MÁLAGA, EN CUATRO OBRAS DE ARTE Sep05

MÁLAGA, EN CUATRO OBRAS DE ARTE...

La capital andaluza se posiciona como Ciudad de los Museos con las recientes inauguraciones. Un interesante panorama que añadir a su sólida oferta de ocio, gastronomía y playa, que la convierten en un destino imprescindible en cualquier temporada. Se suman las sucursales del Centre Pompidou de París, y del Museo Ruso de San Petersburgo. El Carmen Thyssen y el Museo Picasso presentan excepcionales exposiciones temporales, además de sus fondos estables. Seleccionamos cuatro obras para nuestros lectores. Louise Bourgeois. Spider, 1996 He estado en el infierno y he vuelto Museo Picasso, Málaga. 16 de junio a 27 de septiembre Las arañas de Louise Bourgeois nunca dejan de sorprendernos porque se acomodan a los espacios en los que se las aloja, adquiriendo su definitiva dimensión. La instalación de Spider (1996) en el patio del palacio de Buenavista, sede del Museo Picasso, es un acierto desde todo punto de vista pues la convierte en un objeto familiar, domesticado, desactivado de su carga maléfica. Cercano a la idea que la artista belga ha buscado transmitir con la serie de arácnidos que la ha hecho célebre, y que hemos podido ver avanzando por las calles y las plazas de Bilbao, Londres o la Ciudad de Méjico. Imagen de duplicidad en un concepto de maternidad, proyección de los traumas infantiles, como ocurre con el resto de su obra. La araña es fortaleza y fragilidad. La escultura más conocida de la serie se titula de hecho Mamá (1999), es protectora y depredadora, hermosa en su monstruosidad. Aquí en Málaga acoge a los visitantes como una bóveda en el distribuidor del museo, lo que permite que sea vista desde todas las perspectivas y todos los ángulos, aunque nunca completamente abarcada. La exposición de Louise Bourgeois, He estado en el infierno y he...

Pirómana de mentes Sep05

Pirómana de mentes

Licenciada en Bellas Artes. Cursó el Doctorado en Estética e Historia de la Filosofía en la Universidad de Sevilla. Dirige Animalario Tv Producciones; una plataforma de experimentación audiovisual. Risas en la Oscuridad es la obra que da título a la exposición que se ha realizado expresamente para ella en Sevilla y que es un homenaje a todos los arquetipos femeninos y a todas las brujas quemadas y resurgidas de sus cenizas Hoy día, una imagen vale más que mil palabras, María sabe bien de lo que hablo, su vida esta rodeada de imágenes y habrá quien se diga: ¡como la de todos!. Pero es que María vive, respira y sueña imagen, todo ella es un intervalo de sucesivas imágenes en movimiento; recopila, manipula y sube a la red con la intención de hacer mella en cada uno de nosotros, nos quiere hacer arder, ella es la mecha. Quiere implantar una idea. La idea que mueve masas, mundos. La que los puede hacer cambiar, rodar en un sentido u otro, pero sin privar de movimiento; la que grita a la vez que pasan los fotogramas: ¡¡piensa!! ¡¡actúa!!  ¿Quién es María Cañas? Soy un misterio dentro de un enigma, dentro de un acertijo. Ni yo misma sé quién soy. Muchas veces me pesa ser maría cañas, preferiría ser María Coñas. Soy trabajo, sacrificio y entrega al arte. Me encuentro psicológicamente obsesionada, abducida por la pasión creativa y casi no tengo vida personal. En ocasiones me gustaría desaparecer. Siento que vivimos acelerados y confundidos. Hago arte porque necesito un lugar en donde sea lo que no es. Me siento posgenérica, posmariana, marciana y marrana. Digo marrana porque lo que me interesa es el arte porcino. Esta es mi declaración de principios: si del cerdo puede aprovecharse todo,...

Estrategias de la desobediencia Jul27

Estrategias de la desobediencia...

El CAAC acoge hasta el 11 de Octubre la exposición Risas en la oscuridad de la artista sevillana María Cañas, inscrita dentro de la sesión expositiva Mal de archivo. Vídeo, collage y objetos se alternan en una muestra donde la apropiación y reasignación de significados intenta reflejar, criticar y subvertir, nuestra realidad social y tecnológica de forma irreverente, violenta y, en definitiva, transgresora. María Cañas (1972, Sevilla) posee ya un recorrido a sus espaldas como artista del desorden, en combate perpetuo contra el pensamiento dominante y sus formas de difusión. Cañas es una agitadora que nos muestra la realidad que conocemos, o al menos intuimos, desde una perspectiva repleta de ironía y feroz crítica, cuya estética bascula entre la compleja sensualidad de la imaginería barroca y una sencillez de origen dadaísta filtrada por el Doityourself más punk. La amplia muestra que ofrece el CAAC reúne un grupo de 13 piezas audiovisuales y 163 collages, con los que la artista pretende extrapolar las idiosincrasias y esquizofrenias locales de su Sevilla natal a un imaginario global cada vez más fugaz, que se reproduce caóticamente desde la virilidad de ese lugar donde la realidad se ficcionaliza y las ficciones acaban deviniendo reales, y que llamamos internet. La exposición recoge  gran parte de la producción videográfica más reciente de la artista y obras que vemos por vez primera (Risas en la oscuridad, La mano que trina, Al compás de la marabunta y Al toro bravo échale vacas). Todas ellas hacen de la apropiación y el foundfootage su razón de ser, planteando un honesto ejercicio de reciclaje muy pertinente en nuestro tiempo, ya inundado de imaginarios que nacen del caos visual y se multiplican incontrolablemente. Y sin embargo el ejercicio de apropiación en Cañas nunca es puro, sino que...

ARTE EN CUBA.TREMENDO PANORAMA III Jun27

ARTE EN CUBA.TREMENDO PANORAMA III...

Es sorprendente la frecuencia con la que los escritores cubanos reúnen colecciones ideales de arte en sus artificios literarios. Reconstruíamos en pasadas ediciones la de Wendy Guerra y no podemos resistirnos a prolongar con Leonardo Padura, que es uno de los más importantes autores de novela negra en español. La acumulación de pinturas que propone en Herejes para la casa de unos refinados burgueses, es paradigma de un gusto exquisito, pero también de la histérica condición de una sociedad que permanece atrapada entre la hipótesis del socialismo, y la realidad de las tensiones provocadas por una reducida clase emergente, constituida por afectos al régimen, artistas, cuentapropistas y receptores de fondos exteriores. Servando Cabrera Moreno, 1923. Julio Antonio en Obispo. El pintor fetiche que todos desean poseer, aunque nosotros nos resistimos a alguno de los efebos desnudos y muy bien dotados que quiere ver Padura. En realidad el cuerpo masculino -y la demostración de su vigor- es uno de los temas preferidos de Cabrera, como lo son también sus series sobre revolucionarios, los retratos populares o la idealización de las formas femeninas. Una fundación con su nombre se encarga de preservar y exhibir el legado de un autor que viajó por todo el mundo en contacto con las vanguardias. Raúl Milián, 1914-1984. Abstracción, 1954. Compañero y discípulo de Portocarrero, autodidacta. Sus trabajos con tintas son depurados y minimalistas, explorando la vanguardia desde el aspecto más dependiente de las influencias exteriores. Hábil constructor de geometrías y trazos, sus apuestas hacia lo figurativo son siempre  visiones borrosas de la realidad, rastros imprecisos de la ciudad, esquemas humanos o vegetales. René Portocarrero, 1912-1985. Retrato de Flora nº 23, 1966. Los retratos de mujer, inexpresivos como si fueran vírgenes o diosas, se destacan en un concierto de líneas repujadas...

