Estrategias de la desobediencia Jul27

Estrategias de la desobediencia...

El CAAC acoge hasta el 11 de Octubre la exposición Risas en la oscuridad de la artista sevillana María Cañas, inscrita dentro de la sesión expositiva Mal de archivo. Vídeo, collage y objetos se alternan en una muestra donde la apropiación y reasignación de significados intenta reflejar, criticar y subvertir, nuestra realidad social y tecnológica de forma irreverente, violenta y, en definitiva, transgresora. María Cañas (1972, Sevilla) posee ya un recorrido a sus espaldas como artista del desorden, en combate perpetuo contra el pensamiento dominante y sus formas de difusión. Cañas es una agitadora que nos muestra la realidad que conocemos, o al menos intuimos, desde una perspectiva repleta de ironía y feroz crítica, cuya estética bascula entre la compleja sensualidad de la imaginería barroca y una sencillez de origen dadaísta filtrada por el Doityourself más punk. La amplia muestra que ofrece el CAAC reúne un grupo de 13 piezas audiovisuales y 163 collages, con los que la artista pretende extrapolar las idiosincrasias y esquizofrenias locales de su Sevilla natal a un imaginario global cada vez más fugaz, que se reproduce caóticamente desde la virilidad de ese lugar donde la realidad se ficcionaliza y las ficciones acaban deviniendo reales, y que llamamos internet. La exposición recoge  gran parte de la producción videográfica más reciente de la artista y obras que vemos por vez primera (Risas en la oscuridad, La mano que trina, Al compás de la marabunta y Al toro bravo échale vacas). Todas ellas hacen de la apropiación y el foundfootage su razón de ser, planteando un honesto ejercicio de reciclaje muy pertinente en nuestro tiempo, ya inundado de imaginarios que nacen del caos visual y se multiplican incontrolablemente. Y sin embargo el ejercicio de apropiación en Cañas nunca es puro, sino que...

Oysia: des-ocultar el cuerpo Mar24

Oysia: des-ocultar el cuerpo...

El Espacio GB (Facultad de Bellas Artes, Sevilla) inauguró el pasado jueves la primera muestra individual de la artista Mar Gascó (Tenerife, 1988), Oysia, un proyecto que nace del interés por explorar el cuerpo propio y los propios sucesos, pero que termina involucrado en la mirada, distante y analítica, que la ciencia arroja sobre el mismo. La exposición podrá visitarse hasta el 17 de Abril. En las dos últimas décadas el arte se ha abierto, definitivamente, a todo el presente que lo rodea, absorbiendo cualquier transformación en las dinámicas sociales y existenciales así como los continuos cambios tecnológicos; persiguiendo, incluso, formas de intuir el futuro de forma similar a como lo hace la ciencia, con la que tiene una cada vez mas estrecha relación. La obra de Mar Gascó, como la de otros artistas coetáneos, se nutre de procesos científicos y plásticos en la misma medida, forjando desde esta hibridación un discurso sobre la propia identidad y el cuerpo como su más palpable manifestación. Un cuerpo cuestionado y repleto de yoes, mutable y nunca definido, aunque indisolublemente unido a la experiencia vital y sumergido en sus propios mecanismos biológicos, a menudo desconocidos y desconcertantes. La obsesión por lo corporal en Gascó nace de su propia biografía, marcada tanto por el trauma físico y psicológico, como por un ciclo vital entre pasillos de hospital y operaciones de cirugía estética. Nace del contacto directo con el bisturí y los laboratorios, de la percepción sobre su cuerpo como algo extraño y modificable. Una forma de observarse que recrea el acontecimiento íntimo y personal, pero bañado por la fría luz que encontramos entre las blancas paredes de una consulta médica. De la misma forma, sus complicados procesos artísticos, que a menudo necesitan de infraestructura científica, parten de una...

Violencia del objeto y residuos de una combustión social...

