.

Ninguno de los integrantes de la compañía viven de hacer teatro, algo que se ha convertido en una constante. Pero no falta compromiso inquebrantable, dedicación y gusto por el buen trbajo sobre el escenario.

El próximo día 18 de enero, a las 18.00 horas y a las 20.00 horas, podremos disfrutar del espectáculo los aficionados madrileños que nos acerquemos a la Sala La Encina Teatro (Calle Ercilla 15). Se pueden adquirir las localidades en este enlace.

Superar la primera entrega de 'El juego del calamar' era casi imposible. El efecto que se produjo envuelto en sorpresa fue algo insólito que sólo un trabajo sólido y un punto de suerte logran inesperadamente (el boca en boca funcionó como nunca antes lo había hecho). Ni siquiera los aspavientos de los actores y actrices coreanos fueron motivo de rechazo entre un público acostumbrado a otra cosa más cercana. ‘El Juego del calamar’ supuso un alboroto en toda regla que con una segunda parte no parecía correr peligro de verse superada. No ha sido así.

La segunda entrega de la serie no está mal aunque la sorpresa que vivimos con la primera, esta vez, ya no se produce como es lógico. Arranca con un primer capítulo que recuerda el origen de lo que se va a contar o coloca a los nuevos espectadores ante una situación disparatada que tiene mucho de crítica social, de crítica al capitalismo en concreto. El segundo resulta casi anodino y uno se remueve en el asiento presintiendo una catástrofe. Pero la hecatombe no llega puesto que, a partir de ese momento, la narrativa comienza a funcionar mucho mejor. Más violencia, más conflicto colectivo (esta es la gran diferencia respecto a la primera parte de la serie), personajes secundarios que dan lustre y color al conjunto y la construcción de una tensión narrativa que funciona con fortaleza. La puesta en escena, como ya ocurrió, una maravilla.

Nos sigue recordando todo esto a 'Perseguido', 'Los juegos del hambre' o, por supuesto, 'Battle Royale'. Pero algo se ha modificado y hace que ‘El juego del calamar 2’, sin ser tan sorprendente como la primera parte, funcione bastante bien. La interpretación de Lee Jung-jae (personaje protagonista), siendo más plana que antes (ya no es un pobrecillo obligado a participar en un juego grotesco), supone un guiño a un público no acostumbrado al histrionismo más exagerado. Gong Yoo (¿recuerdan al personaje que abofeteaba a los candidatos en las estaciones de metro y les invitaba a participar?) toma importancia y aporta un toque maligno a lo que sucede, indica que todo puede ser mucho peor de lo que imaginábamos. El actor Hwang Jun-ho (este interpreta al hermano del malo malísimo) da forma a una subtrama que no sé muy bien cómo va a rentabilizar el guionista Hwang Dong-hyuk, pero que sirve de muelle para que la trama no se empantane con una acción alocada (lo que sucede en la isla es una auténtica locura y eso no puede mantenerse durante toda la entrega porque dejaría de funcionar por excesiva, por reiterada o por absurda). Por cierto, Hwang Dong-hyuk logra, con mucha habilidad, que los juegos nuevos se alternen con otros conocidos para dar solidez al personaje principal. Las piezas encajan.

La sangre siempre gusta a los amantes de… la sangre. Y en ‘El juego del calamar 2’ no falta. Y una violencia dolorosa y extravagante. Es extraño, pero entretiene algo así. Y, más raro todavía, provoca risas y gran alborozo entre los más fanáticos del género. Somos así.

G. Ramírez