UN FULGOR DE ORO EN EL TRÓPICO Jun21

UN FULGOR DE ORO EN EL TRÓPICO...

La sociedad cubana tiene muchas caras que se revelan al viajero curioso: una furiosa necesidad de expresarse mediante la música, el vestigio de antiguos esplendores, la modernidad que irrumpe imparable en medio de tantas restricciones. Ernesto Rodriguez es un personaje singular en una ciudad distinguida, su trabajo es brillante, diferente a lo que se puede encontrar en otros talleres. Premiado en España, continúa con su análisis sobre la fuerza de la imagen en la sociedad de la información. La mirada del viajero sorprende, bajo los soportales de la avenida principal de Cienfuegos, un brillo de iconos bizantinos, todo lo contrario de lo que uno esperaba encontrar en Cuba. Al acercarse se puede comprobar que más allá de la técnica -minuciosa y precisa- las tablas están prostituidas con la incorporación de imágenes pertenecientes a la cultura pop, Spiderman, Bob Esponja, Superman. Estamos en el Estudio Voynich, el taller de uno de los pintores cubanos de la última generación. Ernesto Rodriguez traza su trabajo sobre el contrasentido, a nadie se le podría ocurrir –si esto no fuera así- utilizar el pan de oro como base de sus composiciones, cuando la carencia de materiales en la isla es extrema y obliga a los artistas a ingeniar mil argucias, siempre dependientes del voluntarismo de los amigos y la premura de los encargos. No es un pintor desconocido en España, ha vivido en Madrid, Granada y Barcelona. Durante su estancia en nuestro país, fue ganador del Premio de Pintura de Fuente Álamo 2010,  con su obra La Virgen y Spider El Justo, una sorpresiva conjunción de técnica y subversión. Pasó una temporada en Berlín. De su periplo de seis años por Europa han quedado ocho exposiciones y la impresión del conocimiento, el acceso a ese universo de imágenes que es...

ISABEL CHIARA: DEVORADORA DE IMÁGENES Jun14

ISABEL CHIARA: DEVORADORA DE IMÁGENES...

Andaluzas del mundo del arte actual Nerviosa y perdida llegué hasta la entrada del estudio donde Isabel Chiara me encontró mirando el gps, intentando dar con la puerta adecuada. La entrada hacia su estudio da a un pequeño patio que invita a té, charla y arte. Antes de empezar, me muestra el lugar, nos tomamos un momento, acaricio al gato que dormita frente a su ordenador, fumamos un cigarro y entramos en calor hacia la conversación. Desde la primera vez que hablé con Isabel Chiara, gran artista sevillana del collage y el gif animado, disfruté de su obra y de la riqueza de su conversación y me pregunté: ¿Quién es Isabel Chiara? Isabel se encoge, piensa y se ríe ante la pregunta, ya que afirma que es difícil saber quién es Isabel Chiara. Soy una persona que busca comunicarse a través de la expresión artística con el propósito, la necesidad, de expresar con profundidad y rigor; el arte ha sido siempre una constante, he estado de una forma o de otra muy relacionada con el mundo artístico. Mi fuente de inspiración es la obra de grandes artistas plásticos o literatos, su forma de ver el mundo y cambiar en sus obras, han hecho que pudiera crear mi propio mundo, porque siento que nunca me ha gustado el mundo en el que vivo. El collage ha sido una constante en la vida de Isabel Chiara. Estudió diseño gráfico dentro de las Artes Aplicadas, le abrió camino hacia el mundo editorial donde realizó trabajos de periodismo. Una mujer multidisciplinar que ha trabajado la ilustración, el diseño y la escultura. Cuando se centró en el diseño gráfico fue la puerta que le dio paso al mundo audiovisual, desembocando finalmente en su trabajo actual como artista del collage...

ARTE EN CUBA.TREMENDO PANORAMA II Jun14

ARTE EN CUBA.TREMENDO PANORAMA II...

Continuamos visitando el arte cubano de la mano de una de las más destacadas escritoras y blogueras de la última generación de la isla, esta es la segunda parte de una colección imaginaria extraída de la literatura, con la que intentamos provocar una impresión más que un catálogo. Mientras se desarrolla la 12ª bienal de Arte Contemporáneo de La Habana, con obras e instalaciones dispuestas por toda la ciudad y gran participación popular queremos sumarnos al tono de la muestra con la nuestra, hipotética. Una visita del personaje protagonista de Nunca fui primera dama, de Wendy Guerra, al Museo de Arte Contemporáneo de Cuba será la que destaque a otros artistas de esta colección de pintura cubana que estamos recreando para nuestros lectores. Hemos investigado sus carreras y elegido algunas obras que destacamos en un artículo anterior y que continuamos aquí a la manera de la colección imaginaria que podría colgar en los muros de la morada de un caprichoso cubanófilo. Tania Bruguera, 1968. Estadística, 1996 Tania Bruguera es performer, quizás la disciplina artística más difícil y más incomprendida. Al provocar, incomoda, y eso es motivo de censura entre los criticados y de irrisión entre los ignorantes o los curiosos. Comenzó 2015 con una acción en la plaza de la Revolución que fue cancelada por las autoridades, nadie consiguió dar sus opiniones sobre el deshielo de las relaciones con EEUU en el micrófono instalado a tal efecto. La bandera nacional, confeccionada con pelo natural, aportado por distintas personas tiene efecto como imagen, como concepto y como proceso. Alejandro Aguilera, 1964. Sin título, 2001. Lo que más nos interesa de este artista son sus esculturas hechas con reciclados, y sus instalaciones, porque son totémicas, e intentan convertir esa madera primigenia en imágenes telúricas que prolonguen la...

ROCÍO GARCÍA, EN TORNO A LA ERÓTICA Y AL PODER Jun06

ROCÍO GARCÍA, EN TORNO A LA ERÓTICA Y AL PODER...