Reciente ganador de la beca Sevilla es talento, que otorga el Ayuntamiento de Sevilla en colaboración con la Fundación Valentín de Madariaga, Manuel Casellas presenta su primera exposición individual en Sevilla en la galería Weber-Lutgen. Una ocasión excepcional para acercarse al trabajo de uno de los creadores andaluces más interesantes y sorprendentes. Manuel Casellas es un tipo muy «sevillano» en la mejor acepción del «adjetivo», desprendido de cualquiera de los tópicos que a menudo nos identifican en esta ciudad (excepto de un beticismo que comparte quien suscribe), pero con la cercanía, desparpajo y accesibilidad que también nos define. No es la primera vez que hablamos de arte en torno a un café, pero aun así resulta extraño tratar de entrevistarlo. Son muchas las cosas en Casellas que se apartan del estereotipo, desde su trabajo, desconcertante en el panorama escultórico sevillano, hasta su primer acercamiento al arte y la educación artística, tardía según cánones, aunque quizás por ello madura desde el comienzo. «Podría acudir al tópico de que mi padre dibujaba mucho, es lo cierto, pero no creo que aquel fuera el origen de nada. Pasé por estudios de todo tipo y siempre me atrajo el dibujo técnico, por el orden, cuidado y limpieza que requiere. Acabé en la facultad de bellas artes de Sevilla, pensando en hacer diseño, pero allí contacte por primera vez con la escultura. Tenía 25 años y las ideas muy claras. Mi acercamiento al arte se produce a través de la materia y mi interés por las formas, siempre he tenido facilidad por el diseño  y quería investigar  desarrollándolo en el espacio, por ello me acerqué muy pronto a la obra de Oteiza y Chillida». Hemos bromeado alguna vez con que su obra no parece provenir de una ciudad en...

Miriam Sobrino. Hacia el trending topic y mas allá...

Uranio enriquecido es la última serie fotográfica de Miriam Sobrino (Ciudad Real, 1991) que pudimos ver en la primera edición de Jaalphoto. La joven artista sitúa su cámara, en estética e intención, frente a estereotipos visuales de nuestro tiempo, para transcenderlos a través de una mirada pretendidamente superficial, pero que desemboca en un misterioso y kitsch surrealismo. Las imágenes, esas parcialidades que venían dando bocados a la realidad y han acabado devorándola, se encuentran hoy en la potestad de erigirse dueñas del mundo y nuestras propias vidas. Su obsesionante omnipresencia ya no responde solo al simple acto de abrir los ojos, sino que pertenece al campo de nuestra decisión, la de solo querer ver, citando a Joan Fontcuberta, las imágenes que ya habíamos visto. Una de las consecuencias de esta nueva situación excepcional; que arrancó con el advenimiento de la fotografía y ha encontrado esplendor auspiciada por los medios digitales y su facilidad en la construcción, distribución y visualización de las imágenes; es que aquello que anteriormente era privilegio de de unos pocos hoy es algo tan cotidiano, e incluso vital, como respirar. El mundo se ha vuelto imágen, las vidas se han vuelto imágen y todo parece estar envuelto en el papel de la representación; siendo, a través de ella, como deseamos acceder al mundo. Internet es el paraíso de este nuevo imaginario, un medio en el que la pausa horizontal del texto cede protagonismo a una barra de scroll siempre en movimiento, en el que las imágenes llegan y desaparecen tan deprisa como vuelven a aparecer, diferentes y casi idénticas, paradigmas de una globalización en la que todos hemos resultado ser el verdadero Gran Hermano, vigilantes y deseosos de ser vigilados. Las imágenes nacen por y para la red, tanto en sus...

Batman 75 aniversario. La oscuridad que persiste Nov27

Batman 75 aniversario. La oscuridad que persiste...

Una consistente perdurabilidad, anclada en los mimbres que lo sostienen como arquetipo de héroe oscuro, y la labor de guionistas y dibujantes que han sabido recuperar su particular espíritu en más de una ocasión, hacen de Batman un personaje perenne, que con setenta y cinco años recién cumplidos puede presumir de ocupar un importante lugar en la cultura popular. Su vigencia, dentro y fuera del cómic, es hoy más palpable que nunca. Tras setenta y cinco años  de presencia ininterrumpida en cómic, televisión o cine, podríamos decir que Batman se ha ganado un puesto superlativo entre los personajes de ficción surgidos en el siglo XX. Creado en 1939 para DC Comics por Bob Kane y Bill Finger ante la exigencia editorial por repetir el éxito de Superman, el recién llegado supo marcar de inmediato las diferencias y mientras el kryptoniano coreografiaba en el cielo las bondades del ser humano, el hombre murciélago representará la  oscuridad y el miedo como motor subterráneo de nuestros impulsos. Batman será la sombra del superhéroe, un ser normal que se pretende diferente, un sueño derechista de control sobre la sociedad y a su vez agente liberador de un inconsciente calladamente agresivo. La más lógica razón conviviendo con fantasías recubiertas de látex negro en una perfecta armonía. El recorrido de Batman en este devenir como héroe oscuro no estuvo exento de dificultad, sobre todo editorial. El carácter violento y el  ambiente noir de sus primeras historias  sería suavizado a medida que su popularidad ascendía, primero con la creación de Róbin, fiel compañero y punto de identificación para los mas jóvenes, y más tarde con la aparición en pleno Macarthismo del Cómic Code, destinado a regular y censurar los contenidos que publicaban todas las editoriales norteamericanas. Para Batman esto significó la...

