La senda hacia un terreno musical exento de leyes Ene27

La senda hacia un terreno musical exento de leyes...

If es el tercer trabajo discográfico de Neuman, y con él han puesto patas arriba la escena musical española en 2014. Un álbum difícil de describir, repleto de matices y con una producción y ejecución muy cuidadas. Aunque Neuman no ha aparecido de la nada y llevaba años considerada como una «banda de culto», con su último disco se ha atrevido a dar otro paso más en ese camino tan personal y singular que se ha decidido a trazar. Estamos acostumbrados, de manera consciente o inconsciente, a catalogar la música que llega a nuestros oídos; nos ocurre tanto con los estilos que nos hacen vibrar como con los que apenas consiguen transmitirnos algo. Rock, pop, blues, jazz, reggae, metal… Pero, ¿qué pasa cuando aparece un grupo que no conseguimos insertar en ningún casillero? Por lo general, hay dos grandes posibilidades. O no le pillamos el truco, o se lo pillamos y mucho. La segunda de las opciones es la que pega más con Neuman. Hay quien los define como un grupo de pop, quien habla de su música como si fuese un subgénero propio dentro del rock, mientras otros tan solo aciertan a decir «tiene algo de experimental… no sé, está muy bien». Quedémonos con el está muy bien, pues los géneros, en el caso que nos atañe, importan bien poco. Este grupo murciano está formado por Paco Román (voz y guitarra), fundador de la agrupación, Fernando Lillo (piano), Juan Salinas (guitarra), David Manzullo (bajo) y Alex Dumdaca (batería). Llevan años tocando juntos, moviéndose por el terreno musical con buenas maneras, dejando constancia de que no son una banda al uso en cuanto a materia musical. De ahí que muchos encuentren facilidad para colgarles la etiqueta de «banda de culto». Mucho más fácil que detenerse...

Descubriendo a Fredi Leis: verso, pudor y lágrimas Ene27

Descubriendo a Fredi Leis: verso, pudor y lágrimas...

Allí donde lo dejaron Sabina, Aute o Serrat, hay una nueva generación de voces intimistas reinventando la poesía. Sin desmerecer a los grandes, podemos decir que vivimos una segunda época dorada de la canción de autor. Pero en este revival son pocos los que sorprenden de verdad, y sólo con uno he experimentado el amor a primera escucha. Le conocí entre copas y al calor de las buenas amistades. Era 4 de septiembre en el Libertad 8. Madrid todavía olía a verano y a mí me llevaban a un concierto con el corazón a flor de piel. El músico se llamaba Fredi Leis y me habían dicho que en cuanto se subiera al escenario le iba a querer. El salón estaba lleno y mi amiga Julia no paraba de hablar de las noches que había compartido con él en Santiago, y es que después entendí que cuando Fredi canta, te está cantando a ti, sólo a ti, y ya no existe nadie más en el bar. Es difícil ordenar las ideas para hablar de este coruñés. Con 26 años parece que ha vivido todos y cada uno de los sabores y sinsabores del amor. Escucharle es desnudarse y asumir que te va a doler el alma, que probablemente vas a volver a casa tocada y hundida, recordando todas las veces que alguien te obligó a querer sin querer. Fredi Leis es delicado y sutil. Juega con las palabras para poner letra a eso que llamamos estar enamorado. Suena a Ismael Serrano, a Andrés Suárez y a Marwan, pero es él. Él y su piano; y tú; y tu vida frente a ti, con toda su dureza y sin contemplaciones. Fredi te abre y te cierra, te remueve por dentro y se pasea por esos...

La vuelta a escena del cantautor escondido Ene13

La vuelta a escena del cantautor escondido...

Damien Rice, cantautor irlandés, estrenó a finales del año pasado un nuevo álbum. Ocho años habían pasado desde su último trabajo, sin apenas ofrecer noticias o pistas sobre nuevos proyectos. Pero, al fin, llegó My favourite faded fantasy. Las canciones de Damien Rice tienen una naturalidad, un carácter intimista, difícil de encontrar en otros artistas. En sus nuevas ocho canciones el músico apenas innova, pero satisface la demanda de muchos fans: más composiciones suyas. Hemos entrado en un nuevo año, apreciado ya el sabor de sus primeros días. Pero todavía queda el aroma a novedad, al «¿qué nos deparará este año?». Estamos aun cogiéndole el ritmo al 2015. Y una buena manera de dar comienzo a una nueva etapa, tan buena como cualquier otra, es echar un vistazo a lo mejor de la anterior. Podríamos empezar con alguno de los trabajos musicales que, en España, han tenido lugar a lo largo del 2014. Pero han quedado ya bien retratados en los números anteriores de esta sección y, ante las previsiones de proyectos muy sugerentes y prometedores que se avecinan en el presente año, la opción para llenar estas líneas ha sido otra. Es el momento de hablar sobre My favourite faded fantasy, el último trabajo de Damien Rice. Publicado hacia finales del año pasado, supuso la vuelta al ruedo de este artista irlandés que deslumbró con sus discos anteriores. Estamos ante un buen álbum, de un músico genial. Solo buen álbum, porque este no mejora el nivel de los anteriores. Pero Damien Rice llevaba ocho años sin publicar nada, sin apenas dar pistas sobre si se encerraría de nuevo en un estudio de grabación o no. Y, además, el resultado no ha sido malo en absoluto. Simplemente, el listón estaba bien alto. My favourite faded...

The Folie Diamond, música para las Cruzadas del siglo XXI Ene13

The Folie Diamond, música para las Cruzadas del siglo XXI...

En el Madrid más moderno y underground, allá donde peregrinan hipsters y alternatas de provincias, el Madrid de las caretas y los nuevos comienzos, todavía quedan personas que se salen de la norma para vivir y actuar desde el corazón. Es el caso de los chicos de The Folie Diamond, un quinteto nacido en el kilómetro cero peninsular que llegó en 2014 para recordarnos que todavía se hace algo más que música de garaje en la capital. Madrid es hoy un reino punk, de guitarras crudas y sonidos estudiadamente imperfectos. El todo vale está de moda y la noche suena a rebeldía juvenil. En este ambiente se conocieron Fran, Antonio, Mario, Javi y José, cinco chicos que aparentemente no tenían nada en común más allá de un amplio bagaje musical. 2012 es su punto de partida. En Aranjuez, Fran y Antonio, dos amigos de toda la vida, empezaban a hablar de cambiar las cosas mientras escuchaban a The Doors, Pink Floyd o a The Stranglers. Estos grupos hicieron mella en su subconsciente mientras poco a poco empezaban a componer lo que más tarde sería The Love Yihad, su primer EP. Juntos, escribieron las cinco canciones que componen el álbum. El local de grabación fue un espacio casero propio de músicos amateur. El resultado, sin embargo, fue un trabajo inesperadamente profesional. Lo hicieron solos, todavía no habían pensado en Javier, con quien Antonio había tomado contacto en la Escuela de Música Creativa. Fue en marzo de este año cuando abrieron su bandcamp y empezaron a sonar como alternativa a la música imperante del momento. Para entonces, The Folie Diamond estaba ya al completo y empezaba su periplo por pequeñas salas y algún que otro festival nacional. En su “Guerra Santa” hay mucho teclado, mucha psicodelia...