La 12ª bienal de La Habana arrancó hace dos semanas con la fuerza y la vitalidad de un acontecimiento único, alejado de los mercados que suponen Miami, Basilea o Madrid, es una oportunidad única para comprender las evoluciones y claroscuros de una sociedad que construye su futuro. Con una formación clásica, entre La Habana y San Petersburgo, obra expuesta en todo el mundo y un gran éxito en Estados Unidos, hemos tenido la oportunidad de conocer con Rocío García su instalación para la muestra, en la que lleva meses trabajando. Encontrábamos a Rocío García de la Nuez en su casa-estudio del Vedado, preparando ilusionada su trabajo para la duodécima bienal de La Habana, que se desarrolla en estos días -22 de mayo a 22 de junio- bajo el lema Entre la idea y la experiencia. Se trata de una panoplia de 32 lienzos que deberán exponerse juntos y que combinados componen 6 páginas de un inmenso cómic que lleva por título The mision, una forma de relato que está en el espíritu de toda la obra anterior de la pintora cubana, formada en la prestigiosa Academia de las Artes San Alejandro de La Habana, en donde se desempeña como profesora, y en la Academia Bellas Artes Repin de San Petersburgo. Desde sus primeros trabajos Rocío ha elegido la narración transversal como motor de sus series. Se trata de símbolos, personajes o atmósferas –casi siempre compuestas a través de la luz y los encuadres- que saltan de un cuadro a otro formando un relato; fuera de este, los lienzos aislados se dotan de matices enigmáticos que el contemplador debe articular en su cabeza como si se tratara de lo incompleto de un puzle. Una visión cinematográfica, enredada en el fotograma, la secuencia y la acción, que...

ARTE EN CUBA.TREMENDO PANORAMA I May29

ARTE EN CUBA.TREMENDO PANORAMA I...

Comenzamos con este artículo un acercamiento a la cultura en Cuba, con una serie dedicada a la pintura y las artes plásticas; ahora que se inaugura en La Habana la bienal de Arte Contemporáneo, cita ineludible para los profesionales y los apasionados. Nos dejamos guiar por una aficionada para acercarnos a la obra de los más destacados pintores cubanos, apartados –nosotros- de la mirada de los expertos y de las opiniones ortodoxas. Wendy Guerra es una escritora de la penúltima generación isleña, en su novela Nunca fui primera dama nos ofrece el atisbo de un museo personal que podemos reconstruir desde la libertad que nos da la literatura. Las pinturas a las que se refiere se las encuentra la protagonista en casa de un amante, en París, y se queda sorprendida por la construcción en la ciudad del Sena de una muestra de representantes de la vanguardia caribeña. Servando Cabrera Moreno, 1923. Rómulo y Remo, 1981. Lo que más nos llama la atención de Servando son las imágenes de cuerpos entrelazados, vistas como al través de un vidrio coloreado, azul en este caso, que caracteriza la mayor parte de su obra en la que hay retratos de mujer con los cabellos enlazados de flores, y hermosos guerrilleros. Los desnudos como este son delicadamente eróticos en su fragmentación y muy representativos de su pintura. Amelia Peláez, 1896-1968. Bodegón, 1958. Comprometida hasta la muerte con la Revolución, sus cuadros se asemejan a vidrieras, con colores planos separados en celdillas y representaciones que están entre lo naif y lo cubista, acercándose a la abstracción. Se dice que su inspiración viene del cromatismo de los arcos de medio punto acristalados, propios de las casas de la isla y por lo tanto del sol. Es la autora del mural del...

Mar y literatura: el noviazgo extraordinario May07

Mar y literatura: el noviazgo extraordinario...

Desde el 15 de abril, en el Museo Naval de Madrid, podemos asistir a una preciosa exposición: Hombres de la mar, barcos de leyenda. Arturo Pérez Reverte, escritor y académico, es el comisario y promotor de la muestra. Su amor por el mar, la navegación y la literatura, se dejan notar en cada uno de los espacios dedicados a barcos (reales o pertenecientes a una obra literaria y, por tanto, pertenecientes al mundo de la ficción), a marinos o a una etapa de la historia en la que el barco fue fundamental. Barcos que nos hacen recordar momentos inolvidables como el Victoria de Juan Sebastián de Elcano o el Titanic. Y barcos que nos hacen recordar esas lecturas que nos llevaron a lugares remotos, misteriosos y llenos de aventuras, como el Pequod de Moby Dick o el barco capitaneado por Jim Hawkins con el que descubrimos La isla del tesoro, el Hispaniola. El museo Naval de Madrid es, posiblemente, uno de los mejores museos de Europa dedicados al mar, a los barcos y a la historia que funde ambas cosas en el tiempo. Y -¡qué paradoja!- está en Madrid, una ciudad que tiene la costa a cientos de kilómetros de distancia. El que escribe tuvo la gran suerte de realizar la visita acompañado por uno de los guías voluntarios de la institución. Cada mapa, cada lienzo, cada pieza, cada cañón, es motivo de explicación, de una charla verdaderamente agradable. Un nutrido grupo de voluntarios preparadísimos, son los encargados de mostrar a los visitantes esta exposición y el resto del museo. Merece la pena contar con ellos. La exposición Hombres de la mar, barcos de leyenda sirve para hacer un recorrido por la historia. Desde Grecia hasta nuestros días. Pero, también, para realizar un recorrido...

MUERTE Y CRUCIFIXIÓN. LA PASIÓN SEGÚN PAUL DELVAUX Mar24

MUERTE Y CRUCIFIXIÓN. LA PASIÓN SEGÚN PAUL DELVAUX...

El Museo Thyssen de Madrid dedica una exhibición a un artista singular. Está hilvanada en torno a oportunos ejes temáticos que nos ayudan a entender su particular poética y acercarnos a una producción inquietante. Destaca la poderosa iconografía construida en torno a la Pasión de Cristo, polémica en el momento de su presentación, pero que podemos contemplar hoy bajo la luz de la espiritualidad o de la simple belleza plástica. En 1954 Paul Delvaux presentaba su Crucifixión en la bienal de Venecia desatando un escándalo monumental. Lo promovió el cardenal Angelo Roncalli, Patriarca de Venecia, que ascendería más tarde al Santo Solio con el nombre de Juan XXIII, por considerar esa obra herética y blasfema. El artista se defendió de las acusaciones diciendo que la idea de sacrilegio nunca había estado en su cabeza, sino que había sido puesta en la mirada de otros. El pintor decía buscar en los esqueletos una apariencia de misterio medieval, quizás profano, pero nunca profanatorio. Afirmó que había representado a los personajes sagrados como osamentas porque estas magnificaban la estructura misma de la vida con todas esas líneas, admirables como jaulas, a través de las cuales pasa una luz vivificante. Quizás no sea uno de los cuadros con los que más identifiquemos a su autor, pero es indudablemente una de las obras más poderosas del arte contemporáneo por su expresividad, por la resolución de sus colores, por el equilibro –efectivamente- entre lo sagrado del tema y lo profano de su tratamiento, así como por la intención cubista de su composición. Delvaux toma el esqueleto ciertamente de la iconografía barroca y medieval, se acerca a él con sus visitas a los museos de Historia Natural y profundiza en la creación de danzas macabras, descendimientos y santos entierros, además de...

Oysia: des-ocultar el cuerpo Mar24

Oysia: des-ocultar el cuerpo...