Cristina de Miguel: El poder de la pintura Nov11

Cristina de Miguel: El poder de la pintura...

© Fotografía de Naroa Lizar Lejos de su tierra natal y bajo el inspirador aliento de la ciudad de New York, la artista Cristina de Miguel viene construyendo desde la lejanía uno de los discursos mas interesantes de la pintura andaluza emergente. Clausurada recientemente su última exposición individual en Freight + Volume y en vísperas de una nueva presentación en New Jersey, la artista nos habla de su pasión por el ejercicio pictórico. Me dijo un amigo hace tiempo que Sevilla era una ciudad perfecta para hacerse pintor pero no para trabajar de ello. Una sentencia bastante cierta a tenor de las generaciones de artistas que vemos nacer en esta soleada ciudad que terminan emigrando a tierras mas fértiles. Luis Gordillo, Miki Leal o Rubén Guerrero son ejemplos de un fenómeno que se hace cada vez mas evidente, sobre todo si fijamos nuestra atención en artistas mas jóvenes que realizan prematuramente el mismo periplo. Este es el caso de Cristina de Miguel (Sevilla, 1987) no muy habitual en los circuitos artísticos sevillanos porque desde 2011 reside y trabaja en New York. Puede haber sido cosa del destino (o de pertinente perspicacia), porque la pintura de Cristina, sencilla y directa, difícilmente hubiese encajado en su ciudad natal, tan proclive al ornamento. Al menos no con la naturalidad que parece hacerlo en aquella gran urbe habituada tanto a las grandes gestas expresionistas como al minimalismo. En todo caso hemos querido saber más de su experiencia fuera de España, asunto muy común hoy en día para todo tipo de profesionales, y conocer de primera mano su amor y respeto por esa espontanea inmediatez de la pintura que todo lo permite. «Pienso que la pintura está más viva que nunca y que hay gente joven haciendo unas cosas...

Blues en lo profundo de la marisma Sep30

Blues en lo profundo de la marisma...

El próximo sábado cuatro de Abril llega una nueva edición del festival Tomate Blues, encuentro heterogéneo y de sabor genuinamente popular, que convoca en el Parque de los Hermanamientos de la sevillana localidad Los Palacios y Villafranca, a amantes del blues (y también a amantes de la mas sencilla y pura diversión) de muchos lugares. Con la actuación de grandes músicos como La blues band de Granada o Lolo Ortega, que se encargarán de recrear en plena marisma sevillana un pequeño delta al sur de los Estados Unidos. Cada otoño, con la llegada de las primeras tardes agradables, noches de brisa fresca y el rugir de la vida que se reincorpora a la cotidianidad tras las vacaciones, Los Palacios y Villafranca, localidad del bajo Guadalquivir, ofrece una fulgurante despedida al verano y calma su pasión, volcada en la guitarra y el cante flamencos, en favor del sonido de otro sur igual de sudoroso, adoptando como propio el canto de la Norteamérica mas profunda. El Tomate Blues, festival dedicado a la música nacida a orillas del Mississipi (junto a otras afines) y evento cada vez mas  multitudinario, llega a su cuarta edición el próximo sábado 5 de octubre, convocando por igual  a fieles y profanos de esa música del lamento y la emoción, que tan bien conoce la racial marginalidad de la que surge lo jondo, para dejar claro en la práctica algo que ya intuíamos en la teoría, que en el sur, da lo mismo si es el peninsular o el de los Estados Unidos; el gentío, la fiesta y la música se viven de forma única Quizás el sol bajo reflejado en la marisma, la humedad de estas tierras, se parezcan mas de lo que pensamos a los calurosos páramos en los que...