El nuevo Casanova de la escena musical: pop fresco y bailable Dic16

El nuevo Casanova de la escena musical: pop fresco y bailable...

Alex Casanova irradia juventud y frescura a través de composiciones con un fondo de tintes oscuros. Su música puede convertirse en lo más bailable de una sala, y tiene en su público tanto a mayores como a pequeños. Antagonasia es el primer trabajo de este músico gallego, que se ha decidido a encarar en solitario una carrera que tiene por bandera un pop fresco y enérgico, donde el sintetizador es pieza clave. Cuando la música consigue hacer sentir algo en quien la escucha, el artista se estará anotando un tanto. Da igual que la sensación suscitada sea de tristeza, de alegría, de nostalgia. O de beberse un buen refresco en una tarde calurosa como las que se dan en Madrid, o en Andalucía, o en las Baleares, en un día cualquiera de agosto. Ese es el efecto que desencadena escuchar Antagonasia, el debut de Alex Casanova. Una dosis de frescura pop que reta a todo aquel que tenga por costumbre escuchar música sin menearse. Tras el seudónimo de Alex Casanova se encuentra un joven de veinticuatro años cuya identidad no será desvelada, porque desde hace ya mucho tiempo cultiva ese alter ego que se ha decidido este año a dar un golpe sobre la escena musical española. Antagonasia es el nombre de su primer trabajo, un concepto ideado por él mismo para definir el contenido que ha moldeado en solitario: el contrapunto entre una musicalidad y una armonía luminosas que contrastan con el fondo algo turbio de sus letras. Ocho composiciones, elegidas de entre más de cien proyectos que el joven artista tenía registrados en su activa cabeza. Con esta carta de presentación, se ha dado pistoletazo de salida a una carrera que varios medios musicales no han querido pasar por alto. Porque una cosa...

Rock psicodélico fermentado en experiencia Dic16

Rock psicodélico fermentado en experiencia...

Explosivos, con un aire de rock clásico y atrevido, los ingleses de The Brew se han consolidado en seis discos y como una de las bandas de referencia del sonido de los setenta. Esta es la crónica de una segunda oportunidad. De una segunda oportunidad en el mundo de la música, así que no es una historia común, sino algo absolutamente extraordinario. Tim Smith quería ser estrella del rock, pero la pequeña ciudad portuaria de Grimsby, abierta al Mar del Norte no era desde luego el mejor escenario posible para sus pretensiones de adolescente. No al menos a mediados de los años setenta, cuando además todos los adolescentes ingleses querían ser estrellas del rock. Tim no dejó nunca las cuatro cuerdas de su m bajo. Se hizo un hombre y siguió tocando. Tuvo un trabajo, casa, hipoteca, esposa, y siguió tocando. Tuvo un hijo y siguió tocando hasta convertirlo en su único seguidor. Quiso que tocara, pero al chaval le interesaron más las baquetas de la batería. Tim siguió tocando, con un batería al que le sacaba treinta años de experiencia, y que llevaba su misma sangre. Entonces, Tim Smith quiso que Kurtis Smith fuera una estrella del rock del siglo XXI. Y siguió tocando. Con él. Para él. Y decidió montar una banda. El verbo inglés to brew tiene ocho traducciones posibles al castellano. Alguna tan british como infusionar (el té) o elaborar cerveza. Otras, contrarias en su sentido, como promocionar, reposar, fabricar o amenazar. Pero el que alude al proceso de fermentación es el que mejor define a la banda británica, que en sólo seis años ya ha ingresado en la categoría de leyenda del revival rock. Eso es lo que hizo Tim Smith: hacer fermentar su experiencia sobre una base de talento, veinte años después...

Sevilla tiene más de un color especial (y musical) Dic09

Sevilla tiene más de un color especial (y musical)...

Full es una banda nacida en Sevilla que, tras sus dos primeros EP, dio un salto notable con su primer larga duración: Mi primer atraco (2013). Canciones de indie-pop enérgico, con melodías y letras que convierten en un trabajo redondo el disco entero.Con letras profundas y con facilidad de atraer al oyente, la banda da forma a un trabajo compuesto por doce composiciones donde logran no repetirse, y con las que demuestran tener mucho que contar a través de su música No dejan de aparecer nuevos nombres en el panorama musical de toda la península, es una realidad tan grande como reconocible. Vamos en un medio de transporte, en el coche, de camino al trabajo, a una cita o de regreso a casa. Y en la radio suenan temas que se quedan resonando en el oído. Pero, además, con el auge y poderoso dominio de internet, ahora todavía más agrupaciones tienen la posibilidad de llegar a un mayor número de oyentes. Hay de todo, claro. Mejor o peor. Pegadizo o demasiado plano. Tradicional o experimental. De todo; en las diferentes plataformas que internet pone a disposición, uno puede encontrarse de todo. Y eso es algo que se agradece cuando, de repente, el nombre de Full aparece por algún recoveco y decides saciar tu curiosidad. Full es un proyecto nacido en Sevilla, cuyo éxito y acogida lo ha ido dibujando como una banda a caballo entre la capital andaluza y Madrid. Sus componentes son Javi Valencia (voz y guitarra), Bubby Sanchís (guitarra y coros), Manu Jurado (teclado y coros), Jesús Gutiérrez (bajo), y Jaime Gutiérrez (batería). La identidad de Full comenzó a labrarse cuando, en 2011, publicaron el que sería su primer EP, 7 meses en la caseta del perro. Una carta de presentación consistente...

La explosión de hard rock que no vino de Los Ángeles, sino de Madrid Dic02

La explosión de hard rock que no vino de Los Ángeles, sino de Madrid...