El Espacio GB (Facultad de Bellas Artes, Sevilla) inauguró el pasado jueves la primera muestra individual de la artista Mar Gascó (Tenerife, 1988), Oysia, un proyecto que nace del interés por explorar el cuerpo propio y los propios sucesos, pero que termina involucrado en la mirada, distante y analítica, que la ciencia arroja sobre el mismo. La exposición podrá visitarse hasta el 17 de Abril. En las dos últimas décadas el arte se ha abierto, definitivamente, a todo el presente que lo rodea, absorbiendo cualquier transformación en las dinámicas sociales y existenciales así como los continuos cambios tecnológicos; persiguiendo, incluso, formas de intuir el futuro de forma similar a como lo hace la ciencia, con la que tiene una cada vez mas estrecha relación. La obra de Mar Gascó, como la de otros artistas coetáneos, se nutre de procesos científicos y plásticos en la misma medida, forjando desde esta hibridación un discurso sobre la propia identidad y el cuerpo como su más palpable manifestación. Un cuerpo cuestionado y repleto de yoes, mutable y nunca definido, aunque indisolublemente unido a la experiencia vital y sumergido en sus propios mecanismos biológicos, a menudo desconocidos y desconcertantes. La obsesión por lo corporal en Gascó nace de su propia biografía, marcada tanto por el trauma físico y psicológico, como por un ciclo vital entre pasillos de hospital y operaciones de cirugía estética. Nace del contacto directo con el bisturí y los laboratorios, de la percepción sobre su cuerpo como algo extraño y modificable. Una forma de observarse que recrea el acontecimiento íntimo y personal, pero bañado por la fría luz que encontramos entre las blancas paredes de una consulta médica. De la misma forma, sus complicados procesos artísticos, que a menudo necesitan de infraestructura científica, parten de una...

Iconografía de la sinrazón Mar10

Iconografía de la sinrazón...

La iconografía nos remite a la representación de las imágenes de diferentes épocas para hacernos una idea acerca de la estética pero ¿qué ocurre cuando esta es destruida o se intenta borrar su rastro para siempre? Hace unas semanas que se difundió un episodio más, escenificado en el Museo de Mosul. Resulta difícil encontrar explicaciones a todas las expresiones de violencia. Cualquier esbozo de razonamiento suele verse entorpecido por toda una serie de sensaciones que nos dificultan intentar desentrañar la información ante la que estamos. Se ha escrito mucho acerca de este triste episodio y los videos que muestran las obras -sean todas originales o no, como se ha deslizado en algunos medios- siendo destruidas han volado por las redes sociales. No puedo evitar preguntarme por qué somos más sensibles ante estos hechos que ante la continua vejación de derechos humanos existentes en los diversos conflictos armados que asolan el planeta. No sé con exactitud si se debe a que estamos insensibilizados por el constante goteo de tragedias humanas que vemos con indolencia día sí día también o si, por el contrario, se debe a que nos resulta más fácil poder digerir un video de este tipo e indignarnos. Desgraciadamente, atentar contra el patrimonio cultural está ligado a la civilización, al igual que la violencia, el odio y el hecho de tener unas creencias, ya sean religiosas, económicas o raciales, que nos empujan a justificar lo sensatamente injustificable. Sucesos como los del museo de Mosul se llevan repitiendo desde los inicios de la sociedad y tampoco hay que remontarse mucho para recordar algunos similares como la voladura de los budas de Bāmiyān, en Afganistán, o la destrucción del puente de Mostar durante la guerra de la antigua Yugoslavia. La demolición de los símbolos ha...

Colección Aladar de arte contemporáneo. Arco 2015 Mar03

Colección Aladar de arte contemporáneo. Arco 2015...

Más de 600.000 € gastados en un solo día (imaginarios o virtuales si lo prefieren), en la visita a una de las ferias de arte contemporáneo más importantes del mundo, marcarían la irrupción de nuestra revista entre los grandes coleccionistas españoles, en una edición sin extravagancias. Nos presentamos en ARCO y tiramos la casa por la ventana Constituimos un museo virtual para nuestros lectores, irá creciendo, e informaremos puntualmente sobre su cotización. ARCO 2015 se desarrolla entre las quejas por el IVA cultural que arroja a los galeristas españoles bajo los pies de los caballos. Rafael Díaz, ANTIRRETROVIRALES 1, 2011. Fotografía montada en metacrilato, 1/5 + 2AP. 148 x 200 cm GALERÍA ÁLVARO ALCÁZAR, Madrid. 15.000 € Una obra de arte global donde se conjugan belleza plástica y técnica impecable. Se anticipó a la realidad en una investigación profundamente social sobre la asequibilidad de los medicamentos y el precio de la salud. El artista es también médico, salvadoreño, afincado en España desde hace catorce años. La honestidad del trabajo y su carisma, sitúan la imagen entre lo mejor de la feria. Son envases de medicaciones contra el VIH bajo campanas de vidrio. Julian Opie, CARP, 2014. Pantalla LED. 168 x 168 x 11,7 cm. GALERIA MARIO SEQUEIRA. Lisboa. 117.000 € En todos los corrillos se habla de él como del mejor stand de la edición. Los vecinos portugueses demuestran que son modernos en el sentido más profundo de la palabra: elegantes, innovadores y refinados. Apuestan con firmeza por un autor, arriesgándose; presentan una muestra espléndida de la que nos lo hubiéramos llevado todo. Hemos tenido que elegir, pero no hemos podido resistirnos a tres piezas. Ésta simula un banco de carpas -luminosas y minimalistas- que producen un efecto excepcional. Julian Opie, PEOPLE 18 (TBC),...

PINTURAS ACADÉMICAS DEL SALÓN DE PARÍS. MUSEO D’ORSAY Mar03

PINTURAS ACADÉMICAS DEL SALÓN DE PARÍS. MUSEO D’ORSAY...

La Sala Recoletos de la Fundación Mapfre en Madrid ofrece hasta el 3 de mayo una exposición que en su conjunto y concepción podría parecer carente de lo esencial y es que, tal vez, falta algo de sal o estilo en este planteamiento, quizás demasiado convencional. No obstante, algunas pinturas las salvaríamos sin duda, de la quema. Aladar se lo desgrana. Canto del cisne: dícese de la última obra o acción de una persona; también, y a pesar de que el cisne no canta ya que tan sólo emite un ronquido sordo, existe una leyenda de la que se hicieron eco Marcial y Virgilio, según la cual el animal emite un bello sonido como premonición de su muerte. Aclaramos estos términos por el hecho, tal vez decepcionante, de la propuesta que realiza la Fundación MAPFRE con respecto al concepto, pues se trata de un conglomerado de cuadros (donde siquiera, de diez a quince, responden menos claramente de lo que pudiéramos creer a la idea que tenemos del museo parisino, conocido por el gran público al albergar grandes obras impresionistas) provenientes de un entorno al que no pertenecieron grandes pintores de la época como Degas o Auguste Renoir, y, por lo tanto, cuyo nexo estilístico es la pertenencia de sus autores a una institución que nos figuramos, resulta parecida en su recorrido a la de los pintores que van por el Prado intentando copiar detalles de lienzos clásicos de Velázquez, Goya o Rubens; labor que, por otro lado, es menos desdeñable de lo que parece. Muchos de estos lienzos están además ejecutados sobre tabla, lo que quizás los haga susceptibles de encontrarse en el salón, sí, pero de la casa de un amigo. En todas las obras encontramos un dominio claro del dibujo sobre el...