Música no apta para depresivos Jul15

Música no apta para depresivos...

Diez colecciones de canciones destinadas a hacernos palpar el lado mas triste de la vida. Diez propuestas artísticas que alcanzan el éxito a través de infligir heridas. Desde la queja melancólica al aullido existencial, desde el ocaso romántico al delirio nervioso… ¿Es posible llegar a vender miles, cientos de miles de discos, cantando sobre el trauma, la depresión o  el amor a la muerte? En nuestra sociedad, adicta a sentirlo todo protegidos por el airbag de la experiencia ajena, por supuesto que sí. Elegantes ejercicios de estilo, pop sencillo para multitudes, grunge corrosivo, atmosférico post-punk, producciones exquisitas, grabaciones secas y directas, cartas desesperadas de amor o autistas sentimientos de exclusión. Múltiples formas para recubrir los sinsabores de la vida que llegan a hacernos pensar si fue una buena idea pulsar play. ¿Por qué una lista sobre la tristeza? Quizás la respuesta mas sencilla sea porque existe esa posibilidad, brindada por un extenso grupo de músicos que han cantado al dolor y al sufrimiento. La única premisa inicial, que hace homogenea esta selección, fue intentar siempre que el contenido hiriente se manifestase tanto en el sonido como en el mensaje de las letras, dejando fuera odas a la tristeza tan intensas como Meat is murder de The Smiths, This is hardcore de Pulp, o Pink moon de Nick Drake, entre otras muchas obras cuyos ambientes musicales no resultan tan opresivos. ¿Por qué limitar la lista a grupos de éxito? Por un lado para ayudar a quien suscribe a seleccionar tan solo diez propuestas entre las posibilidades que añadiríamos si también investigáramos en el underground musical, tan proclive al lamento existencial y al retrato de la podredumbre social. Por otro porque resulta especialmente atractivo que determinados artistas consigan alcanzar el éxito enfrentando al público con la...

Nada es verdad. Todo está permitido...

Nada es verdad, todo está permitido son, según parece, las últimas palabras que pronunció Hassan i Sabbah (precursor del terrorismo islámico y posiblemente el primer distribuidor de hachís como sustancia estupefaciente), de cuyo nombre se deriva la palabra Hassishem, consumidores de hachís pero también asesinos, una doble lectura que fue muy bien aprovechada en el célebre verso de Rimbaud, Voici le temps des Assassins. Nada es verdad, todo está permitido es también el titulo de un extenso volumen publicado recientemente por Alpha Decay en su siempre interesante catálogo, y en el que Servando Rocha realiza un recorrido por la otra historia del arte y la cultura, la menos oficiosa y más maldita, a partir del encuentro entre un octogenario William S. Burroughs, profundo admirador de Sabbah, y Kurt Cobain, veintañero rockero y profundo admirador de Burroughs, iconos de distintas épocas que compartían un espíritu inquieto y profundamente antisistema, cierta animadversión por el género humano y una prolongada etapa de autodestrucción, que si bien el escritor logró trascender hasta los 84 años, acabaría prematuramente con la vida del cantante cuando se suicidó, meses después de conocer a su ídolo literario El episodio en cuestión  le basta al autor para establecer una genealogía de la contracultura, rastreando las pocas fotos que se conservan de aquel encuentro y analizando los mas nimios detalles de las mismas para encontrar vínculos entre dos creadores tan generacionalmente alejados como espiritualmente afines, detalles que a priori pueden pasar desapercibidos, pero que una vez leídos resultan inusitadamente convincentes. Rocha se sirve incluso de los mas anecdóticos elementos, como el disco de Leadbelly que Cobain regaló a Burroughs (que alarga la sombra de su respectivo malditismo hasta la locura alcoholizada del legendario músico blues), para realizar un recorrido por la América mas salvaje...

La mujer en silencio. Sylvia Plath y Ted Hughes...