El género del hard rock (acompañado de un sleaze, para quien controla bien la escena) celebra el estreno de un nuevo trabajo. Swallow and shut up?? es lo nuevo de Sexplosion, una banda madrileña que ha dado lugar a un álbum compacto y contundente. Sexplosion es un cuarteto madrileño dedicado, en cuerpo y alma, al más puro estilo hard rock sleaze. Sus estructuras contundentes y sus mensajes de filo cortante hacen recordar a la época gloriosa que surgió en Los Ángeles, en la década de los 80. El género anteriormente mencionado está bastante extendido por la geografía española, si bien no goza del mismo reconocimiento que otros como el pop o el rock más ligero. Sin embargo, las bandas que ponen una distorsión afilada a sus guitarras y cuyas baquetas redoblan furiosas jugando con los ritmos, cuentan con un público fiel y enérgico. Rara vez son nombre protagonista en festivales de corte mainstream, ni falta que hace. A quien le interese la música más salvaje, aquella con la que agitar melena o coronilla al descubierto, sabe a dónde acudir. Y qué grupos seguir. Sexplosion es una banda surgida en el vientre de Madrid, aunque si a uno le ocultan el dato hasta después de haberlos escuchado, puede quedarse bastante sorprendido con la revelación. Su sonido recuerda a la explosividad más pura del hard rock que tuvo su punto álgido en la época de los 80, allá por Los Ángeles. Por dar una referencia, con la que se puede estar de acuerdo en mayor o menor medida, en el repertorio de este cuarteto madrileño hay composiciones que hubiesen firmado los mismos Guns N’ Roses. Las influencias, pero también el descaro y la potencia que vierten en sus letras y estructuras musicales, hacen casi inevitable acordarse de...

Músicas, femenino plural Nov27

Músicas, femenino plural...

La orquesta de cuerda Almaclara, integrada únicamente por intérpretes femeninas menores de treinta años, rinde homenaje con sus propuestas a todas las mujeres que han escrito su nombre con mayúsculas en la historia de la música clásica. Conciertos basados en piezas clásicas que sirvieron de banda sonora al cine, fusión con el baile y el cante flamenco, o proyectos pedagógicos para la aproximación integral a la música clásica son algunas de las propuestas de la original formación. Decidieron buscar una inspiración más allá del pentagrama, y la encontraron en esas otras líneas en las que los músicos escriben su propia vida: la de sus biografías. Eran mujeres y hacían música, y decidieron buscar en las vidas de otras mujeres que encontraron su esencia en el mismo arte de hacer vibrar el aire convirtiéndolo en melodía. Así nació Almaclara, una formación integrada por una veintena de intérpretes de cuerda, todas ellas menores de treinta años, que apostaron por una visión femenina de la composición; de la interpretación, de la música. Y así es como llegaron hasta otras dos mujeres a las que obviamente conocían, Alma Mahler y Clara Schumann, y a cuyos nombres de pila deben el nombre de la formación. También llegaron hasta el descubrimiento de que habían supuesto mucho más de lo que los anales han querido contar, precisamente por su condición femenina. La vienesa, esposa de Gustav Mahler, fue conocida por sus affaires con los pintores Klimt y Kokoshcka, y sus posteriores matrimonios con el arquitecto Walter Gropius, fundador de la corriente conocida como bauhaus, o el escritor Franz Werfel. Pero además de sus relaciones sentimentales con algunos de los puntales de la cultura centroeuropea de principios del siglo XX, que decían mucho del estímulo intelectual que el espíritu creativo de Alma Mahler...

El artesano de las  melodías y texturas musicales que encontró su libertad Nov18

El artesano de las melodías y texturas musicales que encontró su libertad...

La grieta (2014) es el segundo trabajo de Jero Romero, ex componente de la desaparecida The Sunday Drivers, en «solitario». Hay que señalarlo así porque, esta vez, el artista hace uso de un ambiente instrumental mayor, sin dejar de lado su carácter intimista. En estas nuevas diez canciones, hace lo que mejor se le da: construir melodías y gozar de una libertad estructural y armoniosa difícil de encontrar en otros terrenos. El nombre de Jero Romero, antes de descubrir ese espacio donde orbitar a su propio ritmo y bajo sus propios movimientos, se dio a conocer cuando la banda española The Sunday Drivers contagió a todo el país con su pegadizo y exitoso Do it. Por aquel entonces, Jero era el vocalista y guitarrista de esta formación, que tuvo una trayectoria de unos diez años y gozó de cierto éxito en varios países europeos. En España la banda tuvo también su séquito de seguidores, aunque ya sabemos cómo nos portamos a veces con los artistas de la casa que se ponen a cantar en idioma anglosajón. Pero, en 2010, la banda anunció que había escrito su punto y final. Por supuesto, se trataba de músicos inquietos y con mucho que contar todavía a través de la música, así que algunos formaron la banda Mucho (de la que probablemente no tardaremos demasiado en hablar en estas páginas) y Jero Romero se decidió a iniciar una carrera en solitario. En 2011, por tanto, el ex miembro de The Sunday Drivers sacó a la luz su primer proyecto, titulado Cabeza de león. Lo hizo tras recibir una destacable acogida a través de la red, en la que apostó por el (tan conocido hoy en día) método del crowfunding: proponer a los posibles interesados que invirtiesen en la...

La esencia del punk peruano se reinventa en las entrañas de Madrid Nov11

La esencia del punk peruano se reinventa en las entrañas de Madrid...

Landia es una formación reciente que tiene su base en Madrid. Sus miembros, Renzo y Emilio, son viejos conocidos de la escena musical del punk peruano, cuya esencia modelan ahora en territorio español. Su carácter enérgico, junto con sus melodías pegadizas y cadenciosas, se mezcla con el alto voltaje de sus conciertos. Hace apenas un mes han estrenado su primer trabajo de estudio, autoeditado: Grandes éxitos vol. 1. España puede presumir, en la actualidad, de acoger en su seno a una notable cantidad de géneros y subgéneros musicales. Bandas con las que se podría conformar un diccionario bien completo, y que seguramente tendría recorrido pleno desde la A hasta la Z. Pero, además, en nuestra tierra tienen cabida artistas oriundos de otros países, de otros continentes. Es así como podemos llegar hasta Landia, una formación fresca y potente que comienza a reclamar, mediante alto voltaje, la atención que merece. Y la esencia de Landia, con su base ubicada en Madrid, hay que buscarla en Perú. Esta reciente formación está compuesta Renzo Lancho (voz y guitarras) y Emilio Quezada (batería), dos músicos peruanos que en la actualidad se encuentran afincados en la capital española. Si este artículo se publicase en su país natal, los nombres de estos dos componentes resultarían más que familiares. Porque tanto uno como otro tienen su propia historia musical allá. De hecho, Renzo es el fundador de la desaparecida Dalevuelta, banda puntera en la escena del punk en Perú. Una formación que, durante sus once años de existencia, llenó estadios, revolucionó (junto con otras cuatro o cinco bandas) un género que en ese país estaba apenas explotado, y se jactó de conseguir que sus seguidores hiciesen unos pogos dignos de quitar el hipo. Renzo y Emilio, viejos conocidos, se han reencontrado...

Concierto para los rincones del silencio Nov04

Concierto para los rincones del silencio...