Hagan juego Feb25

Hagan juego

Espacio California apuesta “Todo al rojo”, una exposición de trabajos recientes de Srger que podrá verse hasta el próximo 26 de febrero en este joven espacio sevillano. Exponer siempre supone un reto para cualquier artista pero resulta aún mayor cuando la trayectoria del mismo se desdobla entre la calle y la galería. La de Srger se configura desde el grafiti, siendo uno de los escritores más originales de la ciudad, y el estudio, donde desarrolla una actividad que abarca diversos campos como la fotografía, la instalación, el diseño o la pintura. Ambos aspectos confluyen en sus obras por lo que quizás, cuando uno ve los resultados surge la duda de cuánto hay de cada ingrediente en lo que vemos. La presentación del trabajo como apuesta se podría leer en varias líneas. En primer lugar un paso hacia delante para exponer sus últimas creaciones en solitario, puesto que lo que había venido exhibiendo hasta el momento había sido formando dupla con Lolo, con quien ha estado desarrollando un interesante mezcla entre las figuración y la geometría. Por otra parte está el guiño a los colores, rojo, azul y amarillo, como elementos del medallero olímpico, su asociación con el concepto de tiempo y la posible representación gráfica del mismo. Lo primero que salta a la vista es la renuncia a desarrollar sus creaciones dentro de los límites  acotados del lienzo o el papel, por lo que muchas de las obras se ven complementadas con trazos que se extienden por las paredes. Las propuestas de Srger tienden puentes, juegan, con el lugar en el que se enmarcan: junto a una columna surge otra y los huecos hacen las veces de marco de las composiciones. Un juego de mímesis y dotar de nuevos usos que sobrevuela el trabajo...

Violencia del objeto y residuos de una combustión social...

Reciente ganador de la beca Sevilla es talento, que otorga el Ayuntamiento de Sevilla en colaboración con la Fundación Valentín de Madariaga, Manuel Casellas presenta su primera exposición individual en Sevilla en la galería Weber-Lutgen. Una ocasión excepcional para acercarse al trabajo de uno de los creadores andaluces más interesantes y sorprendentes. Manuel Casellas es un tipo muy «sevillano» en la mejor acepción del «adjetivo», desprendido de cualquiera de los tópicos que a menudo nos identifican en esta ciudad (excepto de un beticismo que comparte quien suscribe), pero con la cercanía, desparpajo y accesibilidad que también nos define. No es la primera vez que hablamos de arte en torno a un café, pero aun así resulta extraño tratar de entrevistarlo. Son muchas las cosas en Casellas que se apartan del estereotipo, desde su trabajo, desconcertante en el panorama escultórico sevillano, hasta su primer acercamiento al arte y la educación artística, tardía según cánones, aunque quizás por ello madura desde el comienzo. «Podría acudir al tópico de que mi padre dibujaba mucho, es lo cierto, pero no creo que aquel fuera el origen de nada. Pasé por estudios de todo tipo y siempre me atrajo el dibujo técnico, por el orden, cuidado y limpieza que requiere. Acabé en la facultad de bellas artes de Sevilla, pensando en hacer diseño, pero allí contacte por primera vez con la escultura. Tenía 25 años y las ideas muy claras. Mi acercamiento al arte se produce a través de la materia y mi interés por las formas, siempre he tenido facilidad por el diseño  y quería investigar  desarrollándolo en el espacio, por ello me acerqué muy pronto a la obra de Oteiza y Chillida». Hemos bromeado alguna vez con que su obra no parece provenir de una ciudad en...

La conjura de la feminidad Feb25

La conjura de la feminidad...

Rodeada de Sátiros y Diablos se ve la ninfa; en las gratas mentes de los que saben andar entre el bien y el mal, siempre con una sonrisa, la ninfa disfruta del paisaje y el camino, de la charla y el conocimiento de unas mentes tan hermosas… su compañía es adictiva, tanto que no caerá en la cuenta que ella misma se convierte en diablo poco a poco en el transcurso del camino entre Sátiro y Diablo… azules, verdes, marrones o grises… se dibujan los caminos de Dafne… (Lola Montiel) ¿Por qué veintiún siglos después, la mujer “des- ninfa –da” sigue sin desacreditar el mito de Dafne y Apolo? Ariadna Pedemonte, Rosacruz Trigo y Lola Montiel se disponen a hacerlo con pistoletazos de arte desde el Espacio SUBLIMA, Asociación cultural, estudio y galería, que han conseguido fundar sin intercesiones. El malentendido comenzó con Ovidio, cuando en el libro I de su Metamorfosis nos describió el papel de una fémina, hija de Gea (madre tierra) y de su puñetero padre, Peneo (dios de los ríos) como prole de los dioses; sujeta a los designios de la naturaleza; y, simple objeto de deseo de los hombres. Tanto es así, que Dafne es perseguida por Febo (Apolo), porque Eros (Cupido) le había lanzado a él una flecha, que causaba amor, y a ella otra, que lo ahuyentaba del mismo. La ninfa le suplica a su padre que cambie su figura y éste va y le convierte hasta la eternidad, en árbol de laurel, al que Apolo promete adorar y hacer uso de sus brotes verdes, para condecorar las cabezas de los hombres honorables. Desde entonces, la imagen de la mujer perseguida y paralizada por la masculinidad se convirtió en una especie de conjura de necios que, en 2014,...

MARÍA JOSÉ CUMBRERAS, ALMA Y ESPÍRITU DE MARRAQUECH Feb10

MARÍA JOSÉ CUMBRERAS, ALMA Y ESPÍRITU DE MARRAQUECH...

Imagen: Panorámica de Djema-el-Fna Es un dédalo de calles donde la trama urbana se esconde en retazos de pasado y atisbos del futuro: vendedores, patios, jardines, sonrisas, carros, celosías, motoristas, montones de basura, teléfonos móviles, gatos y naranjas. Para los bereberes es “La tierra de dios”, allí se encuentra el norte con el sur, el desierto y los vergeles, las montañas con la llanura; la miseria, con una opulencia milyunochesca. Una pintora andaluza es parte y señal en la encrucijada. En su atelier de la medina, María José Cumbreras está terminando una pareja de lienzos encargados para decorar el riad de unos potentados suizos, son dos vistas diferentes del alminar de la Kutubía desde los jardines del Consulado de Francia. Los pinta aislada en su terraza del barrio de Ben Salah. Cuando llegó a la ciudad y se enamoró, hace catorce años, buscó ávidamente la vida de las calles y los pasajes de la kasbah para retratar trozos de vida. Luego, con el devenir del tiempo, sus composiciones se han ido haciendo más distantes, más espirituales, tomadas desde el apartamiento. Efectivamente, en estos años la pintora onubense ha ido penetrando en el alma intangible de Marraquech, profundizando en los motivos por los que esa escenografía, engañosamente inmutable, ha sido capaz de dar a la luz la intensidad de su paisaje urbano. Investigando en los orígenes después de hacerlo en sus consecuencias. De la primera época quedan fragmentos de un realismo social que la acercan a Claudio Bravo como el tríptico Los chicos de Merzuga, unos adolescentes con sus bicicletas entrevistos ante el vacío del desierto; o Las Puertas de la Vida, una composición muy personal, una fantasmagoría de personajes que acompañan una maternidad. Entre sus últimos trabajos, las panorámicas de Marraquech son espectaculares, se apoyan...