La vida del gran poeta inglés Ted Hughes y de su esposa, la también enorme aunque mucho mas infravalorada Sylvia Plath, ha dado para un buen puñado de jugosas biografías encargadas de inmiscuirse en la intimidad de sus vidas, dando lugar en un caso tan particular como el suyo, con relación tormentosa y suicidio en el camino, a páginas y páginas de truculentos cotilleos y opiniones dispares, que tienden bien a crucificar a Hughes como misógino traidor elevando a Plath a los altares predestinados a todo mártir, o a juzgarla a ella como la masoquista fémina, perturbada y sin apenas talento, que hizo imposible la vida al laureado genio de la literatura. Todo según a quien le pregunten. Las biografías de artistas celebres son una de las efemérides editoriales mas singulares y atractivas. Poseen tanto de estudio obsesivo de la genialidad como de impúdico rastreo de intimidades que, escudado en un alarde de intelectualidad, se pretende mas elevado que el cotilleo diario a lo Belén Esteban y Cía., cuando la realidad dicta que esas anécdotas que sobrevuelan los círculos literarios y artísticos suelen ser sin duda, dada la naturaleza inquieta de sus protagonistas, mucho mas  jugosos que cualquier acontecimiento en la vida de la fauna televisiva actual. La mujer en silencio, escrito por la magnífica biógrafa Janet Malcolm, no es afortunadamente uno de esos libros repletos de morbosos detalles, y pese a su título, posiblemente una imposición editorial en pos del incremento de ventas, apenas rastrea la vida de la pareja de escritores. En realidad este enorme ensayo metaliterario dedica la mayor parte de sus páginas al estudio del propio biógrafo y sus vicisitudes como arqueólogo de vidas ajenas, así como  a interrogarse sobre hasta qué punto es lícito entrometerse, culturalmente escudados, en la...

Kingdom Come

Con su medida capacidad de manipulación, Norteamérica ha logrado instaurarse como madre de los sueños y temores globales, agenciándose los mitos heroicos engendrados en Europa y Asia para revestirlos de una fibra moral adecuada a sus intereses hegemónicos, y vinculada, paradójicamente, a la idea religiosa del bien versus el mal. Los superhéroes son un buen ejemplo de ello y personifican ejemplarmente todas las virtudes del sueño americano junto con su pretendida conservación de valores anclados al capitalismo contemporáneo, un deseo manifiesto de imponer (su) justicia y verdad a escala global, que también manifiesta una necesidad de creer en poderes superiores, provengan del cielo o de un autoproclamado reino. Pocas obras han abordado esta dicotomía moral del superhéroe como Kingdom Come, la enorme y mesiánica fabula de Mark Waid y Alex Ross que revitalizó el clasicismo heroico a mediados de los años noventa. La historia narrada por Waid y plasmada en las espectaculares y realistas paginas de Ross transcurría en un futuro no muy lejano en el que, por diferentes razones, la mayoría de los héroes clásicos se encuentran retirados y han sido sustituidos por una nueva generación de jóvenes sin escrúpulos y sin mas motivaciones para ejercer de vigilantes que la pura diversión o el desahogo de testosterona. La situación insostenible alrededor de estos nuevos justicieros provocaría la segunda venida de Superman, inmediatamente secundado por varios de sus antiguos compañeros a modo de apóstoles. El tono que inunda toda la obra queda marcado por el pastor religioso que la narra y las continuas referencias literarias al Apocalipsis bíblico, mostrando un claro trasfondo espiritual, pero, también, una pertinente reflexión sobre las verdaderas posibilidades del fin del mundo. Este pastor intuye, de manera reveladora, que el regreso del hombre de acero es en realidad  el principio...

Miel de abeja

Kursala. Universidad de Cádiz 4 de marzo-18 de abril. El bodegón como género entendido desde las artes plásticas siempre nos presenta algo que se ofrece para no poder ser disfrutado, sólo deseado (o ignorado, según el caso), y es posiblemente la forma representada que mas invoca la distancia insalvable entre el referente y la imagen. Su disposición, generalmente sobre una mesa, ordenado y preparado para la degustación, nos proporciona casi todas las sensaciones menos aquellas para las que la lógica nos indica que ha sido preparado. Los misteriosos bodegones que forman Miel de abeja, la exposición de María Sánchez (1977, Ávila) comisariada por Jesús Micó, amplifican esta siniestra sensación desde la austeridad formal y la precisión conceptual. Sus habitaciones en penumbra contienen antes que ninguna otra cosa, la mesa, el receptáculo necesario, un lugar cubierto fantasmagóricamente por una sabana en toda ocasión desde el que subyugar nuestra percepción en la distancia. Luego están por supuesto los elementos dispuestos sobre ella, siempre mínimos, siempre un contrapunto del espacio vaciado, queriendo rasgar la tabula rasa de nuestra percepción mas inconsciente, cargar de sentido la imagen, resultando siempre un ofrecimiento sutilmente peligroso en el que se nos incita a cometer algún acto, a sucumbir al deseo que se revela desde el espectador hacia la imagen abierta de par en par. Un ofrecimiento que alcanza la mayor y perturbadora contradicción en su simbólica literalidad cuando es el cuerpo de la artista el que ocupa la imagen. María Sánchez, situada en ese territorio de la creación fotográfica alejada del documento y enraizada en la escenificación, se dirige, quizás sin tenerlo demasiado en cuenta, hacia rincones metalingüísticos, hacia el misterio de la fotografía como acto de voyeur penetración en el otro, su actitud violentamente arrebatadora apunta hacia el origen de...