Una joven orquesta asturiana lleva nueve años llevando música a distintos lugares del mundo, deprimidos por distintas circunstancias. Conciertos, formación musical, luthería y donación de instrumentos son las líneas de un programa solidario que ha conseguido arrancar miles de sonrisas y hacer nacer y resugir algunas vocaciones musicales. Hay rincones del mundo en los que no suena la música. Son lugares en los que la tristeza ha silenciado todas las melodías. El ritmo al que pasan los días es el que marca la subsistencia. Las canciones que no llegan a la garganta hablan quizás de hambre, quizás de soledad, quizás de pérdidas, de odio, de miedo. Suenan en la memoria, en el recuerdo de otros tiempos que se fueron. De tiempos en los que si había ritmo, y melodía. Pero hay quienes se han empeñado en llevar música a esos rincones sin música. Han decidido hacerlo porque saben que la música es capaz de transportar todo aquello que les falta a la gente que vive en esos lugares, ya sea libertad, esperanza o progreso. Hace ya nueve años que Manuel Paz, el director de la Orquesta de Cámara de Siero, decidió poner en marcha el proyecto Vínculos, señalando con su batuta dos puntos del mapa de América Latina: Bolivia y Brasil. Con un programa de doce conciertos, actuaciones en lugares como la favela Cantagalo de Rio de Janeiro, y decenas de horas de formación de instrumento a niños que jamás podrían haber soñado siquiera con abrazar un violonchelo, se iniciaba la andadura solidaria de la orquesta. Desde entonces, los maestros de la OCAS han decidido consagrar sus vacaciones a la solidaridad. Volvieron a Bolivia dos años después, y volaron a Honduras y Guatemala en 2008. Nicaragua, Ecuador, Grecia, Marruecos en dos ocasiones, y también...

Cuando la muerte viaja en el silencio Oct28

Cuando la muerte viaja en el silencio...

Desde ‘Lili Marleen’, basada en el poema de un soldado de la Primera Guerra Mundial hasta el ‘Devils & dust’ de Springsteen, en la que también se mete en la piel de un combatiente en Iraq, la música del último siglo ha rendido homenajes a aquellos que recurrían precisamente a la música para evadirse del sonido de las balas, y del silencio de la muerte. El rock de los ’70 y la Guerra de Vietnam supusieron una simbiosis absoluta entre la crueldad de los combates y las composiciones desgarradoras, impregnadas de rabia. Las balas silbaban a su alrededor, impregnando el aire de un fétido aliento de muerte. La niebla no dejaba ver los destellos de los Kalashnikov del Vietcong. Unos y otros disparaban a ciegas, guiados solo por el estruendo. La compañía avanzaba, poderosa, aplastando toda la vida que encontraba a su paso. Era un niño al que la madurez le había llegado de golpe, en forma de uniforme mimetizado. Estaba aterrado. Era su bautismo de combate. En la espesura de la jungla, temblaba encogiendo las piernas sobre su pecho, mientras los disparos sonaban desde el otro lado del río. Un cabo del pelotón había tratado de tranquilizarlo, pero sólo consiguió proporcionarle una noche de vigilia. —No tienes que preocuparte. Si escuchas el disparo, es que esa bala ha pasado de largo. No te quería, amigo. No llevaba tu nombre. El joven soldado le miró con una mezcla de agradecimiento e incredulidad, antes de reflexionar que su compañero de armas llevaba razón. A veces, cuando se producía una detonación aislada, se oía el silbido del proyectil antes que el quejido del fusil en la distancia. —En la escuela de Físicas se aprende que las balas viajan más rápido que el sonido. No puedes escuchar...

Las máscaras que el tiempo arranca Oct28

Las máscaras que el tiempo arranca...

La Sala Malandar de Sevilla acoge el próximo 23 de noviembre la presentación de En busca del tiempo perdido, el nuevo disco de Carlos Abad. Los diez temas que conforman el trabajo hablan recurrentemente el paso del tiempo, y de cómo modifica las relaciones humanas y la propia esencia de las personas. Una lección musical de filosofía, con aires que recuerdan a Jeff Lynne o a The Beatles en muchos de los arreglos y en la propia atmósfera de las canciones. Camina titubeando en cada paso. Cierra los hombros sobre su pecho, y tiende a unir los dedos, que parecen desprovistos de sentido sin una guitarra en las manos. También tiende a bajar la mirada, como si buscara encontrar la visión de seis cuerdas vibrando entre sus caderas. Paradójicamente, su espalda se curva levemente al bajar del escenario, y se yergue cuando la cinta del instrumento ejerce la presión del peso y de la responsabilidad. Tiene arrestos de coraje escénico, pero enseguida son frenados por las riendas de su retraimiento. Así es Carlos Abad (Sevilla, 1982): un músico desnudo de arrogancias, que compone y toca para encontrar los caminos por los que llevar al mundo su visión del mundo. «Nunca pienso en hacer nada comercial. Y no es por no prostituirme, sino porque el único motivo por el que hago esto es por amor al arte, por plasmar en un disco lo que he querido contar», asegura él mismo con una determinación nacida —se percibe en la gestualidad— de principios férreos; inquebrantables. En busca del tiempo perdido es el título que llevan esas diez reflexiones del artista sevillano, agrupadas en un disco que originalmente pretendió que tuviera el vinilo como soporte. «Quería jugar con el tópico de las dos caras de la moneda, y...

El estilo confundible que responderá siempre al nombre de Cornelius Oct21

El estilo confundible que responderá siempre al nombre de Cornelius...

The Cornelius es una banda que, a pesar de su completo historial, todavía no ha soplado ni diez velas. Con un estilo que se mueve entre corrientes de funk y pop rock, ha conseguido que productores como Mick Glossop se enamorasen de su trabajo. Tras diferentes experiencias en escenarios y estudios de grabación, en 2013 publicaron Walking in Circles, donde algunos de sus temas recuerdan al álbum que supuso su primer y asombroso trabajo: Greatest Hits. Son actualmente The Cornelius, antes han sido Cornelius 1960 y, en sus orígenes, decidieron acompañar el agua bendita de un simple Cornelius. Y ese, guste más o guste menos, será el nombre que perdurará: Cornelius. Al igual que el estilo con el que abrieron tantas bocas y se ganaron tanto respeto. Una banda compuesta por auténticos profesionales de la música, tanto en materias de composición como de ejecución. Su carácter funky, sus composiciones trabajadas y pulidas hasta el detalle más sutil, y la genialidad de sus directos los convierte en un grupo que todavía no goza de todo el prestigio que merece. The Cornelius se compone en la actualidad de David Caneda «Chiquillo» (voz), Antonio Casado «el Abuelo» (guitarra), Toni B. Willisch (guitarra), Andoni Arcos (bajo), José A. Vilas (teclado) y Alberto Dopico (batería). A pesar de que a las baquetas la banda ha registrado varios cambios a lo largo de su trayectoria, el bloque se ha mantenido sólido desde sus inicios. Este conjunto, de origen gallego, se dio a conocer a lo grande en 2007, con su álbum Greatest Hits. Quienes conocían a los músicos sabían lo que podía dar de sí cada uno de ellos, pero el lanzamiento de este trabajo demostró la contundencia y calidad que atesoraban formando equipo. Fue un impacto, y una alegría,...