22 veces 100% Feb03

22 veces 100%

Imagen: Salomé del Campo.Durmiente y escaparate.2010-11 El Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla acoge, hasta el 5 de marzo, “Múltiplo de 100”, una exposición que cuenta con obras de Salomé del Campo, Victoria Gil y Pepa Rubio bajo el comisariado de Mar Villaespesa. Múltiplo de 100 es una revisión de 100%, un proyecto encargado por la Consejería de Cultura en 1993 con objeto de promocionar el trabajo de las artistas andaluzas en el marco del Día de la Mujer Trabajadora. De aquella iniciativa primigenia han salidos dos revisiones: Múltiplo de 100. Archivo feminismos post-identitarios, basado en la evolución del discurso feminista en las últimas décadas y la muestra que alberga el CICUS, centrada en obras de tres artistas que participaron hace más de veinte años en aquella exposición. La primera planta del antiguo convento contiene una generosa selección de obras, así como material de documentación para las mismas, bocetos y pruebas. Se agradece poder complementar los resultados finales con los procesos de creación, siendo de esta forma posible ver la transformación del modelo original en obra y enlazar con el trabajo en el taller, o de campo, de las artistas. Salomé del Campo parte de un realismo casi atemporal. Mediante el uso de tonos terrosos nos evoca una dignificación del trabajo que recuerda a aquellas esculturas de Meunier. El tríptico Telón alberga una segunda lectura sobre la asunción de roles o el uso del recurso del trampantojo como elemento que construye la realidad dominante. Obras como Jugando a la guerra o Durmiente y escaparate generan un acertado contraste entre la calma representada y lo que supone contemplar el fondo de la cuestión desde su evocación social o histórica. Los elementos preparativos para el mural La Nave, en una clave casi escenográfica,...

Una (de)construcción del paisaje Ene20

Una (de)construcción del paisaje...

Hasta el próximo 29 de marzo podrá visitarse “La construcción social del paisaje” en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, una muestra que aglutina a más de una treintena de artistas. Los fondos del CAAC, la Colección DKV y la Nueva Colección Pilar Citoler aportan las diversas ópticas desde las que se vertebra esta exposición. Recuerdo cuando, en la primavera de 2013, vino al Museo de Bellas Artes de Sevilla la exposición Rubens, Brueghel, Lorena. El paisaje nórdico en el Prado. Esas representaciones envolvían a quien las observaba, que se olvidaba por momentos de buscar el tema de la obra en cuestión, solo dejándose llevar por las atmósferas que sugerían las telas. Ahora el CAAC pone sobre la mesa una suerte de revisión con un título más que sugerente que puede ser analizado a través de diversos prismas: desde la reflexión sobre la acción antrópica a la historia que está imbuida en ciertos lugares, que nos habla de su devenir histórico marcado por la relación ser humano-naturaleza. Sobre la base de Juan Nogué por la que el paisaje vendría a ser “el resultado de una transformación colectiva de la naturaleza y (…) la proyección cultural de una sociedad en un espacio determinado”, se edifica esta muestra. Por un lado tenemos el concepto de Historia, traducido en qué nos transmite un determinado lugar en función de su memoria como telón de fondo de diversos acontecimientos. La fotografía es capaz de captar la calma tensa que pueden evocar los emplazamientos de conflictos bélicos, como vemos en los casos de Eduardo Nave o Bleda y Rosa en Prontuario, un archivo de fotografías actuales sobre textos de época de la Guerra de Independencia Española. Proyecto Catherwood, de Leandro Katz, pone énfasis en la evolución de diversos monumentos prehispánicos...

EL ALMA CONDENADA DE BERNINI Dic09

EL ALMA CONDENADA DE BERNINI...

Una exposición en el Museo del Prado analiza los proyectos del artista en conexión con los encargos de la aristocracia y la monarquía españolas para la ciudad de los Papas. Nunca se había dedicado una muestra en nuestro país al genio italiano. Se puede ver por primera vez en España la escultura Alma condenada que refleja con toda crudeza el espanto de afrontar el infierno para toda la eternidad. Un retrato psicológico de tremenda intensidad, representativo del barroco. Tuve el privilegio de ver el Anima dannata en el Palazzo Monaldeschi de Roma, nuestra legación ante la Santa Sede y la Orden de Malta. El embajador, Eduardo Gutiérrez Sáenz de Buruaga, nos la señaló inesperadamente sobre una consola dorada. Estaba iluminada por un potente foco. Pudimos ver entonces el gesto de un rostro humano en el instante terrible, cuando prende en él la consciencia de su condenación eterna. Era el retrato mismo del horror, emergiendo de la penumbra barroca de la tercera antecámara. El busto es también un autorretrato de su autor, Gian Lorenzo Bernini. Ahora se da una oportunidad excepcional para que cualquiera pueda contemplarla junto con su compañera el Anima beata, que parece transportada al éxtasis al conocer el anuncio del paraíso. Son, sin duda, dos obras maestras de la escultura por la profundidad con la que el escultor supo captar las tensiones emocionales, capturar la violencia de las emociones y de los sentimientos congelada en un instante preciso. Las ánimas son un encargo del cardenal Pedro de Foix, probablemente para su tumba en San Giacomo degli Spagnoli y fueron talladas en mármol en torno a 1619. Son junto al busto del cardenal Scipione Borghese las obras principales -y lo único memorable- de una muestra menor, sin otras piezas destacadas, que a duras penas...

Cristina de Miguel: El poder de la pintura Nov11

Cristina de Miguel: El poder de la pintura...