Paisajes preferentes

Galería Birimbao. Sevilla. 18 de Marzo-11 de Abril. El arte como proyecto vivencial desarrollado en un lugar y con ese lugar como protagonista, las capacidades del ser humano de influir y ser influido por el entorno, el paisaje en definitiva como género que reivindicar conceptualmente y reinventar plásticamente, son el eje central del trabajo de Miguel Ángel Moreno Carretero (1980, El Carpio), quien regresa a Sevilla con una muestra multidisciplinar que, una vez más, difumina los límites de su discurso mezclando pintura con escultura y objeto readymade, transformando la apropiación, tanto de objetos como de imágenes, en interpretación plástica de lo cotidiano y soslayando nuestra mirada para hacernos pensar sobre lo que nos rodea y, por qué no, divertirnos en el camino. Escultura o maqueta, diseño arquitectónico o pieza conceptual, cuidada reflexión o improvisado divertimento, en Miguel Ángel Moreno todo ello es la misma cosa. La multidisciplina que en él se aleja nunca es propósito de contemporaneidad o estudiada puesta en escena de la multiplicidad de recursos habituales, sino una simple y desenfadada necesidad de hacer arte con cualquier cosa. En la presente exposición somos testigos de cómo el dibujo abandona su función íntima para ser una cartográfica fuerza interventora en el paisaje y que delimita su uso práctico, vemos las imágenes de un catálogo de record güines reducir en escala su obsesión grandilocuente convirtiendo en fetiche portátil una naturaleza manipulada con el propósito de ser mas grande que ella misma, reconocemos humanos espacios seriados sustituyendo y secando paraísos terrenales. Vemos al final una línea de horizonte, bifurcada, manipulada, tapiada… y a un artista explicarnos en qué consiste el juego del...

Typologies

Galería Alarcón Criado. Sevilla. 31 de enero-29 de marzo El objeto es, según la definición lacaniana, el lugar donde se restituye de forma continua nuestro deseo inalcanzable, de forma que cuando, por fin, se posee, el deseo pasa a un objeto diferente, configurando lo que denominamos pulsiones. El coleccionismo como ansia de poseer uno o varios objetos prescindiendo de su valor funcional, esto es, poseer por el hecho de poseer, sitúa la necesidad inconsciente en el ámbito del discurso íntimo, del dialogo con uno mismo a través de objetos e imágenes y, desde esta perspectiva, en un terreno cercano a un discurso artístico en el que productor y receptor son la misma persona. Nicolás Grospyerre (Polonia, 1975) presenta en su segunda exposición en la galería Alarcón Criado un uso sistemático de los dispositivos de colección como recurso creativo para estructurar la realidad, creando parcelas de información que, como siempre en la esfera posmoderna, tiene tanto de verdadero como de falso (falsas colecciones, objetos no originales y manipulados…), tanto de profunda necesidad psíquica como de ridícula obsesión. Los objetos e imágenes de Grospyerre no sólo prescinden de su valor útil, ni siquiera transmiten lógica alguna, y manifiestan sólo una irracional práctica en busca de algún desdibujado tipo de sentido, algo especialmente evidente en colecciones como las de objetos dobles naturales o recipientes de aire, grupos de objetos que nada tienen que ver entre sí salvo el hecho de haber sido agrupados, y, a través de ese acto, entrar en el ámbito del discurso. Su práctica fotográfica posee el mismo carácter, fría y distante, alejada de intención autoral y auspiciada en la idea de que toda fotografía consiste en la apropiación de una parcela del mundo. Sólo después del acto apropiacionista será cuando el discurso aparezca....