Más allá de melodías, acordes y transiciones convencionales Sep30

Más allá de melodías, acordes y transiciones convencionales...

Tuya es un proyecto nacido a raíz de la propuesta musical de David T. Ginzo. Con un epé, Own, interpretado exclusivamente por él, armó una agrupación que lo acompañase en los directos. Fue así como, convenciendo desde el escenario, Tuya editó en 2012 Waterspot, su primer larga duración. Su carácter experimental lo aparta de los circuitos convencionales, aunque la naturalidad y la plenitud de su música lo convierten en un grupo a seguir. Cuesta creer que en la música no esté ya todo hecho. Pero sabemos que no es así. Que a pesar de existir un número incontable y desconocido (y, por si fuese poco, creciente) de canciones, cada día tenemos la oportunidad de escuchar y disfrutar de algo nuevo. Y eso que la escala musical se compone de siete notas. Siete. Pero luego aparecen las alteraciones para rendir buen tributo a su nombre, y de ahí surgen ilimitadas combinaciones que hacen que la música sea, en realidad, un prodigio. Es lo que pasa con prácticamente todo aquello que está relacionado con el arte. Por temas esenciales tenemos la vida, el amor y la muerte. Que nadie nos mueva de ahí. Pero luego surgen los conflictos, los acuerdos, las experiencias que en resumidas cuentas dan pie a millones de novelas, de películas, de cuadros, de fotografías, de canciones. Cada una con su propia mota de particularidad, que la diferencia del resto. Y es así como llegamos hasta Tuya. Tuya no es un conjunto musical al uso, entendiendo por el mismo una agrupación con su número invariable de miembros y su estilo definido. Hay bandas con historias que podrán resultar más curiosas, más insólitas. Pero esta no está nada mal y, desde luego, se aparta de unos cuantos cánones. Tuya se forma a finales de...

Blues en lo profundo de la marisma Sep30

Blues en lo profundo de la marisma...

El próximo sábado cuatro de Abril llega una nueva edición del festival Tomate Blues, encuentro heterogéneo y de sabor genuinamente popular, que convoca en el Parque de los Hermanamientos de la sevillana localidad Los Palacios y Villafranca, a amantes del blues (y también a amantes de la mas sencilla y pura diversión) de muchos lugares. Con la actuación de grandes músicos como La blues band de Granada o Lolo Ortega, que se encargarán de recrear en plena marisma sevillana un pequeño delta al sur de los Estados Unidos. Cada otoño, con la llegada de las primeras tardes agradables, noches de brisa fresca y el rugir de la vida que se reincorpora a la cotidianidad tras las vacaciones, Los Palacios y Villafranca, localidad del bajo Guadalquivir, ofrece una fulgurante despedida al verano y calma su pasión, volcada en la guitarra y el cante flamencos, en favor del sonido de otro sur igual de sudoroso, adoptando como propio el canto de la Norteamérica mas profunda. El Tomate Blues, festival dedicado a la música nacida a orillas del Mississipi (junto a otras afines) y evento cada vez mas  multitudinario, llega a su cuarta edición el próximo sábado 5 de octubre, convocando por igual  a fieles y profanos de esa música del lamento y la emoción, que tan bien conoce la racial marginalidad de la que surge lo jondo, para dejar claro en la práctica algo que ya intuíamos en la teoría, que en el sur, da lo mismo si es el peninsular o el de los Estados Unidos; el gentío, la fiesta y la música se viven de forma única Quizás el sol bajo reflejado en la marisma, la humedad de estas tierras, se parezcan mas de lo que pensamos a los calurosos páramos en los que...

Alberto Cortez, la majestuosidad de un cantautor Sep23

Alberto Cortez, la majestuosidad de un cantautor...

El hotel Alfonso XIII de Sevilla se engrandeció con la voz del cantautor argentino, Alberto Cortez, para quien, como en una de sus composiciones canta, «La vida da mil vueltas, pero por más que gire, siempre, vuelve a empezar». A los 55 años de su internacional carrera, el de la Pampa, sigue cantando con más fuerza, aún, que con la que comenzó a cantar. Seguramente, alguna noche se habrán detenido, mientras caminaban por la calle San Fernando, de Sevilla, a contemplar la altivez austera, arábigo-andaluza, del Alfonso XIII, un hotel que comenzó siéndolo por albergar en sus opulentas estancias a los invitados de la Exposición Iberoamericana de 1929 mas, probablemente, la noche del 18 de septiembre de 2014 cualquiera de esas miradas detenidas no pudo adivinar que en una de sus dependencias, una voz oriunda de la Pampa Argentina haría invisibles el mármol, los dorados estucos, los tapices, las alfombras, azulejos; las once artesanas arañas de bohemia suspendidas en las maderas orladas, de caoba, de la techumbre mudéjar; y los candelabros aplicados a los muros que separaban las arqueadas y majestuosas puertas. A las 21.15 de la noche en aquél Salón de reyes solo existía la voz de Alberto Cortez. Iluminado por dos modestos focos, Cortez permanecía sentado en el centro del íntimo escenario acompañado por un piano de cola. El público, de amasados años, lo abrazaba manteniendo la misma postura que el cantautor. La escena, acompañada por el tintineo de las cuerdas suaves, se permeabilizaba con la letra que estaba entonando «Mi árbol quedó y el tiempo pasó…». Siempre hubo y habrá cantautores, muchos permanecerán sin que se conozcan sus nombres, pero habrá quienes como él tengan la fortuna de cantarlas y no de cualquier manera, porque de cualquier manera no basta para...

Los «síntomas» de una evolución notoria sobre el escenario Sep23

Los «síntomas» de una evolución notoria sobre el escenario...

Después de unos inicios sumergido en el pop folk, Inra es un grupo que con su último trabajo ha abierto las puertas del rock. Síntomas, compuesto por seis canciones, es el nombre de su nueva propuesta, que presentarán en la sala Fun Club de Sevilla este sábado. Una cita en la que estarán acompañados por el grupo gaditano Furia (con quienes ya presentaron su trabajo en Madrid), y en donde pondrán a prueba su evolución musical. Hoy en día, la estabilidad de una banda musical se mide, en muchas ocasiones, por su aparición en los diversos medios de comunicación existentes. No es esto, sin embargo, un medidor fiable de calidad ni un sello de garantía de que el producto anunciado no tenga brechas. Pero sí es cierto que, si un grupo llama la atención de un número elevado de oyentes, los medios posarán sus ojos en él. En el caso de Inra, es cada vez más frecuente verlos envueltos en eventos de promoción, en reseñas de publicaciones especializadas y, no menos importante, en el boca a boca de quienes gozan adentrándose en la oscuridad rota por los focos de una sala de música. Algo estarán haciendo bien. O cuanto menos, algo estarán haciendo que llame la atención. Inra es el fruto de un proyecto iniciado en 2009. Su vocalista y guitarrista (sobre todo, en términos acústicos), Irra Gómez, lo puso en marcha ante la necesidad de dar forma a aquellas composiciones e ideas que rondaban su cabeza. Cinco años después, y con muchas experiencias acumuladas, hoy lo acompañan sobre los escenarios Peter Parellada (guitarra eléctrica), Adrián Llopis (bajo y coros) y Adrián Bilbao (batería). Pero los inicios de la banda no son idénticos a lo que en la actualidad se desborda bajo este nombre....