© Fotografía de Naroa Lizar Lejos de su tierra natal y bajo el inspirador aliento de la ciudad de New York, la artista Cristina de Miguel viene construyendo desde la lejanía uno de los discursos mas interesantes de la pintura andaluza emergente. Clausurada recientemente su última exposición individual en Freight + Volume y en vísperas de una nueva presentación en New Jersey, la artista nos habla de su pasión por el ejercicio pictórico. Me dijo un amigo hace tiempo que Sevilla era una ciudad perfecta para hacerse pintor pero no para trabajar de ello. Una sentencia bastante cierta a tenor de las generaciones de artistas que vemos nacer en esta soleada ciudad que terminan emigrando a tierras mas fértiles. Luis Gordillo, Miki Leal o Rubén Guerrero son ejemplos de un fenómeno que se hace cada vez mas evidente, sobre todo si fijamos nuestra atención en artistas mas jóvenes que realizan prematuramente el mismo periplo. Este es el caso de Cristina de Miguel (Sevilla, 1987) no muy habitual en los circuitos artísticos sevillanos porque desde 2011 reside y trabaja en New York. Puede haber sido cosa del destino (o de pertinente perspicacia), porque la pintura de Cristina, sencilla y directa, difícilmente hubiese encajado en su ciudad natal, tan proclive al ornamento. Al menos no con la naturalidad que parece hacerlo en aquella gran urbe habituada tanto a las grandes gestas expresionistas como al minimalismo. En todo caso hemos querido saber más de su experiencia fuera de España, asunto muy común hoy en día para todo tipo de profesionales, y conocer de primera mano su amor y respeto por esa espontanea inmediatez de la pintura que todo lo permite. «Pienso que la pintura está más viva que nunca y que hay gente joven haciendo unas cosas...

Uniendo miradas Oct07

Uniendo miradas

Desde el 8 de octubre, Arpa (Asociación de Rehabilitación y Prevención de Afasia) expone, en sus instalaciones de Sevilla, las obras cedidas por varios autores con el fin de informar sobre lo que es la afasia, sus consecuencias y las posibles formas de atajar el problema. Otro objetivo de Arpa es recaudar fondos para la asociación y, de este modo, poder atender las necesidades de todas aquellas personas que padecen una secuela que les impide desarrollar una vida dentro de la normalidad. La exposición, lógicamente, tiene un carácter puramente solidario y Aladar se suma a la difusión de las intenciones de Arpa y a la de las obras expuestas. La muestra podrá visitarse hasta el próximo 31 de octubre. El lenguaje es la herramienta fundamental que tiene el ser humano a su alcance para poder convertirse en un elemento social. A pesar de existir diversas formas de comunicación, la palabra sigue siendo fundamental en la vida de las personas. Sin lenguaje cualquiera de nosotros quedaríamos excluidos del grupo sin remedio. Esta es la razón por la que una secuela como es la afasia se convierte en uno de los problemas más crueles que podemos imaginar. En España, unas 75.000 personas al año, generalmente tras sufrir un ictus o un traumatismo severo, pierden la capacidad de comunicación verbal con el resto de personas que forman su entorno. A eso se le llama afasia, un problema mucho más común de lo que se pudiera llegar a sospechar. Desde el día 8 de octubre, la asociación Arpa (Asociación de Rehabilitación y Prevención de Afasia) expone en sus instalaciones de Sevilla la muestra Rompiendo Silencios, una serie de obras donadas por distintos artistas que serán subastadas el próximo 31 de octubre al finalizar la exposición. Los fondos serán...

CÓMO DESCUBRIÓ AMÉRICA LA LUZ DE SOROLLA Oct07

CÓMO DESCUBRIÓ AMÉRICA LA LUZ DE SOROLLA...

La Fundación Mapfre de Madrid provoca una mirada notable sobre la carrera de Joaquín Sorolla en los Estados Unidos, una ocasión excepcional para ver reunidas obras que están dispersas por el mundo. La muestra pone en contexto el encargo para la Hispanic Society, en Nueva York, una de las embajadas oficiosas de la cultura española en el mundo, fundada por un enamorado de nuestro país y nuestras costumbres. Entre 1913 y 1919 Sorolla pinta la obra emblemática de su carrera artística, la Visión de España, para la biblioteca de la Hispanic Society of America, una colección de lienzos de grandes dimensiones que ofrecen un panorama de todas las regiones españolas. La serie se pudo ver en nuestro país en 2009 aprovechando los trabajos de restauración de la sede de la sociedad en Nueva York. Ese conjunto no se puede considerar aislado, sino que debe ser considerado en el marco de la intensa relación de viajes y de encargos que el pintor valenciano obtuvo en los Estados Unidos en los inicios del siglo XX; y eso es lo que hace la actual exposición de la Fundación Mapfre en su sala de exposiciones de Madrid. Sorolla había conocido a Archer Milton Huntington en Londres en 1909 y ese encuentro provocó dos exhibiciones sucesivas de sus cuadros en tierras americanas; para la primera, que recorrió Nueva York, Boston y Búfalo llevó trescientas cincuenta y seis obras que tuvieron un gran éxito de ventas que se reprodujo dos años más tarde en una gira por Chicago y San Luis. De ahí surgió el contrato para la Hispanic Society –fundada por Huntington-y la promoción del pintor como el artista español más célebre en los Estados Unidos, donde se consagrará como retratista de la alta sociedad. Antes de esta expansión...

El cielo replicante Sep23

El cielo replicante

En la película de Ridley Scott, Blade Runner, los replicantes (esos seres artificiales que eran capaces de todo y creían tener un alma como la de su creador) se revelan contra el hombre. ¿Tienen los objetos tecnológicos un cielo o un infierno? ¿Forman parte del cielo o del infierno de los seres humanos que tanto dependen de ellos? Daniel Canogar presenta Small Data, una pequeña muestra que puede lograr grandes reflexiones en los visitantes. «¿Sueñan los androides con ovejas electrónicas?» ¿Hay vida después de la desactualización? ¿Dónde va la tecnología cuando es retirada? Lástima que no pueda vivir, pero ¿quién vive?. La trascendencia existencial tecnológica ya existía a comienzos de los ´80, cuando se profetizaba en la película Blade Runner un mundo en el que los replicantes se volvían en contra de su dios, el hombre; un mundo tecnológico en el cada uno tenía su función y pronto pasaba a ser obsoleto; en definitiva, un mundo gris lleno de basura electrónica. Bienvenidos al reino del cyberpunk. El artista Daniel Canogar parece creer que sí hay vida después de que un aparato tecnológico deje de funcionar o simplemente sea sustituido por otro más moderno. Muchos reciclan -podría ser esta una manera de hacerlo-, pero va un poco más allá, busca reanimar lo inanimado. Incluso, su obra tiene un cierto carácter ético, existencial y, por qué no, espiritual; queriendo ir más allá de la muerte de dichos aparatos, les da vida y muestra sus secretos, recordándonos a todos que, en algún momento, tuvieron una funcionalidad y que nuestras vidas humanas no se podían concebir sin ellos. Pero Canogar no se un artista cyberpunk, sus obras son mucho más dulces, más naif, con el toque humano que tendría un replicante, sin sentimientos en sí mismo, pero capaz...

CARMEN, COLECCIONISTA DE BELLEZA Sep16

CARMEN, COLECCIONISTA DE BELLEZA...