El videoclip que alteró el devenir de una banda irlandesa Sep16

El videoclip que alteró el devenir de una banda irlandesa...

Kodaline es un cuarteto irlandés que, a través de su videoclip All I want, empezó a saborear el éxito. Bajo la premisa de crear canciones que hagan mella en la fibra más sensible, sus temas de pop emocional ya cuentan con un amplio número de seguidores. Su sencillez y naturalidad permiten que público joven y adulto se sientan atraídos por su trabajo. Ahora están centrados en su siguiente álbum, después del lanzamiento en 2013 de su primer disco de larga duración, In A Perfect World. Comenzaron, en 2005, bajo el nombre de 21 Demands, hasta que en 2011 hicieron una parada y replantearon los pasos a dar. En ese momento, nació Kodaline. Y fue lo mejor que le pudo pasar a este cuarteto irlandés, porque desde ese momento sus canciones empezaron a traspasar fronteras, a ser amadas por miles de seguidores. Pronto aparecieron las giras por Europa, por Norteamérica, y sin auparse todavía a la cumbre de grupos musicales de masas, Kodaline encendió su propia luz. Pero todo este éxito tuvo un claro detonante: un vídeo. La banda tenía su propio repertorio de canciones, con un estilo particular donde el pop araña emociones. En los últimos meses, medios y críticos han querido encasillarlos en el indie, en el pop rock; algunos han querido deslizarlos incluso hacia el pop folk. Pero pocos conceptos pueden definir a esta banda mejor que el de pop emocional. Tanto la música como las letras que componen encierran historias y sentimientos emotivos, muy sensibles. Si hay que distinguirlos por algo, es por eso. Son cálidos, y si su presencia en los festivales de mayor envergadura no es todavía una constante, se debe a que, tal vez, son demasiado suaves para la adrenalina que parecen estar obligados a repartir los eventos...

Gracias… totales Sep16

Gracias… totales...

El músico argentino Gustavo Cerati, que con su banda Soda Stereo internacionalizó el rock en español, murió dejando a miles de fans un vacío imposible de llenar. Su famosísimo Gracias totales fue coreado por las calles de Buenos Aires por todo tipo de personas el día que se le enterró. Porque la música de Cerati la escuchaban niños, adultos y ancianos. La intensa vida del artista, le llevo a experimentar con todo tipo de música, con todo tipo de drogas; le llevo a cometer grandes errores y fue capaz de acertar de pleno en muchas ocasiones. Un genio como pocos. El 20 de Septiembre de 1997, Soda Stereo daba su último concierto en el estadio River Plate de Buenos Aires. Ante más de 70.000 mil personas, la banda interpretó el tema De música ligera. Las gradas se venían abajo. Al finalizar, un emocionado Gustavo Cerati se despidió de sus fans diciendo: «No sólo no hubiéramos sido nada sin ustedes, si no con toda la gente que estuvo a nuestro alrededor desde el comienzo. Algunos siguen hasta hoy. Gracias… totales». Hace tan sólo unos días, y después de cuatro años en coma, nos dejó Gustavo Cerati. A pesar de la lluvia, la ciudad de Buenos Aires acudió en masa al Salón de Honor del Palacio Legislativo para despedir al ídolo. El pueblo argentino, de por sí mitómano, se lanzó a recordar, a llorar, a sacar de los placares sus vinilos antiguos, las entradas de los conciertos. Una multitud siguió al cortejo fúnebre hasta el Cementerio de Chacarita, cantaban sus canciones y repetían aquel Gracias totales. Son muy pocos los que llegan a transformar la historia de la música, los que llegan al estado de gurú visionario para sus contemporáneos y para las generaciones futuras. A...

El jazz para todas las edades Sep16

El jazz para todas las edades...

Desde el próximo 21de septiembre y hasta el 28, la música se apoderará del barrio de Sant Andreu de Barcelona. Cada esquina, y cada calle, vibrarán con la música del Jazzing, el primer Festival de Jazz de Sant Andreu. Un Festival único, lleno de magia y de ritmo, en el que los conciertos se sucederán, inundando las calles, y a todos los presentes. Un festival nacido de un sueño que hoy se ha convertido en una realidad conocida en todo el mundo. El futuro del jazz está asegurado. Si esta historia fuera un cuento, podríamos empezarla diciendo aquello de «hace mucho, mucho tiempo, en un reino muy lejano, hubo un músico que enseñaba a unos niños a vivir la pasión de las notas, y acabó formando la big band más joven de Europa». Pero, como esto no es un cuento, vamos a empezar diciendo que hace ocho años hubo un músico que enseñaba a unos niños a vivir la pasión de la música, y acabó formando la big band más joven de Europa. Ese músico es Joan Chamorro, multiinstrumentista con una sólida y dilatada carrera profesional, y el reino, no tan lejano, el barrio de Sant Andreu, en Barcelona, en cuya Escuela Municipal de Música impartía clases. El sueño que tuvo, y en lo que se ha convertido, está recogido en la película «A film about Kids & Music», un precioso documental con numerosos premios nacionales e internacionales, cuyo visionado es más que recomendable. Todo empezó con un pequeño grupo de niños, sus alumnos de saxo, y algunos de combo que no tenían aún contacto con el jazz, al que empezó a dedicar un tiempo extra, dándoles grabaciones de los grandes estándares, para que los escucharan. Los niños lo hacían, disfrutaban, los sacaban de...

Veinte años subiendo el listón desde Granada Sep09

Veinte años subiendo el listón desde Granada...

Niños Mutantes es un grupo granadino que, tras veinte años de carrera, sigue exprimiendo las emociones con las que el pop rock es capaz de salpicar a miles de apasionados de este género musical. El Futuro (2014), es su último trabajo de larga duración. Con once temas, sus melodías y letras cuidadas vuelven a convertirse en protagonistas de una atmósfera que, sin renunciar a su esencia acústica, muestra su garra y sus ganas de cantar sin dejar de bailar. La moda de masas (y un tanto cargante) de definir como indie a todo aquel grupo cuyo sonido entre, en realidad, dentro de un amplio espectro musical, ha tenido sus partes buenas. Se le ha prestado mayor atención a bandas con mucha trayectoria y oficio a sus espaldas que, hasta entonces, no habían logrado hacerse con el espacio merecido en el primer escalón del panorama musical nacional. Eran grupos que se mantenían en una segunda línea, consistentes y en condiciones de ofrecer año tras año trabajos que no bajaban su listón particular, que lograban ganarse la confianza y fidelidad de un grupo de seguidores que, sin embargo, poco tenía que ver con fenómenos muy mediatizados o masivos. Llegó entonces el movimiento indie que, si en un principio contaba con unas características claras y concisas, pronto pasó a denominar a un sinfín de bandas que poco o nada tenían que ver entre ellas. Niños Mutantes, grupo oriundo de Granada, fue salpicado por esta etiqueta. Pero en absoluto estamos hablando de un conjunto novel; han cumplido dos décadas de existencia. Las primeras luces se encendieron cuando Nani Castañeda y Miguel Haro, componentes de la ya desaparecida Mama Baker, se unieron a su compañero Juan Alberto Martínez y dieron origen a un proyecto que hoy se mueve como...

Bulerías que trepan por el pop y reconstruyen el flamenco Sep02

Bulerías que trepan por el pop y reconstruyen el flamenco...

A sus veintiocho años, Yona Luna presenta el que será su tercer trabajo de estudio. Quinto menguante, producido por Son Sur Music, es el último intento de este artista gaditano por obtener el reconocimiento de público y crítica, labor nada sencilla cuando se habla de un músico que fusiona flamenco con pop. Ha llegado la hora de consolidarse o naufragar en el intento. De arrancarse por bulerías sin renunciar a la vitalidad de otros estilos. No ha alcanzado todavía la treintena y Yona Luna es ya un artista con un historial dilatado en terreno musical. Nacido en Cádiz hace veintiocho años, lleva más de media vida dando muestras evidentes de su pasión por el cante inimitable de las tierras andaluzas.  Lleva el flamenco metido en el cuerpo, y el duende acariciando sus cuerdas vocales. Pero, además, su juventud y frescura lo han llevado a continuar una ruta que ya otros artistas se han atrevido a trazar desde hace tiempo: combinar sin miedos el pop con el estilo de su corazón. Con solo doce años, este músico recorría sin temor todo tablao que se le pusiese por delante, participando también en diferentes proyectos musicales en los que dejaba constancia de sus ganas por la interpretación y su pasión por la música. A medida que fue creciendo, fue cogiendo altura también su carrera musical. En 2008 participó en un festival de corte internacional, celebrado en Turquía, donde obtuvo un segundo puesto con su tema Malo pa’ ti. Un tema donde el cantante fusionaba el pop con el flamenco, estilo que se convertiría en signo de identidad de su trayectoria. Desde ese momento, los focos mediáticos y el calor del público fueron arropándolo cada vez más, destapando a un joven que prometía alegrías en el ámbito en...

Experimentar con las convenciones sin ningún temor Jul29

Experimentar con las convenciones sin ningún temor...

Capman se compone de siete músicos con ideas variadas, que dan forma a un repertorio musical difícil de encasillar. El pop, el jazz o el rap se funden y separan en cada una de sus composiciones. Es el juego de experimentar con la música, ligada a letras expresivas, parientes cercanas de la poesía. Su último trabajo, Mucho amor, abre las puertas a la intimidad más natural. Hacemos música para que nuestros días sean mejores. Esa es la premisa, y se centran en cumplirla desde el primer acorde. Capman no es más que el nombre bajo el que se agrupan siete artistas que no buscan sonar a esto ni parecerse a aquello. El objetivo primordial es transmitir, tocar el alma, y para ello se valen de las palabras fundidas con la música. Existe una moda reconocible de querer desprenderse de etiquetas, de evitar caer en la casilla de un género musical establecido con sus propias reglas y características. Podría decirse que Capman mantiene parte de esa actitud, la de apartarse de géneros cerrados, pero lo hace de manera indirecta. Lo consigue a través de anteponer sentimientos a sonido, sensaciones a estilo, situaciones a convenciones. Ninguna de sus canciones suena similar a otra, ese no es el objetivo. No hay una pauta cerrada en sus trabajos, porque su visión de la vida no es uniforme. Es más bien tan amorfa como el título de una de sus últimas composiciones. Las raíces de Capman hay que buscarlas en otro apartado del amplio terreno artístico; concretamente, en el del teatro. En el 2007, Nacho Aldeguer (compositor y cantante en esta banda) y Héctor García (guitarrista) se conocieron entre bastidores en una representación teatral. De ahí surgió el proyecto musical en el que han trabajado hasta ahora. Ninguno de...

Los distintos idiomas de un universo Jul22

Los distintos idiomas de un universo...

Antony regresó al Teatro Real de Madrid para ofrecer el espectáculo Swanlights, un concierto en el que  junto algunos miembros de su banda, The Johnsons, y la Orquesta Titular del Teatro Real, interpretó una selección de temas de los cuatro álbumes que ha publicado. Swanlights, espectáculo encargado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA),  vio la luz por primera vez en esta ciudad norteamericana, en un único concierto, ante un auditorio de más de 6.000 personas. En el Teatro Real de Madrid se escuchaba un murmullo característico que sólo se deja oír los días que va a suceder algo importante. Esta vez, resultaba algo extraño la cantidad de idiomas que se podían percibir en las conversaciones que se producían entre las personas que esperaban el comienzo del concierto (muchas veces nerviosas): inglés, francés, alemán y, lógicamente, castellano. Estos son los que el que escribe pudo reconocer. Eran más. Público de todas las edades, de todas las condiciones, de todas las nacionalidades. Comienza el espectáculo con la performer Johanna Constantine sobre el escenario. La cosa queda vistosa. Un juego entre el cuerpo de la mujer y su sombra. Lo más importante de su actuación es que resulta ser la declaración de intenciones del artista principal del concierto. Una ascensión absoluta, hasta el éxtasis, a través de la música y de unas letras extraordinarias por su contenido lírico; una ascensión compartida por un público entregado que llegaba al teatro dispuesto a dejarse llevar sin rechistar hasta donde fuera necesario. Antony Hegarty se planta en el escenario, a oscuras, y comienza un concierto que provoca lágrimas de emoción, ovaciones auténticas, besos entre unos y otros. No estoy exagerando. Otros parecen quedarse algo más fríos. Seguramente, no entender las letras de las canciones impide un éxtasis algo...

Música no apta para depresivos Jul15

Música no apta para depresivos...