La baronesa Thyssen-Bornemisza expande sus colecciones de pintura por todo el territorio español. El museo de la calle de la Compañía, en Málaga, es una joya de arte y arquitectura. Hasta mediados de octubre el museo presenta además exposición sobre uno de los artistas más destacados de la colección, el asturiano internacional Darío de Regollos. El nombre de Carmen Thyssen está marcado en nuestra historia cultural y ahí se va a quedar. Inevitablemente. Mientras que el de otras muchas personas o personajes que no nos abandonan en las redes y los medios de comunicación pasarán al olvido, fútiles. Afortunadamente será así. Carmen es una coleccionista del siglo XXI, acumula, disfruta y gestiona su patrimonio pictórico a la manera de los mecenas anglosajones. Muy activa en el mercado del arte -y suponemos que excelentemente asesorada- sus colecciones dejan ver, detrás, un espíritu insobornable, su gusto personal, riesgo en las decisiones y la voluntad férrea de articular sus museos sobre firmes ideas rectoras. Actúa también como prestamista, receptora y –en fin- divulgadora. El Museo Carmen Thyssen de Málaga es un buen ejemplo, un compendio de Arte Español, pequeñas obras maestras de artistas españoles activos en su mayor parte a partir del siglo XIX. Se une a sus gestiones para que la colección familiar se quedara en España bajo paraguas de la Fundación Thyssen-Bornemisza, a la muestra complementaria de su compilación personal en el madrileño paseo del Prado, a las obras depositadas en el Museo Nacional de Arte de Cataluña y al futuro museo de pintura catalana en San Feliu de Guixols. Con la colaboración de los organismos públicos –el Ayuntamiento de Málaga- y la cierta polémica que siempre los rodea, los fondos están instalados desde hace ya tres años en el Palacio de Villalón, en torno a...

El televisor de Picasso Sep09

El televisor de Picasso...

Una exposición en el Museo Picasso de Málaga analiza la relación y las influencias que el artista malagueño recibió con la generalización de las emisiones televisivas. Se muestran obras en conexión con el tema analizado, especialmente grabados pertenecientes a la serie de la Suite 347 además de audiovisuales de la época y algunas pinturas al oleo. En 1937 comenzaron las primeras retransmisiones televisivas en Francia y el Reino Unido. El desarrollo de este nuevo medio de comunicación -capaz de impactar por primera vez en las masas de una manera decisiva y simultánea- será vertiginoso. A pesar de los problemas tecnológicos y de los precios relativamente elevados de los aparatos receptores, la televisión será recibida  como un acontecimiento expansivo y global. Pocos son los estudios encaminados a analizar la colisión del nuevo invento con las artes del siglo XX, aunque queda claro, en orden a la evolución de los mundos plástico y escénico, que nada continuará siendo lo mismo. Aparece un nuevo lenguaje que lo modificará todo. Pablo Ruiz Picasso es uno de los primeros artistas globales a los que la televisión encumbra, promociona, utiliza y digiere, pero también influye. El pintor había recibido las primeras emisiones con el escepticismo de ver a personajes que no le decían nada, más tarde su esposa Jacqueline adquirió un aparato que instaló en la residencia de Nôtre-Dame-de-Vie, en Mouguins,  para entretener el tiempo que su marido dedicaba a trabajar. Poco a poco, el genio español fue encontrando retrasmisiones que le entretenían y le interesaban: primero fue la difusión de una de sus exposiciones parisinas, luego sería la boda de la princesa Margarita de Inglaterra; después vendrían el circo, las producciones que le transportaban a otras épocas –como la de la Francia de los tres mosqueteros de Dumas- y...

EL BANQUETE DE LOS VICTORIANOS. DÍAS DE VINO Y DE ROSAS Sep02

EL BANQUETE DE LOS VICTORIANOS. DÍAS DE VINO Y DE ROSAS...

La madrileña colección Thyssen-Bornemisza prorroga la exhibición de  las obras maestras de la pintura victoriana pertenecientes al millonario mejicano Juan Antonio Pérez Simón. Es una ocasión singular para estudiar una corriente que está ausente de los museos españoles. Algunos de los cuadros son obras maestras jamás vistas en nuestro país y representan en conjunto todas las tendencias artísticas, desde los prerrafaelitas hasta las primeros simbolistas. La primera vez que me enfrenté a Las rosas de Heliogábalo supe que me encontraba ante una imagen poderosa que no me abandonaría nunca. Fue en Ámsterdam en 1997 y fue casual. No conocía ni al pintor ni su obra, ambos se manifestaron súbitamente en la planta superior del museo Van Gogh reservada para las exposiciones temporales cuando ya tenía la mente saturada de pinceladas impresionistas. El gran óleo de Lawrence Alma-Tadema me fascinó por su gran formato, por lo novedoso de su concepción y el atrevimiento de la propuesta, por la calidad de la pintura y lo sugestivo del tema. Cuenta la Historia Augusta que el emperador Heliogábalo «empleó el toldo de una sala de banquete para hacer caer en abundancia violetas y otras flores sobre los cortesanos de tal manera que ellos, incapaces de salir a la superficie, murieron ahogados». En la Era Victoriana la pintura vivió un momento de auge en el Reino Unido. Se debió sobre todo al incremento de los coleccionistas, enriquecidos por la actividad económica, y deseosos de darse una pátina de cultura; también al desarrollo del mercado donde ganaron importancia las figuras de marchantes y galeristas así como a la vitalidad de las instituciones artísticas y de las academias. Durante más de cien años la pintura Victoriana –como sucedió con el estilo pompier en Francia o los historicistas españoles- quedó relegada al...

Un pequeño síndrome de Stendhal Sep02

Un pequeño síndrome de Stendhal...

El arte pop inundo el universo allá por los años 50. Warhol, Lichtenstein, Ritcher o Equipo Crónica, comenzaron a ordenar al arte mundial utilizando medidas nunca antes vistas. Ahora, en el museo madrileño Thyssen-Bornemisza, se puede visitar una exposición que, aunque deja un sabor agridulce y puede no cubrir todas las expectativas del público, merece la pena. Los más pequeños pueden tener un primer contacto con el mundo del arte al encontrarse con personajes que reconocen y con los que empatizan fácilmente. El Pop Art surge, durante la década de los 50, en Inglaterra y Estados Unidos como una reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, usando en contraposión imágenes de la sociedad de consumo y la comunicación de masas, dándoles un sentido diferente hasta lograr una postura estética crítica con el arte. La cultura Pop es el resultado de un estilo de vida, de la democracia, la tecnología, donde cualquier objeto deja de ser único para pasar a producirse en serie. Y surge un movimiento de estilo desnudo, mecanizado e impersonal, que eleva objetos cotidianos a obras de arte apoyándose en la estética. El dadaísmo, la publicidad, el fotomontaje y el collage son las grandes influencias en el  Arte Pop, que más allá de lo visual, esconden una irónica percepción de la realidad, una crítica de la sociedad de consumo de la que se retroalimenta. El artista pionero fue Richard Hamilton y su obra «¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?». Roy Lichtenstein y sus composiciones salidas de viñetas de cómic, Tom Wesselmann y la sensualidad como reclamo publicitario, y Andy Wharhol y sus famosas series, forman el Olimpo de los artistas pop. A nuestro país llegaron estas influencias, aunque, como tantas veces, no se...