Diez colecciones de canciones destinadas a hacernos palpar el lado mas triste de la vida. Diez propuestas artísticas que alcanzan el éxito a través de infligir heridas. Desde la queja melancólica al aullido existencial, desde el ocaso romántico al delirio nervioso… ¿Es posible llegar a vender miles, cientos de miles de discos, cantando sobre el trauma, la depresión o  el amor a la muerte? En nuestra sociedad, adicta a sentirlo todo protegidos por el airbag de la experiencia ajena, por supuesto que sí. Elegantes ejercicios de estilo, pop sencillo para multitudes, grunge corrosivo, atmosférico post-punk, producciones exquisitas, grabaciones secas y directas, cartas desesperadas de amor o autistas sentimientos de exclusión. Múltiples formas para recubrir los sinsabores de la vida que llegan a hacernos pensar si fue una buena idea pulsar play. ¿Por qué una lista sobre la tristeza? Quizás la respuesta mas sencilla sea porque existe esa posibilidad, brindada por un extenso grupo de músicos que han cantado al dolor y al sufrimiento. La única premisa inicial, que hace homogenea esta selección, fue intentar siempre que el contenido hiriente se manifestase tanto en el sonido como en el mensaje de las letras, dejando fuera odas a la tristeza tan intensas como Meat is murder de The Smiths, This is hardcore de Pulp, o Pink moon de Nick Drake, entre otras muchas obras cuyos ambientes musicales no resultan tan opresivos. ¿Por qué limitar la lista a grupos de éxito? Por un lado para ayudar a quien suscribe a seleccionar tan solo diez propuestas entre las posibilidades que añadiríamos si también investigáramos en el underground musical, tan proclive al lamento existencial y al retrato de la podredumbre social. Por otro porque resulta especialmente atractivo que determinados artistas consigan alcanzar el éxito enfrentando al público con la...

Los pequeños demonios escondidos tras la voz angelical Jul15

Los pequeños demonios escondidos tras la voz angelical...

Desde que en 2008 Lourdes Hernández (bajo el nombre artístico de Russian Red) irrumpiese en la escena musical española han pasado muchas cosas. Otros dos trabajos de estudio, la inclusión en diferentes bandas sonoras de cine (con nominación al Goya de por medio), y la actuación en innumerables festivales. Russian Red se ha erigido en una figura con nombre propio. Su voz sedosa y cautivadora sigue hechizando a quienes la escuchan. Sigue haciendo estragos de una manera tan sutil como intensa. Los cantos de sirena van más allá de ser simples piezas de puzzles mitológicos o legendarios. Los cantos de sirena existen, al menos en el ámbito de la música. Lourdes Hernández, más conocida como Russian Red, sabe mucho de esto. Su timbre vocal puede parecer tan frágil que a quien la escucha le invade la sensación de que esa voz terminará por quebrarse de un momento a otro. Es un tono dulce, desnudísimo, que logra captar toda la atención de quienes tiene alrededor. Si Homero hubiese conocido a Russian Red se hubiese tirado de los pelos, y hubiese advertido a todo el mundo que no se dejase llevar por sus cantos hechizantes. Pero Homero no está aquí para prevenirnos, por lo que caer bajo el embrujo resulta demasiado tentador como para resistirse. Y cuando uno cae donde no debe, a veces, se encuentra con los demonios. Russian Red no tiene que ver con ideologías ni plazas rojas. Evitemos mezclar a Moscú en esto, porque este nombre artístico proviene sencillamente de un modelo de pintalabios. De hecho, tratemos de sortear cualquier relación entre política y la música de esta joven cantautora madrileña; la última vez que se atrevió a mojar la uña del dedo meñique en estas aguas, a punto estuvo de salir escaldada...

La pluralidad de Richard Villalón...

Richard Villalón es un artista que se declara comprometido ideológicamente y se arrima a un público situado en las periferias sociales. Porque Villalón toma la poesía como arma que se llena de sentido, que arroja belleza a una sociedad que trata de escapar de la vulgaridad que impone un sistema cicatero con las formas de arte. La fusión del teatro y esa poesía desemboca en un trabajo, atractivo por su diversidad, que Villalón presenta en el Palacio de la Buhaira de Sevilla el próximo día 12. Richard Villalón Palacio de la Buhaira 12 de julio de 2014 Sevilla Richard Villalón es un hombre extrovertido, amable y, muy, muy, divertido. Le gusta hablar con desenfado y trata cualquier asunto, sea cual sea, cubriéndolo de la importancia que aporta una normalidad que integra todos los estados vitales. Es cantante desde los once años. Tuvo ocasión de compartir en Perú, su país natal, experiencias con artistas que huyeron de Argentina, Chile o Ecuador; cuando el terror represivo se implantó en esos países. Aunque, allí en Perú, se le encuadraba en lo que se conoce como canción criolla siempre estuvo vinculado a una música cercana a la política y al compromiso social. Charlamos con tranquilidad. Dejo que el torrente en el que se convierte Richard cuando quiere expresar una idea vaya descargando ideas y experiencias. «He trabajado mucho en el teatro. He estudiado música durante años. Por esto, quiero que ambas facetas sean una sola cosa convertida en un método de expresión potente y único. Para ello sumo una capacidad vocal que no es otra que la de contratenor clásico que dejó de ser habitual en trabajos parecidos al que yo desarrollo. El problema es que no existe una radio fórmula que acepte en estos momentos a cantantes...

La ruta de la vida trazada por la música Jul09

La ruta de la vida trazada por la música...

Gillian Grassie es una joven compositora, cuya voz cristalina y su virtuosismo con un arpa entre manos nos hace pensar en toda la música que no conocemos, y que podría constituir la banda sonora de nuestra vida. Porque Grassie no es una artista de masas, ni se obsesiona en hacer llegar su música a lo más alto. Tan solo se preocupa de recorrer el mundo, acompañada de su dulce instrumento, y de hacer lo que mejor sabe: crear e interpretar canciones maravillosas. Dentro de la imposibilidad que supone querer conocer o escuchar toda la música que existe y ha existido a lo largo de la historia, podemos tratar de apreciar las ventajas que esto ofrece. Porque el placer de la música no está solo en escucharla. Se halla también en el momento del descubrimiento, en el instante en que una canción desconocida se abre paso a través del sistema auditivo por primera vez. Una melodía, una transición de acordes nunca escuchada hasta entonces, puede ser acogida de diferentes maneras según el estado de ánimo del oyente, según la situación o la escena de la que forma parte. La música es sinónimo de grandeza, y lo es por las mil y una maneras en que puede actuar e influir sobre todas y cada una de las personas que pueblan el planeta. Incluido en el sinfín de posibilidades de dar con un intérprete que propicia una amalgama de sensaciones y sentimientos casi inabarcable, está también el hecho de haber llegado a descubrirlo. Porque los músicos o las bandas de gran fama (que hoy en día se insiste en acunar bajo el término mainstream) lo tienen fácil para que su música se desplace por miles de ciudades, cientos de comunidades y decenas de países. Pero siempre hay...